El lienzo hallado recientemente en Roma que se pensó que podría ser obra de Caravaggio no fue realizado por el célebre pintor. En el año del 400º aniversario de su muerte el artista está más de moda que nunca -hasta se ha llegado a estudiar que la percusión de su obra supera a la de Miguel Ángel- y el descubrimiento frustrado fue celebradísimo en Italia.

Pero el director de los Museos Vaticanos, Antonio Paolucci, ha descartado esta semana que el cuadro 'Martirio de San Lorenzo' hallado entre las propiedades artísticas de la Compañía de Jesús sea obra de Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio. "No hay calidad, mientras que en Caravaggio la calidad siempre existe y es altísima, también cuando hace uso del máximo descuido y de los mínimos recursos expresivos", escribe Paolucci en un artículo que publicó este lunes el diario vaticano 'L'Osservatore Romano', donde afirma que la obra hallada es "una copia modesta" de un original de la época de autoría desconocida. "Con toda seguridad no se trata de un Caravaggio, pero podría ser de uno de sus seguidores de la zona, cerca de Nápoles", explicó este martes la responsable de los museos romanos, Rossella Vodret.

Esta teoría la comparten también otros historiadores de arte internacionales. Señalan que por el modo de pintar, sobre todo por la luz y el fondo oscuro, se puede percibir la influencia de Caravaggio. El material utilizado y la presentación de la perspectiva hablan en contra de la autoría del maestro lombardo. En septiembre, sin embargo, proseguirán los análisis de la obra. Los expertos se toparon con esta obra durante la preparación de una de la múltiples exposiciones que conmemoran este año el 400 aniversario de la muerte del pintor italiano. La obra muestra a San Lorenzo, mártir después de que en el siglo III fuese quemado hasta morir.

Michelangelo Merisi, conocido con el nombre del pueblo de sus padres, Caravaggio, revolucionó la pintura con su técnica del clarooscuro. Fue olvidado durante mucho tiempo y redescubierto a mediados del siglo XX. En la actualidad, el artista nacido en 1571 está considerado uno de los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos.

¿Un túnel del tiempo? No, pero casi. Lo que los técnicos de la Universidad de Santiago, la alemana de Cottbus y la Fundación Barrié de la Maza han conseguido es devolver la obra del Maestro Mateo a su aspecto original. Un viaje virtual que parte de la Cripta de la Catedral de Santiago hasta el año 1188, cuando se colocaron los dinteles y lucía con contundencia el espectro de colores hasta ahora inédito. Ahora, cuando apenas se conserva un 10% de la policromía original, puede incluso resultar "hortera", ha explicado Javier López Martínez, director de la Fundación Barrié.

Y es que el azul turquesa del interior de las túnicas, cortando las superficies color oro en contraste con verdes, rojos y amarillos no deja indiferente. El impacto que causa a la mirada del siglo XXI está garantizado.

Más allá de la recreación de la obra, el espectador podrá redescubrir el Pórtico de la Gloria en todo su esplendor a través de una cámara que "flota" entre las esculturas de granito a través de enlaces "poéticos e iconográficos", en palabras del experto en Historia del Arte, Francisco Prado. Él, junto a Gaël de Guichen, son los comisarios de la iniciativa que, a partir de este lunes, abrirá sus puertas al gran público de forma gratuita y con visitas guiadas. Una oportunidad también de adentrarse en la Cripta del templo compostelano, situada bajo el mismo suelo de la Catedral.

Con banda sonora

La voluntad de los promotores es que el Pórtico de la Gloria, obra cumbre del románico, llegue a centros escolares y educativos a corto plazo. Un paseo en 3D a los largo de 20 minutos y con banda sonora. El grupo Martín Códax acompaña con piezas específicas el recorrido y, más allá de eso, da una nueva vuelta al reproducir también cada uno de los instrumentos que portan los 24 ancianos del Apocalipsis. Así, se podrá escuchar y, a la vez, descubrir cada detalle gracias a las réplicas en madera al ritmo de 'Sons do Pórtico'.

La apuesta parte de un doble objetivo: por un lado, aportar una nueva visión de la obra del Maestro Mateo y, por otro, difundir entre la sociedad el valor de la conservación del patrimonio. Una aspiración en ningún caso baldía habida cuenta del daño que supone para los pilares pétreos el gesto diario y mil veces repetido de apoyar un paragüas mojado o una mochila.

