El pabellón de España en la 12 Muestra Internacional de Arquitectura, La Bienal de Venecia, mostrará el trabajo y las reflexiones de arquitectos nacionales e internacionales para definir cuáles deben los nuevos límites de la arquitectura en un mundo consciente de la necesidad de aprovechar mejor los recursos disponibles y así prestar mayor atención a las nuevas demandas de la sociedad. Para ello, casi una veintena de arquitectos y estudios de arquitectura españoles han querido plasmar en las paredes del pabellón de España sus ideas y reflexiones sobre el marco en el que irremediablemente deberá trabajar la arquitectura para ser más respetuosa con el entorno. La 12 edición de La Bienal se celebra del 28 de agosto al 21 de noviembre bajo el lema 'People meet in arquitecture' y se centra en el encuentro recíproco entre arquitectura y sociedad, con la muestra de 43 obras de arquitectos, estudios y artistas internacionales junto a los pabellones de los 54 países participantes.

La propuesta española, titulada 'Arquitectura entre límites', transmite los esfuerzos actuales por encontrar el nuevo territorio de la arquitectura, un terreno que se aleje de los criterios formalistas que han predominado en los últimos tiempos y en el que la arquitectura se ponga al servicio de los principios de sostenibilidad ambiental, económica y social, acordes con el momento actual. Casi una veintena de arquitectos y estudios de arquitectura españoles han querido plasmar en las paredes del pabellón de España sus ideas y reflexiones sobre el marco en el que irremediablemente deberá trabajar la arquitectura para ser más respetuosa con el entorno. Así, se pueden leer los pensamientos de Carlos Ferrater, Francisco Mangado, Juan Navarro Baldeweg, Manuel Gallego Jorreto, Cesar Portela, Benedetta Tagliabue/EMBT, Carme Pinos Desplat, Angel Fernández Alba y Soledad del Pino, Blanca Lleó, Mansilla+Tuñón, Ariadna Cantis, Emiliano López y Mónica Rivera, Angela García de Paredes, Víctor López Cotelo, Andrés Jaque, Juan Herreros y Vicente Guallart.

Retos y herramientas

El pabellón transmite cómo los nuevos modelos de la arquitectura serán fruto de los dos temas que protagonizan la exposición: conocimiento y experimentación, herramientas fundamentales para afrontar los retos que depara el futuro. La experimentación se representa en 'Arquitectura entre límites' de la mano de Solar Decathlon Europe 2010, competición internacional organizada por el Ministerio de Vivienda en junio en Madrid en la que 17 universidades de todo el mundo presentaron sus prototipos de casas sostenibles y eficientes con el Sol como única fuente de energía. En esta edición de SDE, precedida por otras cuatro celebradas en EEUU, la arquitectura se ha adaptado más que nunca a las necesidades del futuro. Por eso, el Ministerio de Vivienda lleva a Venecia la visión que estas universidades tienen de la arquitectura y transmite que sólo con esfuerzos colectivos como el de SDE pueden transformarse las pautas actuales en aras de una arquitectura que responda a las nuevas realidades de los ciudadanos.

Maquetas

Para ello, la sala central reúne las maquetas de los 12 proyectos extranjeros presentados y alberga la proyección de un video que resumirá el desarrollo de la competición en Madrid. En las salas laterales se presentan las maquetas y fotografías de los cinco proyectos de universidades españolas que participaron en Solar Decathlon Europe. La muestra se complementa con cinco vídeos en los que los propios integrantes de los equipos españoles explican el proceso de desarrollo de su casa solar y las soluciones sostenibles que propone. En cuanto al segundo eje de la exposición, el conocimiento, se simboliza a través de la red de bibliotecas dedicadas a urbanismo y arquitectura que existen en España. Esta red, formada por 45 bibliotecas, está presente en 'Arquitectura entre límites' mediante fotografías de cada una de ellas y un mapa con su distribución geográfica.

