Parejas de cine: Compositor & Director
A todo el mundo le gusta el cine… Bueno, quizá sea demasiado pretencioso lo que acabo de afirmar, así que lo diré de otra manera… A casi todo el mundo le gusta el cine, mejor ¿verdad? Y cuando vemos una película, sea la que sea, hay una compañera de las imágenes que siempre está presente: la música. Desde el comienzo de la historia del cine, la música ha tenido diferentes funciones, siendo la más importante la de potenciar las emociones de la narración en el espectador. Esto lo han tenido muy claro los directores de las películas y por eso buscan a los mejores compositores para que les ayuden a contar su historia.
Pues de eso trata este ”post”, de las parejas “Compositor – Director” más relevantes dentro de la historia del cine. Vamos a utilizar para el contenido de los diferentes temas el libro Parejas de cine. Compositor & Director, de Ignacio Granda (Ediciones Ferrero, 2015)
ENTRADA: “This is Halloween”, Pesadilla antes de Navidad Danny Elfmann
– Danny Elfman: 29/05/1953 (Los Ángeles)
– Tim Burton: 25/08/1958 (Burbank, California)
Hasta el momento han colaborado en 13 largometrajes, algunos de ellos historia viva del séptimo arte. Eduardo Manostijeras, Batman, Mars Attack o Sleepy Hollow, entre otras. Términos como gótico, oscuro, enigmático, tenebroso, extravagante, bohemio, bucólico, satírico, etc… podrían servir como emblema para describir la personalidad artística de ambos creadores. Juntos han formado, forman y, a buen seguro, formarán una de las parejas cinematográficas más carismáticas y apreciadas por todos los amantes de lo insólito y creativo.
Pesadilla antes de Navidad, auténtico filme de culto casi desde su estreno en 1993, resulta un tenebroso y apasionado cuento que no oculta su deseo de transgredir los cánones más tradicionales, aportando una visión entre tenebrosa y cándida de las fiestas navideñas. Elfman escribió un musical lleno de canciones inmortales, como la que estamos escuchando “This is Halloween”. Un “tour de force” artístico que refleja la gran capacidad melódica de un músico en constante perfeccionamiento.
2ª hora: Amarcor, Nino Rota
– Nino Rota: 3/12/1911 (Milán) – 10/04/1079 (Roma)
– Federico Fellini: 20/01/1929 (Rimini) – 31/10/1993 (Roma)
Su particular historia de amor comenzó en 1952 y concluyó en 1978, un año antes del fallecimiento del músico italiano. 26 años de historia viva del cine más puro y versátil, modelo perfecto que demuestra el carácter artístico del cine. Entre sus películas destacan La dolce vita, Roma o Amarcord, posiblemente la película más emblemática de Fellini. Nino Rota nos ofrece una de sus obras cumbre, y su célebre tema central ha pasado a ser su melodía más reconocida junto con la escrita para El padrino. Música nostálgica y evocadora de una realidad idílica cuya principal virtud es la de plasmar un mundo bucólico lleno de personajes variopintos y notablemente pintorescos.
En palabras de Federico Fellini, “(…) mi predilección por Rota como músico se basa en que le encuentro muy próximo a mis temas y a mis historias, y en que trabajamos juntos (no me refiero a los resultados sino al modo de trabajar) muy bien. No le sugiero los temas musicales porque no soy músico. Sin embargo, como tengo una idea bastante clara de la película que estoy haciendo, incluidos los detalles, el trabajo con Rota se efectúa exactamente igual que la elaboración del guión. Me pongo cerca del piano en el que se instala Nino y le digo exactamente lo que quiero. Naturalmente, no le dicto los temas; sólo puedo guiarle y decirle justamente lo que deseo. De todos los músicos que trabajan en el cine, él es, a mi parecer, el más humilde.”
3ª hora: El bueno, el feo y el malo, Ennio Morricone
– Ennio Morricone: 10/11/1928 (Roma) – 6/07/2020 (Roma)
– Sergio Leone: 3/01/1929 (Roma) – 30/04/1989 (Roma)
Durante veinte años colaboraron en una docena de películas, que, pese a sus irregularidades artísticas, pueden ser consideradas como parte esencial de la historia del cine europeo moderno. Títulos como Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo o Érase una vez América forman parte de la creación de estos maestros italianos, la mayoría de ellos pertenecen al género del spaguetti western, estilo puramente europeo pero con evidentes raíces norteamericanas, caracterizado por una estética de apariencia sórdida aunque, en el fondo, muy estilizada. La denominada “Trilogía del dólar” tiene un perfecto epílogo con El bueno, el feo y el malo (tras Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio) Ambientada durante la Guerra de Secesión, en un lejano oeste aparentemente esquivo a la contienda entre el norte y el sur, la película cuenta con una partitura muy influenciada por sus predecesoras, pero enfatizando en esta ocasión al lado más melodramático de la historia. Al igual que en las otras, usa campanas, guitarras, trompetas, voces, silbidos…sobresaliendo un tema principal que, entre sus líneas melódicas, simula los aullidos de un coyote, símbolo del carácter áspero y rudo de los personajes.
RECREO: En busca del Arca perdida, John Williams
– John Williams: 8/02/1932 (Long Island, Nueva York)
– Steven Spielberg: 18/12/1946 (Cincinnati)
Si hay una pareja de éxito entre todas las que estamos analizando que sea conocida por el gran público, es la formada por estos dos “monstruos de la pantalla”. De esa unión han salido títulos como E.T. El extraterrestre, Encuentros en la Tercera Fase, Tiburón, La Lista de Schindler o la Tetralogía de Indiana Jones, entre otras… En la primera de las películas sobre el famoso arqueólogo aventurero, En busca del arca perdida, el maestro nacido en Nueva York demostró su envidiable don para crear temas musicales memorables. La marcha central (“The raiders march”) que estamos escuchando imprime a la película un carácter impulsivo y la adrenalina necesaria para hacer de la misma una producción de incesante acción, cuyo tono humorístico es realzado por Williams de manera tan sutil que parece no estar presente.
