El arte de los libres
Una figura de papel maché de Velázquez se deleita con monjas traviesas, diablillos, paisajes de cosecha y escenas de la Toscana. Es la 9º Muestra de Arte Naíf Europeo que organiza la Galería Éboli, bastión de la pintura y escultura intuitivas en Madrid.
Casi una década consagrada a esta particular forma de crear cuyo padrino y uno de sus mayores representantes fue el francés Henri Rousseau (1844-1919), un artista sin educación formal que se dedicó a toda clase de cosas menos a la pintura hasta los 40 años, y tampoco después pudo apenas vivir de ella. Y así, llegamos a 2012 y a lo más granado del naíf europeo, un arte donde casi todos siguen sin ser pintores o escultores de profesión, sí, pero también «donde todo el mundo es libre», explica Amalia Fernández de Córdoba, directora de la Galería y parte integrante de la exhibición. [VEA EL ÁLBUM]
Concebido como un encuentro entre toda esa comunidad naíf dispersa por el Viejo Continente, las distancias geográficas y temporales entre los participantes no marcan diferencias más reconocibles que las que puede haber entre una persona y otra… ¿Cómo definir tendencias en un arte que muestra mundos interiores? «En España, por ejemplo, nos estamos volviendo a una pintura más europea. Antes éramos más rápidos, pero menos cuidadosos. Ahora nos hemos convertido en más detallistas, improvisamos menos…», se atreve a apuntar Fernández de Córdoba.
Sin embargo, y pese a ser un mundo de reglas flexibles e intuición («nadie aprende a pintar naíf, o se es, o no se es», explica tajante la directora de la galería), la veteranía siempre es un grado: «Inés Arias es un caso excepcional; cumple 90 años el día de la exposición y aún sigue pintando y esculpiendo». Otros nombres ilustres del naíf español son Juan Borrás (y sus paisajes de cuento, con árboles de colores, cascadas magníficas y exuberancia vegetal), Tito Lucaveche (célebre por sus cuadros sobre los felices y picarones años 20), Estela Benavides, con sus series ‘vintage’ sobre deportes o Juan Guerra, el mallorquín que se ha atrevido a esculpir al autor de las Meninas.
La ausencia de barreras (o la existencia de sólo una, muy definitiva: nacer para ello) ofrece cierta paridad de sexos en el panorama europeo, y hombres y mujeres comparten espacio en la cumbre del género (y en la exhibición): las figuras orondas de la holandesa Ada Breedveld, muy inspiradas en la obra de Botero, conviven con el halo poético con el que el alemán Bruno Epple remata todas sus obras. Los paisajes de la Toscana de Cesare Novi se llevan de maravilla con las nonas (unas monjas muy alocadas y de miembros largos y delgados, como la Olivia de Popeye) de la francesa Carole B. Perret.
En definitiva, «una mirada hacia el mundo como nos gustaría que fuera: onírico, fantástico, esperanzador; no es que nos desentendamos del presente, es que queremos ofrecer al público una evasión de él, porque somos muy conscientes del panorama…», explica Fernández de Córdoba. Una invitación a soñar naíf, a firmar una tregua con la realidad.
¿Son los artistas los que se inspiran en los periódicos o son los periódicos los que se inspiran en el arte? Desde mediados del siglo XIX el arte se ocupa de la prensa con tanta intensidad como el periodismo se nutre del arte, una relación de canibalismo intelectual de la que no nacen, sin embargo, hijos víctimas de la endogamia, sino ideas y creaciones de sangre totalmente nueva. De ellas se ocupa la exposición colectiva inaugurada anoche en el Martin Gropius Bau de Berlín y que permanecerá en cartel hasta el 24 de junio.
Ochenta años después de haber pintado por encargo del MoMA en 1931 ocho extraordinarios murales portátiles, el pintor mexicano Diego Rivera (Guanajuato, 8 de diciembre de 1886-México, 24 de noviembre de 1957) regresa con cinco de ellos al museo neoyorquino. Esas obras constituyen la base de la exposición Diego Rivera: murales para el MoMA, que estará abierta hasta el 14 de mayo y en la que también se incluyen acuarelas del Nueva York industrial de los años treinta, una serie de deliciosos dibujos realizados durante un viaje a Moscú y en los que retrató desde escenas familiares a manifestaciones del Partido Comunista, una insólita portada de la revista Fortune y algunos de los bocetos preparativos de dos de los tres frescos que no se muestran (uno de los murales se ha perdido y dos están en manos privadas).
Un acto de aparente violencia puede esconder una declaración de amor.
Son los primeros cincuenta, concretamente el año 1952, y algo
Con la muerte de Richard Hamilton en Londres desaparece uno de los últimos grandes del arte. Viejo compañero de ruta junto a Andy Warhol en las filas del ‘pop art’, su legado se resumirá en la retrospectiva en la que trabajó hasta poco antes de morir y que recorrerá entre 2013 y 2014 Los Ángeles, Filadelfia, Londres y el Reina Sofía de Madrid.