Nefertiti muestra unos labios carnosos pintados de carmín, que parecen acusar una levísima sonrisa, mientras su mirada se dirige al infinito desde sus ojos almendrados, enmarcados por unas cejas bien definidas y unas largas pestañas. Ni siquiera el hecho de que falte en la escultura (tal vez desde siempre) la pupila del ojo izquierdo consigue restar profundidad a esa mirada que me resulta hiératica y altiva, por una parte, y un tanto melancólica, por otra. Por lo demás, la justa proporción de la nariz termina por dar verosimilitud al retrato, componiendo una obra en la que se aúnan las características más relevantes de la escultura egipcia tradicional con algunas de las novedades del periodo amarniense, más cercanas a un cierto realismo en la representación. No puede dudarse: esta figura transmite de forma inmediata una sensación de profunda belleza.
.

Cuando las emociones dejan paso a la razón, es el momento de recordar que esta obra fue hallada in situ en el taller del escultor real Tutmés, en la misma ciudad de Amarna. Al parecer, el hundimiento del edificio ayudó a conservar la pieza (realizada en piedra caliza con un primer rostro sobre le que se superpuso una capa de revestimiento de yeso para darle la apariencia definitiva) sin causarle más daños que leves deterioros en los laterales y facilitando, a su vez, la conservación de su policromía, que no ha experimentado desde entonces restauración alguna. La escultura, prácticamente de tamaño natural, alcanza los 48 cms. de altura y muestra toda su superficie pintada, empleándose un rojo apagado para representar el color de la piel y un tono más oscuro en los labios, buscando proporcionar a la reina una apariencia de naturalidad únicamente rota con el brusco corte de los hombros.

Una opinión bastante extendida afirma que el hecho de que esta obra se encontrase en el propio taller del escultor regio no se debe a que se encontrase en proceso de elaboración, sino a que debería servir como modelo para otras esculturas de la real  dama, lo que haría innecesario rematar el trabajo  en el ojo izquierdo. Puede ser, pero a mi me cuesta trabajo creer que una obra de esta categoría fuese concebida para quedar relegada a la única contemplación de unos cuantos aprendices de escultor en un taller del antiguo Egipto. Si así fuese, esos hombres tendrían, a diario, la inmensa fortuna de disfrutar admirándola, como ahora hago yo. Salgo por fin de la sala, pero instantes después regreso de nuevo a ella. Hay un magnetismo evidente en esta obra. Cuando finalmente abandono la estancia, vuelvo a contemplarla desde la lejanía. Quizás la propia Nefertiti vio alguna vez este busto que la retrataba. Acabo por imaginar que creería firmemente que con él se hacía honor sobrado a uno de los nombres de la reina: la bella ha llegado. 

Picasso entró en el baño y salió corriendo. Regresó con botes de Ripolin, la pintura industrial que usaba, y transformó para siempre aquella pared blanca. Un fauno que toca la flauta en el bosque ameniza desde entonces las visitas al inodoro del castillo de Vauvenargues, en la Provenza francesa. Picasso vio el espacio y no pudo contenerse. Jacqueline Roque, su pareja, contaría después a André Malraux que cuando ella vio el mural, tampoco. Compró muebles de jardín -de color verde-jardín- para acompañar al fauno del bosque que cualquiera podía contemplar cada vez que visitaba el cuarto de baño por asuntos poco artísticos. El mural fue uno de los muchos arrebatos que sintió Picasso en Vauvenargues. El primero fue comprarlo. Lo hizo en 1958 en cuanto descubrió que se vendían los escenarios del monte Sainte Victoire pintados por su apreciado Cézanne.
El siguiente fue arrepentirse. Tras una noche en blanco, el día de la gran mudanza, en abril de 1959, el pintor se bloqueó.

-Vuelve a llamar a los camiones. No nos vamos a ir nunca de aquí... Olvida el nuevo castillo. ¡Véndelo! ¡Regálalo!

Jacqueline Roque, que se convertiría en la segunda esposa del artista antes de dos años, no hizo caso. La cámara de David Douglas Duncan, uno de los muchos fotógrafos amigos de Picasso, atrapó todo el proceso: el miedo al cambio, el reencuentro del pintor con su valiosa colección personal (obras de Matisse, Braque, Modigliani, Courbet...) y el despliegue de esculturas a las puertas del castillo como tropas de bienvenida.