El programa arranca de la mano de la Fundación Barrié, el Arzobispado de Santiago y el Cabildo de la Catedral, dando continuidad al proyecto de visitas guiadas que ha superado las 20.000 personas. Precisamente en relación a la polémica de los andamios en pleno Año Xacobeo, López Martínez resto importancia a la coincidencia de este proyecto y manifestó que no se trataba de ningún "sucedáneo" para los visitantes.

Un giro de 180 grados a la obra del Maestro Mateo

Y es que de la mano de este Pórtico de la Gloria Virtual se podrá apreciar al detalle la sonrisa del profeta Daniel, liberado ya de la espesa capa de polvo que lo cubría, o la intensidad gestual de Isaías, a apenas un metro de distancia del espectador. Como éstos, otros detalles singulares que darán un giro de 180 grados a la obra del Maestro Mateo que además tiene la ventaja de ser un trabajo vivo al que se incorporarán los nuevos hallazgos realizados a pie de laboratorio.

Toda la información de este proyecto, en el que han participado musicólogos, expertos en Arte, Historia y de investigación tecnológica -las investigaciones arrancaron en 2008-, está disponible en la página de la Fundación Barrié de la Maza o, presencialmente, en la Cripta del templo. Un trabajo de carácter pionero por la elevada tecnificación de los medios empleados que parten de un escaneo láser que permite visualizar el monumento como nunca antes.

Obras en la cubierta de la Catedral

Encima de la mesa y en aras de ese interés por proteger el patrimonio, estaría la posibilidad de acometer una reforma en la cubierta del templo a fin de erradicar cualquier foco de humedad. Un extremo que no llegaron a confirmar este martes desde la Consellería de Cultura.

Es la Xunta de Galicia quien tiene la última palabra aquí. En todo caso, los técnicos advierten que según las últimas mediciones de las condiciones climáticas y su incidencia en las esculturas resulta "apremiante" una intervención para salvaguardar este conjunto catalogado por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad. Un factor de peso, sin duda, a la hora de afrontar o no una reforma en la cubierta.

Azul, rojo, amarillo, verde y dorado. El Pórtico de Mateo fue un atrio colorido y brillante de cuya policromía se conserva, bajo el polvo y la humedad, un 10%. Hay capas de varias épocas, algunas fieles a la original y otras, como una del siglo XVI, que actualizaron los ropajes con estampados cargados de flores de lis. Desde el día 2, la Fundación Barrié de la Maza, que lleva a cabo el programa de restauración de este conjunto escultórico, abrirá al público la muestra interactiva Pórtico de la Gloria virtual, en la que se podrá "volar" sobre las figuras, entrar en los recovecos, verlo todo en tres dimensiones y sin la suciedad que lo cubre. La Universidade de Santiago creó aplicaciones informáticas a partir del escaneado del Pórtico y las investigaciones del último año. Se puede, incluso, escuchar el sonido de los instrumentos de los ancianos. En los próximos meses, la Barrié planea recrear por ordenador, basándose en los restos de pigmento, aquellos que "podrían haber sido" los colores del Pórtico. De momento, lo ha hecho con el pantocrátor.

Entre 1919 y 1992, según las fotos de diferentes archivos que ha conseguido recabar la Fundación Barrié, y que se incluyen en la exposición, el Pórtico de la Gloria sufrió un deterioro mucho menor que el que padeció a partir de entonces, sobre todo entrado el siglo XXI, y más que nada desde el año pasado. Basta con comparar dos imágenes tomadas en 2009 y en 2010 al rostro de San Pedro para alarmarse. La intervención es "urgente" y lo primero que hay que hacer, explica Francisco Prado, comisario junto con Gaël de Guichen de la muestra Pórtico de la Gloria Virtual, es atajar antes de que vuelvan las lluvias el mayor de los problemas. El comité científico elegido por la fundación que paga la restauración del Pórtico ya tiene preparada, para presentar de forma inminente a la Xunta, una propuesta de reparación de las cubiertas y de la torre de la catedral por la que se filtra el agua hasta el Pórtico.

