Si hace apenas unas semanas, el Museo del Prado anunciaba el hallazgo de una 'gemela' de la 'Gioconda', ahora un equipo de investigadores afirma haber encontrado restos que podrían pertenecer a 'La batalla de Anghiari', 'el Leonardo perdido' del que no se tiene noticia desde hace cinco siglos.

Se trata de una de las obras más admiradas por los contemporáneos del artista. Una pintura que decoraba uno de los muros del Palacio Viejo de Florencia, y que hemos podido conocer únicamente gracias a copias como la realizada por Rubens. Ahora, el equipo de investigadores dirigido por Maurizio Seracini afirma haber dado con "trazas de pigmentos compatibles" con la composición química usada por el genio renacentista en 'La Gioconda'.

Para ello, tuvieron que perforar 'La batalla de Marciano', la obra de Giorgio Vasari bajo la que supuestamente se ocultaba la de Da Vinci. Varios investigadores se apearon del proyecto, por entender que una búsqueda que preveían estéril traería como consecuencia, además, el deterioro de una de las principales pinturas de Vasari.

Y es que, la obra de Leonardo parece condenada a estar rodeada de incógnitas. Enigmas que, sin duda, tendrían fácil solución si hoy pudiéramos hablar con Vasari, artista, historiador y, sobre todo, admirador de Leonardo.

¿Quién fue Vasari?

Giorgio Vasari (1511-1574) es considerado el primer historiador del arte, después de que reuniera 'Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos' (Florencia 1550; revisada en 1568), donde alternaba datos artísticos con anécdotas, rumores y leyendas.

"Vasari es un personaje fundamental en la Historia del Arte y en la Historiografía", explica Alicia Cámara, catedrática de Historia del Arte de la UNED. "Tiene una concepción de la Historia del Arte, que, basada en la biografía, establece que el arte va siendo cada vez mejor. Fija tres etapas en la historia del arte hasta su tiempo, y el culmen llega con Miguel Ángel".

"A la hora de cualificar a los artistas", continúa, "se basa en cuestiones como la excelencia técnica, la belleza de la obra, una serie de categorías desde el punto de vista estético y de la valoración que se han seguido usando durante mucho tiempo". "Obviamente hoy es algo muy superado, pero Vasari es fuente imprescindible para cualquier persona que quiera estudiar Historia del Arte".

¿Qué le movió a escribir tal libro?

Según explica el doctor en Historia del Arte José Riello en 'Descubrir el Arte' (edición enero 2012), "influyó su afición a las artes, su estrecha relación con numerosos artistas, su erudicion y su afición a la literatura y la escritura. Él mismo confesaba que recopilaba datos y curiosidades sobre artistas italianos 'por pasar el rato'. Estas noticias, ordenadas después, y antecedidas por una introducción enjundiosa sobre la arquitectura, la escultura y la pintura, fueron publicadas en el libro".

Vasari "pretendía desentrañar los motivos que llevan a un artista a realizar sus obras, para lo que otorgó el mismo valor a la tradición anecdótica y a la documental", añade.

El Vasari artista

La catedrática Alicia Cámara destaca también la otra vertiente de Vasari: la de artista de corte. "Es el que mejor representa esa figura al servicio de los Médici, en Florencia, en concreto para Cosme I. Es una artista multifacético, porque es pintor, pero también es arquitecto (a él se debe la galería de los Uffizi), dentro de la tendencia manierista del XVI. Y como pintor también tiene una serie de obras muy importantes de encargo".

De ahí parte de las reticencias mostradas por numerosos investigadores a la hora de buscar el 'leonardo'. Muchos dan por hecho que el fresco fue destruido antes de que Vasari pintase 'La batalla de Marciano'. De hecho, llevaron a los tribunales la investigación, que llegó a ser paralizada por el perjuicio que ocasionaría a la obra de Vasari.

¿Por qué sobre un 'leonardo'?

De confirmarse que 'La batalla de Anghiari' permanece bajo los trazos de la obra de Vasari, ¿qué llevaría al pintor a cubrir una obra de uno de sus artistas más admirados? Alicia Cámara se muestra cautelosa: "Mientras los especialistas no saquen a la luz realmente lo que hay debajo, no se podrá valorar. Y si finalmente existe, entonces será el momento de decir por qué se cubrió. Falta por hacer mucha investigación antes de extraer conclusiones".