Allí se instalaron pintor y musa hasta junio de 1961, huyendo también del asedio de Cannes. Picasso ya era rico y célebre. En la finca La Californie tenía una vida social intensa y tal vez nostalgia del silencio. Vauvenargues le permitió cambiar la atmósfera y reencontrarse con su recuerdo de España. Se levantaba tarde, pintaba retratos de Jacqueline -en uno de ellos la corona Jacqueline de Vauvenargues-, naturalezas muertas y variaciones del Desayuno en el prado, de Manet. Vuelve a la mitología -el fauno flautista que toca sobre la bañera- y descubre la potencia del verde. "Es curioso. Cuando llego a Vauvenargues todo es distinto y la pintura también. Es más verde", dirá.

El castillo le cambia y él cambia al castillo. No mucho. Solo ordena instalar la calefacción central y el baño. Apenas pasa dos años en él. En otro arrebato, fruto de la aprensión, decide mudarse a Mougins para tener a mano un médico de confianza. Sin embargo no se deshace de Vauvenargues, donde será enterrado en abril de 1973 envuelto en una capa española, regalo de Jacqueline.

Sus restos descansan entre cedros, bajo un montículo coronado por una reproducción de La dame à l'offrande (1933), que se mostró ante el pabellón de la España republicana en la Exposición Universal de París de 1937 donde nació el Guernica como icono. Siempre que pudo, Jacqueline rindió honores a los principios de su marido. Y cuando ya no pudo más y se quitó la vida en 1986, fue enterrada junto al pintor, a los pies de la fachada principal del castillo de Vauvenargues (siglo XVII), convertido en la tumba de Picasso porque el alcalde de Mougins no autorizó la inhumación en la finca de Notre Dame de Vie.

La tumba de Picasso mira al oeste. Es lo primero que uno encuentra al traspasar la entrada del castillo, cerrado a las visitas hasta 2009, cuando se abrió durante el verano a grupos reducidos, coincidiendo con la exposición que unía a dos maestros que nunca se conocieron, Cézanne y Picasso. Este verano se ha repetido la operación. Catherine Hutin, la heredera de Jacqueline Picasso y actual propietaria, permite el acceso bajo criterios restrictivos (una hora, visitas guiadas, grupos pequeños, sin fotos). El próximo viernes 2 de octubre se abrirá al público por última vez. Sobre una reapertura futura hay incertidumbre, lo que acrecienta la sensación de acceder a un lugar privilegiado. La propietaria ha declarado en alguna ocasión que no desea trastornar la apacible rutina del minúsculo pueblo (alrededor de 600 habitantes), cuyos vecinos se debaten entre el temor a ser sepultados por la vorágine picassiana y la pérdida de negocio.

Hutin huye de la exposición pública como del diablo. Son contadas sus entrevistas (rehusó hablar con este diario). Le desagrada comentar su relación con Picasso -ella tenía cuatro años cuando su madre conoció al pintor- y, sobre todo, de las controversias que rodean a la familia. La más reciente se desató tras la publicación del libro La verdad sobre Jacqueline Picasso, escrito por Pepita Dupont (2007), que acabó ante los tribunales. También le incomodan cuestiones relativas al supuesto deseo de su madre de donar a España las 61 obras de la exposición Picasso en Madrid. "He regalado a España cosas y lo que hago lo hago con todo el corazón, pero que me dejen en paz. Soy la única heredera de mi madre, y con eso está todo dicho", declaró el pasado junio al periódico coruñés La opinión.

En esa entrevista, Hutin explicaba que abrió el castillo para mostrar "la sencillez" en que vivían: "Yo no cambié absolutamente nada. La gente siempre se imagina cosas extraordinarias, pero yo dejé todo como estaba y, en ese aspecto, es mostrar mi verdad. Hemos hecho reformas aunque no se ven. Todo está igual".

Por eso uno tiene la sensación de entrar en un recinto congelado en 1961. En el comedor siguen objetos que Picasso incluyó en obras de la época: el aparador negro estilo Enrique II o la mandolina que compró a un anticuario de Arlés tras una corrida de toros, incluida en numerosas naturalezas muertas. En un rincón, junto a un ventanal, está la mecedora donde el artista leía.

En su estudio -una gran estancia dominada por una chimenea de yeso y generosos ventanales que miran al oeste- siguen los botes de pintura Ripolin, pinceles y caballetes, dos sillas pintadas por Picasso, un recorte de periódico sobre Hitchcock y una página del semanario taurino El Ruedo del 6 de agosto de 1959 donde se informa de una corrida en la que iban a participar su íntimo amigo el torero Luis Miguel Dominguín y Antonio Ordóñez.