En la mitad derecha del conjunto creado por el maestro Mateo en el siglo XII, el daño es mucho mayor que en la parte izquierda. El pantocrátor, en el centro, marca claramente el límite del flanco afectado por la humedad que baja desde hace siglos, y cada vez a mayor velocidad, desde el campanario. La torre, seguramente por problemas de asentamiento del terreno, se fue torciendo y, para reforzarla, antaño se decidió cegarla y rellenarla con tierra hasta un nivel que aproximadamente alcanza la altura del tímpano del Pórtico. Esto hace que el agua se acumule en ese lugar y acabe abriéndose paso hasta las esculturas. "Hay tanta humedad", asegura Prado, "que detrás de las figuras se forman gotas".

A simple vista, se aprecia que la derecha del Pórtico está ennegrecida, invadida por los líquenes y cubierta de una gruesa capa de polvo compacto que acelera más el daño en la policromía.

El Städel Museum de Fráncfort del Meno -la ciudad más importante del Estado federado de Hesse (Alemania)- cuenta con una de las colecciones de arte más importantes de Alemania, compuesta por 2.700 cuadros (de los cuales se exhiben 600) y una colección gráfica de 100.000 dibujos y láminas así como 600 esculturas. Fundado en 1818 por el banquero y comerciante Johann Friedrich Städel, el Städel tiene entre sus fondos pintura europea de siete siglos, comenzando a principios del siglo XIV hasta llegar al gótico tardío, Renacimiento, Barroco, y siglos XIX y XX. Entre las obras más destacadas de la institución se encuentran obras de Sandro Botticelli, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini o Bartolommeo Veneto en la Colección de pintura italiana de los siglos XV y XVI; importantes originales de Lucas Cranach el Viejo, Albrecht Altdorfer, Hans Holbein el Joven y Hans Baldung Grien en lo correspondiente al Renacimiento alemán. De Durero existe una enorme colección de grabados, que habitualmente no se exponen para preservarlos de la luz. Del Barroco holandés, destacan varios óleos de Rembrandt, como La ceguera de Sansón y David tocando el arpa ante Saúl, o la obra maestra El geógrafo, de Vermeer. Además, la colección de pintura y escultura alcanza a las épocas del Impresionismo o las vanguardias del siglo XX, con ejemplos de Degas, Renoir, Picasso, Franz Marc, Kirchner, Yves Klein o Max Beckmann.

El Museo Guggenheim Bilbao acogerá a partir del 8 de octubre La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum, una completa muestra de los fondos del Städel Museum de Fráncfort, institución fundada en 1816 que alberga una de las colecciones de pintura holandesa y flamenca del siglo XVII más importantes de Europa.

Este estilo artístico ocupó un lugar prioritario en la formación de la colección de Johann Friedrich Städel (1728-1816), el origen de los fondos del museo que hoy lleva su nombre. La exposición presenta obras maestras de los principales pintores de la Edad de Oro, generando una interesante reflexión sobre cómo esta época de extraordinario interés historiográfico y artístico promovió el desarrollo de nuevos géneros pictóricos y la redefinición de otros clásicos como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta o la pintura de historia.

La pieza El geógrafo (1668-69), de Jan Vermeer van Delft, sirve como punto de partida de la muestra, en la que no faltarán trabajos de maestros como Rembrandt, Peter Paul Rubens, Dirk van Baburen o Frans Hals.

Bilbao. La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum. Museo Guggenheim. Del 8 de octubre de 2010 al 13 de febrero de 2011.

En cualquier caso, la obra de Sam Francis (como la de los tachistas o la de Pollock) hace una apuesta rotunda por la espontaneidad, dando absoluta prioridad al sentimiento libre sobre la razón. Pero a Francis le gustaba explorar nuevas propuestas. Por ello en algunas de sus obras encontramos ecos evidentes del minimalismo. Y ya se sabe, ved el cuadro de la izquierda: menos es más, como dijo Mies.

La Web de la Fundación Sam Francis (en inglés) ofrece abundantes datos sobre el pintor. Además, este otro sitio afirma que va a tener disponible en breve amplios recursos sobre Francis. Por su parte, esta galería y esta otra Web muestran muchas imágenes de sus obras.

La ciudad de Brasilia, en cuya gestación participó el arquitecto Oscar Niemeyer, acaba de celebrar su 50 aniversario. Inaugurada en 21 de abril de 1960, fue el proyecto más importante del presidente Juscelino Kubitschek, que deseaba adentrar la capital hacia el interior del país para poblar las zonas selváticas. Esta ciudad se creo con la utópica idea de eliminar las clases sociales. Desde 1987 es Patrimonio Cultural de la Humanidad.

