Educación Musical
La oportunidad de la práctica artística a una edad temprana aporta imaginación, creatividad y promueven formas de pensamiento flexibles.
La gran diferencia del aprendizaje de la música con otras disciplinas del conocimiento está, en la forma de adquirir este conocimiento. La música es parte de nuestra vida cotidiana.
Estudios como la Teoría de las Inteligencias Múltiples, planteado por el neuropsicólogo Howard Gardner (2010), afirman que la inteligencia musical influye en el desarrollo emocional, espiritual y corporal del ser humano. Este autor apunta que “la música estructura la forma de pensar y trabajar, ayudando a la persona en el aprendizaje de matemáticas, lenguaje y habilidades espaciales”.
Exploración Sonora
La acción de los autores y pedagogos de la 2º mitad del S. XX hasta hoy, invita a realizar una pedagogía, no tanto basada, en la utilización de una técnica específicamente musical sino a la apertura de un uso menos convencional de la voz y de cualquier cuerpo sonoro, probando, usando los materiales y técnicas más diversas para relacionar el hecho sonoro con los episodios cotidianos o con otras expresiones artísticas. Colocan al alumnado en el centro de un proceso de aproximación fáctica del sonido, haciéndoles intervenir en su producción y organización y propiciando un aprendizaje directo y funcional de distintos aspectos musicales, variaciones de duración, relaciones rítmicas, empaste tímbrico, similitudes y contrastes, manipulaciones diversas en donde siempre prima el hacer.
Gamificación
Dentro de la metodología de aula, incluimos algunas estrategias metodológicas relacionadas con la gamificación o ludificación. Utilizando elementos del juego, mecánicas y dinámicas como personajes, retos, insignias, Bonus extra, sistemas de recompensas, mapas, misiones, descubrimiento, exploración, ahorro, trabajo en equipo… Todo esto para conseguir según, Isabel Fernández Solo de Zaldívar (2014) que el alumnado eleve sus niveles neuronales de dopamina, incrementando su atención, su motivación, en definitiva un mayor aprendizaje.
Para Violeta Hemsy de Gainza, las experiencias sonoras que aporta la música contemporánea apuntan a:
-Sensibilizar a los alumnos en relación con el entorno sonoro y la valoración del silencio
-Brindar oportunidad para el manejo y la exploración de materiales y objetos sonoros y la intervención y construcción de diversos tipos de instrumentos.
-Estimular la producción sonoro-musical mediante la voz, los instrumentos y diversos tipos de objetos.
-Desarrollar la fantasía y la imaginación sonora a través de improvisaciones y composiciones individuales y colectivas.
-Conocer, inventar y utilizar las nuevas formas de grafía musical (lenguajes analógicos y otros lenguajes simbólicos).
-Integrar el sonido y la música en experiencias interdisciplinarias que incluyan otros campos estéticos o artísticos.
-Preparar a los alumnos para el conocimiento y la apreciación de las obras musicales contemporáneas.
-Conocer nuevas técnicas y desarrollos musicales.
-Adquirir los conocimientos básicos para el abordaje de la lectura y la interpretación de partituras contemporáneas.
Metodología
Exploración más exhaustiva del sonido de nuestro entorno. Todas las tareas siguen el esquema de implementación siguiente. En la primera fase se proponen situaciones de percepción u obtención de información, que supongan, una observación, identificación, experimentación, manipulación de los sonidos, trabajando en grupo y fomentando el espíritu colaborativo y cooperativo. Esta información recabada en la fase de percepción, se lleva a la siguiente fase. La fase de Expresión por medio de la voz, los instrumentos y el movimiento, donde se plantea el análisis de todo lo llevado a cabo y se organiza la composición sonora o proyecto sonoro que se lleva a la siguiente fase, la grabación de nuestras producciones utilizando las NNTT. Por último el resultado de esas grabaciones será material inestimable, para realizar un análisis de las mismas y una valoración. De tal manera que los resultados de estas valoraciones nos lleven a tomar conciencia de lo que hacemos pero también obtener información que se va a reutilizar en nuevas situaciones de percepción, de expresión y en nuevas situaciones de grabación. En definitiva pretendemos que el aprendizaje sea significativo y potenciar el aprender a aprender y el saber hacer.
Aportaciones de las pedagogías más importantes
· Dalcroze (1865-1950): tratamos de unir de una forma armoniosa el movimiento y la expresión corporal con el pensamiento y la sensibilidad, trabajando simultáneamente la atención, la inteligencia, la sensibilidad, el oído musical y el cuerpo como medio de representación de cualquier elemento musical, apelando a la motivación y al esfuerzo de la música.
· Kodaly (1882-1967): Partimos de canciones populares, sílabas rítmicas para expresar las distintas duraciones de las figuras musicales, la importancia del lenguaje musical (teniendo siempre en cuenta que no enseñaremos un nuevo elemento básico del lenguaje musical sin previamente haber sido vivenciado).
· Willems (1890-1978): uno de los objetivos prioritarios es, tal y como promulgaba, el contribuir a la apertura general y artística de la persona, tratando de que los niños amen la música.
· Orff (1895-1982): tomaremos el llamado Instrumental Orff, junto con la percusión corporal y la creación de instrumentos. Tal y como propugnaba, la mejor enseñanza musical es aquella en la que el niño participa y crea.
· Martenot (1898-1980): damos importancia al juego como parte importante de la enseñanza de la música. También trabajamos la relajación, a través de distintos ejercicios.
· Delalande: (Pedagogía de la creación musical). Podemos enmarcarla entre las nuevas corrientes pedagógicas surgidas en el último cuarto del siglo XX destinadas a alumbrar la educación musical del siglo XXI. Encuadramos aquí propuestas muy variadas que desde hace ya treinta o cuarenta años movilizan y refrescan el terreno de la pedagogía musical contemporánea, aunque su implantación resulte lenta y, en muchos casos, incomprendida quizá sirviendo como reflejo de la propia asimilación de las músicas contemporáneas.
Entre ellas, merecen subrayarse las aportaciones de George Self (1967), John Paynter, Murray Schafer, Brian Denis (1975), Carmelo Saitta (2004) o François Delalande(1995). Aún teniendo en cuenta su variedad, en general se detectan una ampliación y exploración más exhaustiva de la materia sonora, la aparición de nuevas soluciones gráficas y un empleo de lo sonoro como medio para la improvisación y el juego creativo y como vehículo privilegiado que permite hacer aflorar la capacidad expresiva que todos y todas poseemos. Planteamos montajes y actividades que aprovechan el entorno sonoro, estimulan la imaginación individual y colectiva, promueven una relación interdisciplinar con otros campos estéticos o artísticos y colocan al alumno en el centro de un proceso en donde interesa hacer, producir, manipular, probar; un proceso fáctico de selección y aportación de soluciones que poco a poco adquiere el carácter de autentica creación musical.
· Murray Schafer: aprovechamos las nuevas ideas sobre la creación musical, con experimentaciones libres de sonidos y la relación con otras artes para trabajar la transversalidad.
· George Self, Brian Denis, John Paynter, parten del empleo del mundo sonoro que nos rodea como primer elemento musical. El aspecto experimental-manipulador está en el centro de sus propuestas: tocar los instrumentos, descubrir todas las posibles fuentes de sonido, probar los efectos encontrados, escuchar y reproducir, son los puntos principales de sus proyectos; con todo ello logran un acercamiento a los procesos y a las estéticas de algunas corrientes contemporáneas.