4ª hora: Psicosis, Bernard Herrmann
– Bernard Herrmann: 29/06/1911 (Nueva York) – 24/12/1975 (Hollywood)
– Alfred Hitchcock: 13/08/1899 (Londres) – 29/04/1980 (Los Ángeles)
Son una de las parejas más importantes de la historia del cine. Dos genios, dos egos enfrentados pero, al mismo tiempo, conjuntados en una simbiosis artística que nos ha legado algunos de los momentos visuales y sonoros más impactantes e influyentes del siglo XX, como Vértigo (de entre los muertos), Con la muerte en los talones, Los pájaros o Psicosis. Herrmann no dudó un instante al ver la película en adaptar su atonal composición “Sinfonietta para cuerdas” escrita en la década de los 30, consciente de que los instrumento de cuerda serían el perfecto acompañamiento para retratar la odisea del horror que es Psicosis. El mismo además, bautizó a su obra como una ‘sinfonía en blanco y negro’, modelo perfecto a posteriori de gran parte de las películas de terror gótico.
Escuchamos la música de los títulos de crédito.
5ª hora: Los abrazos rotos, Alberto Iglesias
– Alberto Iglesias: 21/10/1955 (San Sebastián)
– Pedro Almodóvar: 24/09/1949 (Calzada de Calatrava, Ciudad Real)
Dos autores obsesionados con la búsqueda de la renovación artística, constituyen la esencia del cine español contemporáneo gracias a su incuestionable valía como cineastas y, sobre todo, a su innegable reconocimiento internacional. Alberto Iglesias, con una vasta formación académica, ha sido nominado a premios Oscar y Bafta en tres ocasiones y ha conseguido 10 premios Goya. Pedro Almodóvar, un icono de nuestro cine, ha conseguido innumerables premios con sus películas, incluidos dos Oscar con Todo sobre mi madre y Hable con ella, cintas a las que Iglesias le puso la música.
En Los abrazos rotos cuenta la historia del escritor Mateo Blanco (Lluis Homar), ciego debido a un infeliz accidente de coche en compañía del amor de su vida, Lena (Penélope Cruz), que parece la descripción del álter ego del propio Almodóvar, empecinado en narrar un universo de claroscuros en el que la luminosidad del amor no consigue dejar traslucir la esperanza. La música, reiterativa aunque sólida, insiste en su mecánica descriptiva apoyada en la fuerza de una orquesta de cámara sinuosa y fugaz. No destaca por su capacidad de sorpresa pero sí por su coherencia temática.
6ª hora: Lawrence de Arabia, Maurice Jarre
– Maurice Jarre: 13/09/1924 (Lyon) – 29/03/2009 (Malibú, California)
– David Lean: 25/03/1908 (Surrey) – 16/04/1991 (Londres)
Lawrence de Arabia es una de las películas más espectaculares y emblemáticas de la historia del séptimo arte, y a ello contribuye enormemente no sólo el épico tema central que estamos escuchando (auténtico modelo de la inmensidad del desierto) sino también el fuerte temperamento del resto de la partitura, que pasa a ser como un personaje principal más de la trama. Jarre, especializado en música tradicional y en percusión en sus años de conservatorio, supo aplicar sus conocimientos técnicos utilizando instrumentos acústicos, e incluso electrónicos (ondas martenot), muy poco habituales en la música de cine. Con ello remarcaba el carácter legendario a la vez que étnico de la historia protagonizada por T.E. Lawrence. La película recibió en 1963 7 premios Oscar, entre ellos el de mejor música original.
Otros título destacados de la pareja son Doctor Zhivago o Pasaje a la India.
SALIDA: Peter Gunn, Henry Mancini
– Henry Mancini: 16/04/1924 (Cleveland) – 14/06/1994 (Los Ángeles)
– Blake Edwards: 26/07/1922 (Tulsa, Oklahoma) – 15/12/2010 (Santa Mónica, California)
La música de cine no sería lo mismo sin la presencia de Henry Mancini, y la comedia tampoco sin el saber hacer inimitable de Blake Edwards. Un tándem que duró cinco décadas y que nos ha legado algunos de los momentos cinematográficos más emblemáticos de todos los tiempos. Desayuno con diamantes, La pantera rosa, ¿Víctor o Victoria? o Charada son algunos de los grandes “hits” de esta pareja. Hemos elegido la música de Peter Gunn, una película basada en una serie de televisión anterior, donde Edwards le permitió a Mancini que hiciera lo que le diera la gana, siendo uno de los primeros compositores en usar música de jazz para el cine. El tema principal acabó convirtiéndose en un éxito inmediato con más de un millón de discos vendidos (y uno de los más célebres de la carrera del músico norteamericano). Con Peter Gunn anuncia, casi sin tapujos, el que será sello personal durante toda su trayectoria en Hollywood: un swing caracterizado por los tiempos medios y rápidos, y, sobre todo, por la reiteración de frases melódicas que rememoran el sonido big band de los años 40 (de hecho, Mancini trabajó como arreglista en las prestigiosas orquestas de Tex Beneke y Glenn Miller).
Espero que os haya gustado y, sobre todo, que hayáis aprendido algo nuevo sobre este maravilloso mundo de la música cinematográfica.
¡Un fuerte abrazo!
Juan Miguel Maldonado González
Profesor de Música del IES “Almadraba”, Tarifa.