En 1956, el urbanista Lúcio Costa ganó el concurso para proyectar la nueva capital en el centro del país y, por iniciativa del presidente Kubitschek, Oscar Niemeyer fue invitado a trabajar en ella como encargado de los proyectos de edificios, quedando Costa como responsable del plan de la ciudad y del desarrollo urbanístico.

Diferentes edificios

Oscar Niemeyer, uno de los pioneros del Movimiento Moderno Internacional, ha sabido incorporar al racionalismo funcionalista los espacios sensuales y los valores poéticos que distinguen la cultura de su país, Brasil.

Nació en Río de Janeiro en 1907, se graduó en la Escola Nacional de Belas Artas de Rio de Janeiro en 1934, y un año después comenzó a trabajar en el estudio de Lúcio Costa. En 1936 se unió a un grupo de arquitectos brasileños que estaban colaborando con Le Corbusier en el nuevo Ministerio de Educación y Salud.

En 1956, fue nombrado arquitecto supervisor de Nova Cap, organización encargada de la ejecución de los proyectos de Lucio Costa para la nueva capital de Brasil, y al año siguiente se convirtió en el arquitecto jefe, diseñando la mayoría de los edificios más importantes. Hasta su exilio en Francia en 1964 por su filiación política comunista, continuó trabajando en Brasil, a donde regresó 10 años después. En 1970 le concedieron la Gold Medal of the American Institute of Architecture; y en 1989, el Premio Pritzker de Arquitectura y el Príncipe de Asturias de las Artes.

La elección de Niemeyer por parte del presidente no fue casual: desde 1938 –aproximadamente– Niemeyer estuvo trabajando en el conjunto de Pampulha; se trataba de la primera obra que éste llevó a cabo como funcionario público y también la primera que Niemeyer realizó como arquitecto. La arquitectura de este conjunto tuvo gran repercusión y cuando se decidió la construcción de Brasilia el presidente no dudó en elegir a Niemeyer.

En pocos meses, Niemeyer diseñó decenas de edificios residenciales, comerciales y administrativos. Entre ellos, se construyó un lago para asegurar la habitabilidad de la zona, ya que el terreno era muy árido. En un principio, la planta de la ciudad se proyectó como la de una cruz apuntando al noroeste pero, al finalizar las obras, ésta tomó la forma de un pájaro en vuelo: la cabeza es la llamada Plaza de los Tres Poderes, en el cuello se encuentran los ministerios y los edificios públicos, por detrás están las zonas de ocio y en las alas las zonas residenciales.

Entre los edificios levantados por el arquitecto cabe destacar la residencia del Presidente (Palácio da Alvorada), el Congreso Nacional (la Cámara de los Diputados y el Senado Federal), la Catedral de Brasilia, el Palacio de Itamaraty, sede de la cancillería, la sede del Supremo Tribunal Federal, los edificios de los ministerios, y la sede del gobierno, el Palacio del Planalto.

Construida en cuatro años

En cuatro años, el plazo correspondiente al mandato presidencial, Brasilia fue proyectada, construida e inaugurada. Con Brasilia se evidenció que era posible una arquitectura diferente, una arquitectura que sorprendía. Niemeyer hizo su propia versión de la arquitectura moderna, pero menos rígida que la ortodoxa, al introducir elementos de la vernácula brasileña.

Niemeyer siempre ha concebido sus proyectos como esculturas, basándose en los principios arquitectónicos de Le Corbusier, cuyos planteamientos le influyeron poderosamente, convirtiéndose así en uno de los principales exponentes del Movimiento Moderno en Latinoamérica.

Su arquitectura es pionera en la exploración de las múltiples facetas y posibilidades del hormigón, creando estructuras ligeras, dinámicas, que muestran otro aspecto del material y se acercan a las formas de la naturaleza. Para él, la curva es la protagonista de sus obras, rechazando por completo el ángulo recto. Y Brasilia es un claro ejemplo de todo ello.

Si alguien nos dijera que uno de los grandes museos de arte internacionales lleva años trabajando duramente para ofrecer al público una exposición de tan sólo cinco obras de un artista, seguramente pensaríamos que no será por ese acontecimiento por el que logre pasar a la historia ni batir ningún record de visitas.
Pero si el protagonista de esa exposición resulta ser uno de los mayores genios de la pintura de todos los tiempos, de cuya obra únicamente han logrado sobrevivir apenas 15 piezas, las cosas parece que se ven de otro modo.