Toda la gente que hay en este río que hemos pasado, como hemos dicho, es gente de mucha razón y hombres ingeniosos, según que vimos y parecía por todas las obras que hacen, así de bulto como dibujos y pinturas de todas las colores, muy vivísimas, que es cosa maravillosa de ver». Es una de las descripciones que hace fray Gaspar de Carvajal en su crónica del viaje explorador con Francisco de Orellana, titulada Descubrimiento del río de las Amazonas. Y se refiere ya al color y los dibujos de los pobladores recién «descubiertos». Entre los kené, diseños tradicionales que se siguen produciendo hoy en día, destacan los de los shipibo-conibo. Intrincados laberintos de línea clara. Perfectas geometrías abstractas que se desarrollan sin fin sobre el plano de los textiles y cerámicas, a los que se atribuyen significados místicos. «Hay diferentes estudios y teorías sobre el origen o significado que pueden tener estos dibujos», explica Christian Bendayán, artista e impulsor del arte contemporáneo amazónico en torno a Iquitos. «Algunos dicen que son representaciones del cosmos, que son laberintos. Hace poco murió una anciana artista shipiba que decía que eran representaciones de cantos chamánicos, icaros, de los que se usan en los rituales de ayahuasca. Ella decía que los podía leer como cantos, como si fuera un pentagrama. Otros dicen que a las niñas shipibas les ponen en los ojos unas gotas de la hierba piri piri, que les permite ver la realidad de esa manera. La antropóloga Luisa Elvira Belaúnde en su estudio sobre el kené afirma que son ventanas al cosmos. Lo más interesante, creo yo, es que es un laberinto de composición. Es muy complejo como diseño. Ahora bien, la cultura shipiba está vinculada a la tradición del ayahuasca -no todas lo están- y en esas experiencias sí se produce geometría en las visiones».
¿De dónde sale ahora esa explosión de color, temas tan variados y ajenos a esa tradición? «En Iquitos tenemos una gran particularidad y es que es una isla», continúa Bendayán. «Y, por lo tanto, una isla cultural. Muchas cosas del mundo exterior no han llegado a Iquitos. Lo único que llegó primero, antes que a la capital, fue la televisión por cable. Diez años antes. Tener televisión de todo el mundo, tener la MTV, generó espacios donde se desarrolló el arte. Porque el arte popular no se desarrolló en lienzos sino en paredes. La escuela más fuerte, en los años setenta, es la de los grandes carteles de los cines. Como en India. Y es el cine de India y México, precisamente, lo que marca el estilo, en particular las tipografías. Converge todo lo mágico y mítico que tiene este cine, incluso la ciencia-ficción, con lo tradicional místico de la Amazonia. En la última producción, cuando sus características están bien definidas, hay una presencia de lo femenino y lo sensual muy fuerte. Hay también algo de fábula, que tiene que ver con este universo, donde todo en la naturaleza tiene ciertas características humanas. Incluso los objetos. En la obra de Luis Sakiray ves que las botellas, los platos, parecen mujeres, tienen cinturas. Y una cosa que diferencia este arte del resto del de Perú es la presencia de una estética pop que viene del videoclip. Uno de los espacios que más requieren a los artistas son las discotecas, los bares y los famosos video-pubs. Eso viene de la mano con la novedad de la pintura fosforescente. Y crea las dos categorías importantes de la pintura amazónica: la pintura de noche y la de día. Es muy sencillo, porque la pintura fosforescente solo reacciona a la oscuridad mediante luz negra. Y en el día tropical, con el sol ardiente, esta no sobrevive ni una semana. Se decolora, se quema. Eso marca la diferencia. Y esa impresión tridimensional que da la luz negra con la pintura fosforescente se vincula mucho a las visiones ayahuasqueras. No en vano, el artista más importante en la representación de este tipo de visiones, Pablo Amaringo (1943-2009), usó muchos colores fosforescentes».
Después del interés generado en Lima sentí que había una labor, la de insertar la producción amazónica en lo que es la historia del arte peruano actual. El primer proyecto, en 2005, se tituló La cuerda de los muertos -significado de la palabra ayahuasca- y reunió a 30 artistas con una producción vinculada a la experiencia del ayahuasca. La segunda se tituló La piel de un río. El proyecto más importante de todos estos fue Poder Verde, que se presentó en Lima en 2009; en Buenos Aires, en Iquitos y este año en Lima se hizo una segunda versión. Es la producción vinculada a lo mágico, a lo psicotrópico, lo psicodélico. La primera tenía como subtítulo Visiones psicotropicales, la segunda Desborde amazónico. Está vinculado a cuestiones políticas y sociales».