Según explica la catedrática, no era raro que se "actualizaran" determinadas estancias, y unas obras de arte cubrieran otras. Especialmente cuando éstas se encontraban deterioradas, por un incendio, por ejemplo. "También se tiraban edificios renacentistas en el siglo XIX y XX para levantar edificios nuevos, antes de que existieran las leyes de patrimonio", recuerda.

Vasari recibió el encargo de decorar y reestructurar el Salón de los Quinientos del Palacio Viejo. Todo rastro del trabajo de Leonardo se pierde tras el fresco que encargaron a Vasari: 'La batalla de Marciano'. En su libro, éste da alguna pista de lo que pudo pasar:

¿Qué pudo mover a Cosme de Médici a pedir a Vasari que pintara esa obra? "Para saberlo, lo primero es esperar a que se compruebe si efectivamente está el 'leonardo' debajo", afirma Cámara. "Es posible que quedara tan poco de la obra de Leonardo que por eso decidieron darle otra decoración", aventura.

El fresco fue encargado a Da Vinci a principios del siglo XVI porlos gobernantes florentinos, como conmemoración de la victoria de la República de Florencia sobre la milanesa en la batalla de las llanuras de Anghiari, en junio de 1440. Leonardo abandonó el proyecto un año después.

Cámara recuerda que Da Vinci no usaba el fresco, que es uno de los problemas de conservación de sus obras. "Leonardo a veces dejaba obras sin acabar, porque para él la pintura es parte de un proceso científico, de conocimiento del mundo, de experimentación... Es pensar con la imagen. Y a veces perdía el interés porque ya había satisfecho su curiosidad científica". El propio Vasari lo cuenta en 'Las Vidas' (Cátedra): "Ideaba con la mente dificultades tan maravillosas que con las manos, por muy diestras que fueran, no las podría haber expresado jamás".

Qué dice Vasari de Leonardo

De lo que no cabe duda es de la admiración que profesaba Vasari a Leonardo. Así, lo describe como "poseedor de cualidades que trascienden la naturaleza", además de un "ser maravillosamente dotado de belleza, gracia y talento en abundancia".

Cuenta, además, que era un gran músico y "recitador de rimas improvisadas" y que "la perfección de la Mona Lisa hace estremecerse a cualquier artista valioso". No omite su rivalidad con Miguel Ángel, con quien de hecho estaba compitiendo cuando pintó 'La batalla de Anghiari'.

El 'Leonardo perdido'

'La batalla de Anghiari' es, junto con 'La última cena', la obra más conocida de Leonardo por sus contemporáneos, ya que podían contemplarla en la pared del Palacio Viejo. "Nosotros ahora nos quedamos patidifusos con la 'Gioconda', sin embargo en la época no tenía un público, ya que fue realizada para un particular -Francesco del Giocondo-. Se sabe que Leonardo apreciaba mucho la obra, es una obra muy importante ya en su tiempo, pero no tiene esa proyección pública que tiene la Florencia de los Medici encargando una victoria militar como es 'La batalla de Anghiari'", explica Alicia Cámara. "Sucede lo mismo con 'Las Meninas' de Velázquez, que tampoco se pintaron para nosotros".

Tal vez la investigación abierta permita contemplar por primera vez la obra. O tal vez no quede nada de ella. Lo único claro es que por el momento queda conformarse con las copias de 'La batalla de Anghiari', o recrearla mentalmente en virtud de la descripción que Vasari hacía de la misma en 'Las Vidas'. [Reproducimos ambas a continuación]

"Había aumentado tanto la celebridad de este divino artista, gracias a la excelencia de sus obras, que todos aquellos que amaban el arte, es más, la ciudad entera, deseaba que hiciese alguna obra en su memoria. Y se hablaba por todas partes de encargarle alguna obra grande y notable, donde lo público pudiera verse ornado y honrado por el gran ingenio, la gracia y el juicio apreciables las cimeras y el resto de los adornos, sin contar la increíble maestría que mostró en las formas y lineamentos de los caballos, cuya bravura, músculos y elegante belleza consiguió hacer mejor que ningún otro maestro.