Sin precedentes

Según informa el diario londinense The Independent, después de más de cuatro años de negociaciones, restauraciones y preparativos en los despachos, la National Gallery de Londres ha anunciado la exhibición del mayor numero de pinturas jamás reunidas en un mismo lugar de Leonardo Da Vinci, el gran maestro renacentista, una exposición titulada Leonardo da Vinci: Pintor de la corte de Milán que se desarrollará del 9 noviembre de 2011 al 5 de febrero de 2012 y que podría llegar a ser la más popular de la historia de esta institución.

Los directivos de la Nacional Gallery han confirmado recientemente haber llegado a “acuerdos sin precedentes" con museos como el Louvre de París y el Hermitage en San Petersburgo que aseguran el préstamo de varias obras de Da Vinci pintadas a finales de los años 1480 y 1490, cuando el artista se encontraba bajo el patrocinio del gobernante de Milán.

Con cinco pinturas ya aseguradas y unas negociaciones que continúan activas para agregar otros tres trabajos más a la ya espectacular lista, la exposición será sin duda una primicia mundial al conseguir juntar tantos “leonardos” bajo un mismo techo.

Éxito asegurado

En el fondo, los gestores de la National confían en que el show que se desplegará en el Ala Sainsbury de la galería londinense contenga hasta ocho obras de una de las más fascinantes y populares figuras de la historia del arte e incluso que llegue a superar el mayor éxito de taquilla conseguido anteriormente con la retrospectiva de Velázquez en 2006, que atrajo a 302.000 visitantes. También esperan que la venta de entradas y los ingresos por merchandising servirán para recuperar al menos el coste – cifrado en varios millones de libras - de asegurar las obras durante su estancia en Londres.

El comisario de la exposición, Lucas Syson, ha comentado: "Da Vinci creía en la calidad más que en la cantidad. Buscó producir muy pocas pinturas, pero que fueran perfectas. Existen muy pocos cuadros suyos, lo que explicaría porqué nunca antes se había intentado montar una exposición de este tipo. Su propia organización es sin duda es un reto. El objetivo es mostrar que Leonardo era ante todo un pintor y que disponía de una extraordinaria capacidad de investigar y describir el mundo natural."

La exposición de Londres se centrará en el período que Da Vinci pasó como pintor de la corte del duque Lodovio Sforza, durante el cual el artista instauró, por primera vez , el sistema de disponer de unos ingresos fijos en concepto de salario, lo que le permitió disfrutar de tiempo para explorar sus pioneros métodos de representación de la anatomía y expresión de la figura humana, además de su fascinación por las plantas y los animales.

La Virgen de las Rocas

El cuadro titulado La Virgen de las Rocas - que fue presentado a principios de este mes tras un largo proceso de minuciosa restauración – se encontrará acompañado en la exposición del inquietante retrato procedente del Louvre de La Bella Ferronière, que se cree que era la amante de su patrón, el duque y de otras dos obras de carácter religioso del Vaticano y el Hermitage. También se expondrán más de 40 bocetos preparatorios y dibujos del artista.

Los historiadores del arte han debatido durante mucho tiempo los motivos del escaso número de trabajos sobrevivientes en la obra de Da Vinci. Muchos piensan que algunas pinturas no han logrado superar la prueba del tiempo porque al maestro le gustaba experimentar con nuevas técnicas. La Última Cena, que junto con la Mona Lisa es una de las obras más famosas del artista, se deterioró dramáticamente en el convento milanés donde fue pintado por Da Vinci, porque este evitó los métodos tradicionales de la pintura al fresco, produciendo una superficie susceptible de mohos y conchas.

Por otra parte, también el artista tenía una clara inclinación por la dilación. "Se dice que Leonardo se distraía muy fácilmente con otros proyectos", ha comentado el comisario Lucas Syson. "Pero él realmente creía que sus pinturas podían llegar a ser, en algunos aspectos, perfectas. Esto le servía como fuente de inspiración, pero a la vez también como una especie de bloqueo. A veces da la impresión de que su ambición en este sentido haya perjudicado a su capacidad para acabar una obra. Era un artista de una gran audacia, pero también muy dubitativo. Este es un aspecto personal suyo en el que no solemos pensar."