Para acceder a la planta superior hay que subir por una desnuda escalera de la vanidad -bautizada así por el tamaño que ocupaban en castillos y casas de campo de la zona-, que conduce al dormitorio de Picasso, donde aguardan varias sorpresas. Una es el espartanismo del cuarto. Otra es el cabecero: una senyera. El guía cuenta que la tela con los colores de la bandera catalana fue colocada por Jacqueline con un afán provocador frente a la dictadura franquista.

En el espacioso dormitorio hay un armario tosco, una alfombra tejida en rojo y negro por artesanos de la comuna de Aix-en-Provence según un diseño del artista, una silla española de anea, un teléfono gris de disco depositado sobre un tallo de madera, una mochila de cuero de la Primera Guerra Mundial y un retrato de Picasso en albornoz amarillo hecho por David Douglas Duncan, un fotoperiodista curtido en guerras que gozó de frecuente acceso a la intimidad de Picasso. Sus obras figuran en catálogos. Más sorprendentes resultan las captadas por Jacqueline Picasso, que retrató a su pareja casi a diario desde 1953. Catorce de estas fotos fueron donadas por Catherine Hutin al Museo Picasso de Barcelona -la institución española que más mima: hace un año le donó un dibujo previo de Las meninas-, pero mayoritariamente es una colección desconocida.

Durante este verano se exponen en varias salas del castillo 60 imágenes tomadas por Jacqueline. Curiosas. Picasso, con gafas redondas de concha, leyendo un artículo sobre la guerra de Argelia en un ejemplar de Paris Match del 16 de junio de 1956. El pintor, en pantalón corto y con un cachorro dálmata en brazos.

No es el único material inédito. Casi al final de la visita se proyecta un documental rodado por Jacqueline Picasso en Vauvenargues. El artista se pasea por su estudio mientras bebe de una taza, la reconviene con un dedo ante la cámara, saluda a las visitas a la manera torera desde la ventana del primer piso y finalmente se despide con un beso. En la película se ve al artista mientras retoca Monument aux espagnols morts pour la France, el óleo que pintó al final de la Segunda Guerra Mundial.

El paisaje que Picasso ve desde la ventana -y desde la gran terraza-pinar que se asoma a la ladera norte de la montaña- está en alguno de sus cuadros de la época. Es un paisaje que le recuerda a Horta del Ebro, la tierra de su amigo Manuel Pallarès. De hecho, la primera impresión que tiene de Vauvenargues le dispara la melancolía. "Lo visitamos una mañana, todavía estaba el mercado en la plaza del pueblo y ¡los agricultores hablaban catalán! Además, los puestos de fruta y verdura se parecían a los de nuestra tierra", comentará Picasso, tras visitar el castillo con Jacqueline y Jean Cocteau.

Fuera del castillo, la atmósfera que conquistó el pintor sigue casi igual. Dentro, se ha detenido en los días de Picasso. Incluso cuando ya no estaba, como ocurre en la gran sala de guardia, donde su cuerpo permaneció varios días mientras no se derretía la nieve sobre el atrio donde se cavó su tumba.

La XII Bienal de Venecia se presenta como la más plural e inclinada a buscar soluciones de la historia - La 'pritzker' Kazuyo Sejima es la primera mujer que dirige la muestra

¿Qué decide la vida de las personas? ¿Las grandes decisiones o las pequeñas? La arquitecta Kazuyo Sejima (Ibaraki, Japón, 1956) piensa que son las pequeñas las que desencadenan la infelicidad o las que hacen posible una vida plácida. Explica que lo ha aprendido de los arquitectos que se fijaron en las personas -y en los comportamientos de esas personas- antes de dedicarse a analizar las formas. La lista es larga: desde Cedric Price, Rem Koolhaas o Lina Bo Bardi hasta no-arquitectos, como el artista Olafur Eliasson o el cineasta Wim Wenders. Por eso en esta XII edición de la Bienal de Venecia -la primera dirigida por una mujer- la arquitectura elegida por Sejima no quiere cambiar el mundo sino la vida de las personas en ese mundo. Esa es su propuesta.