Dibujó su anatomía mediante escorzos, así como la de los hombres, reconduciéndolos a la auténtica luz moderna. Se dice que para dibujar este cartón construyó un mecanismo muy ingenioso, que se levantaba al acortarlo y bajabha al alargarlo. Creyó poder colorear la pared al óleo, por lo que compuso una mezcla tan espesa para encolar la pared que, mientras seguía pintando en esa sala, empezó a chorrear, de tal manera que en poco tiempo tuvo que abandonar la obra.

Y entre los gonfaleros y los ciudadanos notables, se decidió que pintara alguna bella obra en la gran sala del Consejo, que acababa de rehacerse. Piero Soderini, el entonces gonfalonero de Justicia, le encargó la sala. Leonardo deseaba realizarla y empezó un cartón en la sala del Papa, ubicada en Santa Maria Novella, con la historia de Niccolò Piccinino, capitán del duque Filippo de Milán, en el que dibujó un grupo de caballos que combaten por un estandarte, obra tenida por excelente y de gran maestría debido a las admirables consideraciones que tuvo en cuenta al representar esta fuga.

En ella se reconocen la rabia, el desdén y la venganza tanto en los hombres como en los caballos; entre ellos hay dos que, enredados por las patas delanteras, muestran tanta venganza con los dientes como los hombres que los cabalgan en combate por dicha bandera; un soldado la apresa con las manos, mientras que con la fuerza de sus hombros pone al caballo en fuga, con su cuerpo vuelto, aferrado al asta del estandarte para tratar de arrancarlo a la fueraza de las manos de otros cuatro; dos de ellos lo defienden cada uno con una mano y tienen la otra en el aire, intentando cortar el asta con las espadas; mientras, un soldado viejo con un gorro rojo, gritando, tiene en una mano el asta, y en la otra un alfanje, y amenaza furioso con cortar las manos de los que, con toda su fuerza y apretando los dientes, procuran en actitud fiera defender su bandera. En el suelo, entre las patas de los caballos, hay dos figuras en escorzo que están combatiendo. Uno de ellos, sobre el suelo, tiene encima un soldado que levanta el brazo cuando puede clavearle con toda su fuerza el puñal en la garganta, y quitarle así la vida, mientras que el otro, forcejeando con piernas y brazos, hace todo lo posible para no morir".

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Ya hace algún tiempo planteábamos el uso del google maps como una forma distinta de estudiar el poblamiento y las formas urbanísticas

Hoy seguimos investigando la herramienta de una forma más participativa, aunque para ello necesitaremos dos cuestiones previas: una sala de ordenadores y que los alumnos tengan su propio correo gmail, por lo que sería conveniente realizar la actividad en colaboración con el departamento de tecnología.

En esencia se trata de que los alumnos elaboren su propio mapa de su barrio o localidad por medio de símbolos, fotografías y enlaces en la red.

El trabajo (tal y como se presenta en el documento adjunto) puede realizarse de una forma guiada (dando previamente los  lugares a localizar), lo que nos permitiría trabajar la localización de distintas actividades y usos del territorio, y su relación directa con las decisiones de planificación urbanística (colocación de los polígonos industriales, zonas comerciales, servicios públicos, zonas verdes…).

De la misma manera la actividad podría plantearse como un refuerzo o preparación para una salida extraescolar que les empezara a situar sobre el espacio (y tener que buscar información sobre ella) o repasar lo visto situándolo en el plano mental de un mapa, recreando la visita con fotos e informaciones.

Una actividad alternativa (acaso para otros cursos inferiores) podría ser la elaboración individualizada de mapas con puntos propios, lo que en el fondo no sería otra cosa que crear un mapa mental de la zona en el que darse cuenta de lo subjetivo que tiene la percepción de la ciudad

Las instrucciones para realizarlo las podéis descargar en este documento:

8 Google maps

No habrá «duelo» ni «cara a cara» entre la «Gioconda» del Louvre y la «Gioconda» del Prado, que se expondrá como «estrella invitada» en una exposición consagrada a «La Virgen, el Niño y Santa Ana», la última obra maestra de Leonardo da Vinci, cuya restauración se celebra de manera oficial. Henri Loyrette, director del Louvre, estima que la «Gioconda» del Prado es «una copia muy bella». Pero el museo francés estima que no hay razones prácticas, materiales y de muy diversa naturaleza que permitan montar una exposición en forma de «duelo» o «cara a cara», presentando ambas obras en la misma sala «frente a frente».

La «Gioconda» del Louvre, una de las grandes joyas del Patrimonio nacional francés, es visitada diariamente por unas 20.000 personas. La «Gioconda» del Prado, «estrella invitada», copia de un discípulo de Leonardo, se presentará en el Salón Napoleón, donde la gran estrella será «La Virgen, el Niño y Santa Ana». A partir del jueves, los turistas interesados en ver y «comparar» ambas obras, la de Leonardo y la de un discípulo, tendrán que sacar dos entradas o una entrada doble, con el fin poder visitar la exposición temporal donde se expone la «Gioconda» del Prado y la colección permanente, donde la «Gioconda» de Leonardo es una estrella universal.

Vincent Dieulevin, comisario de la exposición consagrada a «La Virgen, el Niño y Santa Ana», avanza razones «prácticas» para explicar la «imposibilidad» del duelo de Giocondas: «Hay que ser realistas. La “Gioconda” no puede moverse. De entrada, por razones prácticas, de seguridad. La obra de Leonardo está protegida desde 2005 por un vidrio climatizado, muy grueso; instalada en una sala especial consagrada a esa obra capital, que no es posible transportar. Instalar, a su lado, la copia del Prado parecía un poco fuera de lugar».

¿No es posible imaginar un «diálogo» entre la «Gioconda» de Leonardo y la «Gioconda» del Prado?. Dieulevin estima plausible la pregunta, pero poco realista, en este caso: «Sin duda... ambas obras tienen mucho que decirse. La copia de la obra maestra de Leonardo puede aportar muchas cosas. Y, con el tiempo, los especialistas podrán estudiar muchas cosas. A través de la copia del Prado quizá se comprenda mejor el paisaje. Pero, en cualquier caso, en esta ocasión, no podía pensarse en una exposición consagrada a ese posible diálogo. Se trata de presentar facetas de la obra de Leonardo, a través del estudio de “La Virgen, el Niño y Santa Ana”, que es una obra maestra absoluta, no una copia».

«La restauración del siglo»

La dirección y los especialistas del Louvre valoran altamente la «Gioconda» del Prado. Pero, muy diplomáticamente, insisten en su condición de copia de un discípulo más o menos aventajado y feliz, muy lejos del genio absoluto de Leonardo, que el museo francés desea ensalzar a la hora de presentar «La Virgen, el Niño y Santa Ana», que se ha beneficiado de una larga y completa restauración, «la restauración del siglo», repiten una y otra vez los especialistas.

Algunos especialistas no dudan en «minimizar» la importancia artística e histórica de la «Gioconda» del Prado. Es el caso de Jacques Franck, que dirige en la Universidad de Los Ángeles un centro de estudios consagrados a Leonardo. A su modo de ver, comparada con la «Gioconda» genuina, la «Gioconda» del Prado es una obra «menor»: «Leonardo no puso su mano en esa obra, cuya técnica, poco sutil, no tiene nada que ver con el legendario “sfumato” complejo y refinado tan presente e inolvidable en la “Gioconda” genuina».

Juan Pedro Quiñonero, París: La «Gioconda» del Prado, estrella invitada en el Louvre, ABC, 27 de marzo de 2012

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Según el Diccionario de uso del español de María Moliner, privilegio es la excepción de una obligación, o posibilidad de hacer o tener algo que a los demás les está prohibido o vedado, que tiene una persona por una circunstancia propia o por concesión de un superior. Por el contrario derecho es la circunstancia de poder exigir una cosa porque es justa.

Soy funcionaria, me dedico a la docencia y trabajo en un instituto de educación secundaria, en este país. Y no, yo no tengo privilegios. El sueldo que cobro es un derecho que me gano honradamente con mi trabajo. Está regulado por un convenio en el que participan y firman todas las partes interesadas. Es transparente, cualquier ciudadano puede saber lo que cobro. Hacienda conoce perfectamente mis ingresos, en mi declaración no cabe el fraude ni la picaresca. Mis ahorros, pocos, están en entidades bancarias completamente controladas por el estado, y no en paraísos fiscales. Me levanto todas las mañanas a las seis y media para ir a trabajar. Cuando regreso estoy cansada, porque, aunque no lo parezca, este oficio es agotador. Diariamente doy cuenta de mi trabajo primero a mis alumnos y por supuesto a sus padres, luego a mi director y si es preciso al inspector de mi zona, porque yo sí tengo jefes. Obtuve mi puesto de trabajo aprobando una oposición, que por si alguien no lo sabe, es una prueba muy dura, y no hubo “enchufismos” de ninguna clase. Si tengo que ir a trabajar en coche, el vehículo es propio y pago la gasolina, yo no tengo coche oficial ni chofer. Si he de quedarme a comer, me pago la comida, yo no cobro dietas. El café y el almuerzo corren por mi cuenta, y hasta los bolígrafos rojos que gasto para corregir los ejercicios de mis alumnos, los compro con mi dinero. Los libros de texto y de lectura que necesito para trabajar, de momento, nos los ceden, gratuitamente las editoriales, tampoco les cuestan un euro ala Administración.