Con las exposiciones que ha llevado a Venecia ha querido demostrar tres cosas: que no es la primera que lo intenta, que no está sola en ese empeño, y que, además, existen muchas maneras de hacerlo. Que un arquitecto reconozca hoy que hay sitio para muchos podría parecer una noticia en sí misma. En cualquier caso, deja claras las prioridades de ese arquitecto: se impone atender a las urgencias. En el caso de Sejima, urge comprobar lo que la arquitectura puede hacer por la gente. Y viceversa. El presidente de la Bienal, Paolo Baratta, instó ayer en la presentación de esta edición a "recuperar una fe serena en la arquitectura". Y la frase presupone tantas cosas que merecería un análisis morfológico. Quedémonos con la serenidad. Si la propuesta de Aaron Betsky de hace dos años -sacar la arquitectura de los edificios- era de "gozoso pesimismo" -de nuevo según Baratta-, las urgencias de Sejima podrían parecer serenas. No lo son.

Para indagar en la relación entre la arquitectura y las personas (y en el espacio como origen de esas relaciones) Sejima expone las fotografías de Walter Niedermayr, que muestran cómo es el espacio público en Irán, el maravilloso estudio (literalmente reconstruido) de los arquitectos indios de Studio Mumbai, los esquemas con las costumbres cotidianas de la gente -que la desaparecida Lina Bo Bardi realizaba como trabajo previo a cualquier edificio-, las inquietantes fuentes iluminadas de Olafur Eliasson o la nube de Matthias Schuler (Transsolar) y Tetsuo Kondo -en la que se pueden experimentar los ejes efímeros de un espacio-. Todas esas instalaciones conforman un marco en el que, mental y físicamente, se puede experimentar el efecto de la arquitectura en nuestra comodidad, comportamiento, percepción y, tal vez, pensamiento.

Además, Sejima ha invitado a participar a países que nunca lo habían hecho: Albania, Irán, Malaisia o el Reino de Bahrein, en cuyo pabellón -de nuevo literalmente- puede instalarse por un rato en una vivienda tipo.

La presencia española este año queda más allá del pabellón nacional que, solo en el último momento, optó por trasladar a Venecia la muestra Solar Decathlon organizada por el Ministerio de Vivienda y ya expuesta en España. Esa exposición investiga la construcción de viviendas que funcionan con energía solar. Así, la apuesta estatal española ha sido esta vez por el ahorro y, desde estas líneas, se aplaude esa iniciativa, pero se afea el ocultismo de una decisión que, inevitablemente, termina por leerse como indecisión.

Otros también optaron por el ahorro. El pabellón de Venezuela está este año vacío. Pero nunca estuvo tan bonito. Hace ya mucho que la propaganda sobre las horas de escolarización de los niños venezolanos con la que forra el edificio el Gobierno de Chávez no dejaba ver la hermosa arquitectura de Carlo Scarpa.

Entre los proyectos españoles, el de Selgas Cano -un aspirador con los objetos que pueblan su estudio-, el resultado de uno de los trabajos de campo de Andrés Jaque o el escultórico auditorio que indaga en la esencia del Valle del Jerte de Cristina Díaz Aranda y Efrén García Grinda (Amid Cero 9) comparten el pabellón de exposiciones donde se dan cita dos de las mejores muestras de esta edición.

La más arquitectónica llega de la mano de los portugueses Aires Mateus, que recortan paisajes para levantar, con esa misma huella material, nuevas obras. La más irreverente la lanza Rem Koolhaas que, en el año en el que le conceden el León de Oro, recuerda que la preservación, como la modernidad, es una invención occidental, inventa el palabro cronocaos y termina preguntando si debe China salvar Venecia.

Entre los pabellones nacionales, los nórdicos eligieron hablar de "lugares comunes" frente a monumentos, es decir, de espacio público: una fuente, un paseo, un banco... Ellos pueden hacerlo. Los ingleses volvieron a tirar de Ruskin para levantar su irónica Villa Frankenstein y, de paso, cuestionar la idea que relaciona progreso con vida doméstica. Los chilenos tienen tanto que mostrar como que hacer para recuperarse del terremoto. Y lo explican sin florituras, con hechos. Pero también con las perturbadoras fotografías del arquitecto Mathias Klotz capaces de retratar la belleza de un seísmo.

Por la pluralidad de las propuestas, por la calidad de los invitados y por la posibilidad de que los visitantes experimenten espacios, esta es una bienal propositiva -lo que se espera en un momento así-, que concluye con una idea tan vaga como realista: no hay una solución única. De nuevo, se impone la idea de compartir espacio.