No, yo no tengo privilegios. Alguien podría pensar que disfruto de un mes de vacaciones más que el resto de mortales. Pero durante el curso escolar trabajo prácticamente todos los domingos, y cuando no trabajo en domingo es porque lo he hecho en sábado, o tal vez el viernes por la tarde. Si cuentan todos estos días, verán que suman más de 31, que son los que tiene el mes de Julio. Cuando llevo a mis alumnos de excursión o de viaje, les dedico las 24 horas, dejando a mis hijos y a mi familia.

No, yo no tengo privilegios. Y sin embargo me siento privilegiada. Sí, me siento privilegiada porque considero que mi trabajo es muy importante y valioso y realizo un servicio social. Me siento privilegiada cuando veo crecer y madurar a mis alumnos, los veo superar sus dificultades y aprender, y yo estoy ahí ayudándoles, aunque solo sea un poquito. Me siento privilegiada cuando mis alumnos me saludan por la calle, casi siempre con una sonrisa y cuando hablo con sus padres con la cordialidad propia de quienes comparten objetivos. Me siento privilegiada cuando encuentro a antiguos alumnos y me hablan de sus vidas, de sus éxitos y sus proyectos. Y sobre todo me siento privilegiada porque trabajo rodeada de extraordinarios profesionales que se dejan la piel día a día para llevar a buen puerto esta nave quela Administraciónse empeña en hacer zozobrar.

Sí, estos son mis privilegios, pero puedo asegurarles que no le cuestan ni un euro al contribuyente. Con todo, no crean que quiero ponerme medallas, nada más lejos. En el fondo me siento como el siervo inútil del Evangelio, al fin y al cabo solo cumplo con mis obligaciones. Pero es importante no confundir derechos con privilegios. Los recortes en Sanidad y Educación, son recortes en derechos y no en privilegios. Que no os confundan. No veáis enemigos donde hay amigos, ni verdugos donde hay víctimas como vosotros. Confundir es un arma de poder para camuflar al verdadero culpable. Con todo lo que está cayendo sobre los docentes, lo que más me duele no es la pérdida de poder adquisitivo, sino el menoscabo moral al que se nos está sometiendo. Solo pido a la sociedad, respeto. A los políticos, honestidad, porque muchos han olvidado el significado de esa palabra, si es que lo conocieron alguna vez. También les pido valentía, porque pisotear al débil es de cobardes. Los culpables de esta crisis son mucho más poderosos que nosotros y sí tienen privilegios, que lo paguen ellos. Por la dignidad del docente, que es lo que no nos pueden quitar.

Nota del autor del blog: me siento tan identificado con esta reflexión de una compañera docente, es algo que tantas veces he intentado transmitir, aunque nunca he sido capaz de decirlo tan bien como ella. No tiene desperdicio.

Nadie como él supo retratar el París bohemio de finales del XIX: sus cafés, teatros, cabarets, burdeles... Es uno de los pintores más queridos por el público. Quizás su leyenda en torno a la vida atormentada que llevó a causa de una anomalía congénita que impedía que sus huesos crecieran con normalidad y deformó su cuerpo, aumentada por esa otra leyenda que siempre acompañó a la bohemia artística parisina de principios del siglo XX —una vida de excesos, entre alcohol, cabarets y burdeles—, han hecho de Henri Toulouse-Lautrec todo un mito de la Historia del Arte.

Nació el 28 de noviembre de 1864 en la localidad francesa de Albi en el seno de una familia aristócrata. Tras su muerte, en 1901, su madre, la condesa Adèle de Toulouse-Lautrec, quiso perpetuar la memoria de su hijo en su ciudad natal dedicándole un museo con su nombre. Para ello legó generosamente un número importante de obras. En 30 de julio de 1922 se inauguraba la llamada entonces Galería Toulouse-Lautrec en el Palacio de la Berbie (siglo XIII) de Albi, preciosa ciudad declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 2010. El museo atesora un millar de obras de Toulouse-Lautrec, además de piezas de otros artistas.

De castillo fortificado a palacio episcopal

Este lugar fue en su origen un castillo fotificado, pero con el tiempo se convirtió en palacio episcopal. Fue declarado monumento histórico en 1862. Hace once años se acometió una profunda renovación y ampliación, que ya ha concluido. El próximo día 2 reabren los espacios remozados en el espléndido Palacio Episcopal, situado muy cerca de la Catedral de Santa Cecilia. La vecina Toulouse ha invertido en los trabajos 38 millones de euros, informa Efe. En declaraciones a esta agencia, la directora del museo, Danièle Devynck, comenta que «la mirada de Toulouse-Lautrec era la de un testigo, no la de un juez, y eso constituyó una revolución. En cierta forma, recuerda a Goya, que se limitaba a dar testimonio de lo que veía».

El palacio adolecía de múltiples carencias en materia de conservación, normas de seguridad, talleres técnicos, servicios para el público, salas de exposiciones temporales, departamento pedagógico... Se convocó un concurso internacional en 1997 para la renovación del museo, resultando ganador el equipo de arquitectos Dubois et Associés. La restauración del palacio ha permitido su renacimiento. Las obras comenzaron en 2001 y han durado once años.

Obras principales

Las maravillosas salas medievales del palacio acogen la obra de Toulouse-Lautrec, que se distrubuye siguiendo criterios tanto cronológicos, como temáticos. El Museo de Albi atesora la colección más importante de este artista en todo el mundo. Más de mil obras, entre cuadros, litografías, dibujos y estudios preparatorios, carteles... Se exhiben unas 200 obras, algunas tan célebres como «Mujer subiéndose las medias», la «Anglaise du Star», «La modista» o «El diván japonés». No faltan sus cuadros de juventud, retratos (como el que le hizo a su madre en el salón del castillo de Malromé entre 1886 y 18887), escenas del Montmartre bohemio, de los teatros y cabarets de París, de sus burdeles...

Una sala reúne los carteles consagrados por el artista francés a las estrellas de la noche parisina. En lugares tan míticos como el Moulin Rouge, el Mirliton, el Moulin de la Galette o Le Chat Noir conoció y retrató a empresarios, cantantes, bailarinas, actrices, vedettes, prostitutas... Es el caso de Yvette Guilbert (con sus inseparables guantes largos negros), Jane Avril, May Belfort, La Goulue, Aristide Bruant (cantante y dueño del Mirliton, al que retrató con capa y sombrero negros y una bufanda roja al cuello), Valentín «el deshuesado», Cha-U-Kao... El museo ha ido enriqueciendo sus fondos con compras como las de la colección de Maurice Joyant, amiga de Toulouse-Lautrec. También cuenta entre sus fondos con préstamos y depósitos del Museo d'Orsay de París, así como con una colección de arte antiguo, con obras de Francesco Guardi, Georges de La Tour...

Nuevos espacios

Las salas de la primera planta, situadas alrededor del Patio de Honor, acogerán el final del recorrido por la obra de Toulouse-Lautrec. En la segunda planta se exhiben las colecciones de arte moderno: Degas, Bonnard, Vuillard... El ala Stainville albergará el gabinete de dibujos. En el sótano se ha instalado una sala de exposiciones temporales de 470 metros cuadrados, con tres pequeños gabinetes y una galería de presentación de obras de pequeño formato. La primera muestra temporal, que se inaugura el 26 de mayo, estará dedicada a los maestros de la estampa japonesa. Ya en septiembre se abrirá la muestra «La Belle Époque de Jules Chéret». Está considerado el padre del cartel artístico. El nuevo museo cuenta con auditorio, almacenes, talleres pedagógicos, centro de documentación, tienda... Su web: www.museetoulouselautrec.net

Natividad Pulido, Madrid: El nuevo Museo Toulouse-Lautrec de Albi reabre el 2 de abril, ABC, 28 de marzo de 2012

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