En ese espíritu, también la propia Bienal quiere hacer autocrítica invitando a todos los comisarios anteriores a reflexionar sobre la evolución de la muestra en una serie de conferencias que se celebrarán los sábados, hasta noviembre. Cuesta creer que hallen respuesta, pero la pregunta está en el aire. ¿Qué sentido tiene un festival arquitectónico de este tipo? Han sido varios los arquitectos invitados a participar que la han cuestionado.

Bélgica dejó el año pasado su pabellón intencionadamente vacío (con las huellas de la resaca que queda tras una fiesta) y Anne Lacatton propuso construir un puente en África con el presupuesto que le asignaron para un pabellón. Así, ¿hace falta teoría hoy? ¿Es necesario que alguien apunte nuevos caminos arquitectónicos cuando la realidad clama soluciones urgentes y la información nos lo recuerda a diario? Puede que no sea nueva la urgencia, pero sí lo es el conocimiento generalizado. El mundo pide cuidado y reparto. Y parece cada vez más claro que no todo el planeta puede vivir del turismo. Todo esto se dice desde Venecia, el destino turístico por excelencia que, a pesar de soportar miles de visitantes durante el día, y a pesar de perder alguna de sus vistas por la llegada masiva de los cruceros, ha logrado preservar sus noches y sus ferreterías. Las carnicerías, las fruterías y las peluquerías de barrio de Venecia la salvan a diario de morir de éxito. Tal vez tengan algo que decir a la hora de salvar la arquitectura.

¿Qué formación habrá en el CEP de Córdoba relativa al Plan Escuela TIC 2.0 el curso 2010-2011?

Desde la Consejería de Educación se ha diseñado un "itinerario formativo" para que cada profesor o profesora adapte sus necesidades formativas a su grado de competencia digital y a su disponibilidad de tiempo. Completaremos la formación relativa a la Escuela TIC con actividades centradas en el uso de la PDI (Pizarra Digital Interactiva) y con el fomento de las Formaciones en Centros, la última etapa de itinerario.

El "itinerario formativo" que se oferta al profesorado de Córdoba:

Cursos del Modulo I. De 20 horas de duración, 12 de ellas presenciales. Efocados al profesorado que tiene más dificultad en el uso de las TIC. Sus contenidos son muy básicos. Este módulo es común a primaria y secundaria.
En total ofertaremos 10 cursos de este módulo, en distintos días de la semana y a lo largo de todo el curso. El código de todos los cursos del módulo I será 10148EA y luego un número de dos cifras. Ej.: 10148EA01, 10148EA02, ...

Cursos del Modulo II. Son cursos de 40 horas, 18 de ellas presenciales. Efocados a la aplicación de las TIC en la práctica docente. Requiere conocimientos básicos en TIC para poder seguirlos. Los contenidos serán distintos para primaria y para cada una de las 8 especialidades que nos ha asignada la Consejería de Educación (Matemáticas, Ciencias Naturales, Ciencias Sociales, Plástica, Música, Educación Física, Lenguas Extranjeras y Lengua Castellana y Literatura), lo que creará 9 cursos con contenidos distintos.

Modulo III. Son cursos online de manejo específico de herramientas que realizaremos a nivel provincial a través de las dos convocatorias de cursos a distancia del CEP Azahar. Una convocatoria será en Noviembre y la otra en Marzo.

La oferta de cursos

La Consejería de Educación presentó el pasado mes de septiembre de 2009 el proyecto Escuela TIC 2.0 a los directores y directoras de los centros educativos de Educación Primaria de Andalucía, en una jornada de trabajo con la que el profesorado comenzó su formación para llevar a las aulas andaluzas el Plan, que hará de las tecnologías de la información y comunicación una parte fundamental del proceso de enseñanza y aprendizaje.

Tras la presentación del Plan, en distintos actos celebrados en todas las provincias andaluzas a lo largo del mes de octubre, la Consejería de Educación ha entregado los portátiles para uso del profesorado a los centros públicos objetos del Plan. Al mismo tiempo comenzó la participación de los docentes en un proceso de formación que se ha realizado durante los meses de noviembre y diciembre y que ha servido para la mejora y ampliación de las competencias digitales del profesorado andaluz.

Leer más