L 1 TIPOS DE LÍNEAS (recta, semirrecta, segmento, curva, quebrada, discontinua, mixta)
L 2 TIPOS DE LÍNEAS. POSICIÓN
L 3 LUGARES GEOMÉTRICOS ( Mediatriz, bisectriz y circunferencia que pasa por 3 puntos)
L 4 TRIÁNGULOS. PUNTOS Y RECTAS NOTABLES
L 5 CONSTRUCCIÓN DE TRIÁNGULOS (Según sus lados y ángulos)
L 6 CUADRILÁTEROS. PARALELOGRAMOS
L 7 CUADRILÁTEROS: TRAPECIOS Y TRAPEZOIDE
L 8 POLÍGONOS REGULARES INSCRITOS
L 9 POLÍGONOS REGULARES. MÉTODO GENERAL
L 10 POLÍGONOS ESTRELLADOS (Aplicación método general) Paso 2 y Paso 3
L11 POLÍGONOS REGULARES DADO EL LADO (5, 6, 7 Y 8)
L 12 TANGENCIAS
L 13 ENLACES
L 14 ÓVALOS Y OVOIDES
L 15 ESPIRALES
L 16 TÉCNICAS SECAS TÉCNICAS GRÁFICO PLÁSTICAS
http://roble.pntic.mec.es/mbal0034/tecnicas_secas_humedas.html
L 17 TÉCNICAS HÚMEDAS
L 17 B TÉCNICAS DE EXPRESIÓN TÉCNICAS DE IMPRESIÓN
L 18 TÉCNICAS DE EXPRESIÓN. EL BOLÍGRAFO
L 19 TÉCNICAS DE EXPRESIÓN, BLANCO SOBRE NEGRO
CONEXIONES CREATIVAS
https://www.instagram.com/artisticsideoflife_?igsh=MWJ1bXowYW9tMjlmZA==
SER HÍBRIDO
INTERPRETACIONES CON OBRAS DE ARTE
CONTEXTUALIZANDO EL ARTE
- ¿POR QUÉ REINTERPRETAR La noche estrellada en la secundaria?
- En múltiples publicaciones hemos observado cómo La noche estrellada, la emblemática obra de Vincent van Gogh, ha sido reinterpretada por alumnos de secundaria de manera creativa y significativa. Este fenómeno no es casual: se trata de una de las imágenes más poderosas en el campo de las artes visuales, capaz de inspirar distintas lecturas y formas de expresión entre las nuevas generaciones.
- Reinterpretar una obra como La noche estrellada no solo es un ejercicio artístico, sino una oportunidad profunda de aprendizaje para los estudiantes. Esta pintura, cargada de emoción, movimiento y simbolismo, permite a los alumnos acercarse al arte desde múltiples perspectivas: visual, histórica, emocional y personal.
- Al realizar sus propias versiones, los estudiantes desarrollan habilidades de observación y sensibilidad estética, al tiempo que exploran elementos del lenguaje visual como el color, la línea, la textura y el contraste. Más allá de la técnica, este proceso les permite reflexionar sobre el contexto y el estado emocional del artista, abriendo la puerta a conversaciones significativas sobre la salud mental, la expresión personal y la capacidad del arte para comunicar lo que las palabras a veces no logran expresar.
- Además, trabajar con una obra reconocida les permite reconocerse como parte de una conversación cultural más amplia. Comprenden que el arte no es algo lejano o reservado solo para expertos, sino una forma viva de diálogo que puede ser resignificada desde sus propios contextos, emociones y experiencias.
- Sin embargo, es importante señalar que abusar de la copia de obras reconocidas puede limitar la creatividad y el pensamiento original. Si bien el estudio de los grandes maestros es valioso para aprender técnicas y comprender estilos, la meta debe ser que los alumnos desarrollen su propia voz artística. Cuando se repiten obras sin una intención formativa clara, el arte escolar corre el riesgo de volverse mecánico y perder su función expresiva. Reinterpretar no debe ser sinónimo de imitar, sino de inspirarse para crear algo auténtico y significativo.
- En resumen, este tipo de proyectos fortalecen las habilidades artísticas, el pensamiento crítico, la empatía y la conexión con el legado cultural de la humanidad. Pero, sobre todo, invitan a los estudiantes a mirar el cielo que Van Gogh pintó, y también a observar su propio universo con ojos creativos, libres y personales.
L 22 LA ICONICIDAD DE LA IMAGEN
L 23 PROPORCIONALIDAD SEMEJANZA E IGUALDAD
L 25 PROPORCIONALIDAD EN LA FIGURA HUMANA CANON
Dibujar el cuerpo humano es uno de los retos que más respeto inspiran a la hora de aprender. Incluso aquellos que dibujan muy bien a veces tienen problemas para representar el cuerpo humano con realismo. Lo principal en este caso, es tener en cuenta las relaciones de proporción en todo el cuerpo como unidad, y entre las distintas partes del cuerpo.
Dicho de otra manera: existe una relación de tamaño entre las distintas partes del cuerpo y el cuerpo en su totalidad: el tamaño de los dedos en relación a la mano, el tamaño de la mano en relación al brazo, el brazo con respecto al cuerpo… esa relación de proporcionalidad se basa en unas medidas matemáticas que hacen que visualmente el conjunto se considere armonioso.
Si, se trata de relaciones matemáticas en cuanto a los tamaños. Desde la antigüedad se ha estudiado la manera de establecer esta relación de proporcionalidad entre distintas partes del cuerpo humano, y para ello se buscaba una unidad de medida que pudiera servir de referencia. En el caso del cuerpo humano esa unidad de medida es el tamaño de la cabeza, y con cuántas cabezas se pueden definir tronco y extremidades y la totalidad del cuerpo.
Por el número de cabezas se establece un «canon»: El canon, palabra que proviene del griego, se refiere a una regla en las proporciones perfectas o ideales del cuerpo humano, y alude a las relaciones armónicas entre las distintas partes de una figura.
Se sabe que los egipcios utilizaron en la práctica el canon para la representación escultórica de la figura humana, pero en lugar de tomar la cabeza como módulo, lo hicieron con el puño, de forma que los cuerpos tenían de alto 18 veces el tamaño del puño, distribuido proporcionalmente en distintas partes del cuerpo (dos para el rostro, diez desde los hombros a la rodillas y seis desde éstas hasta los pies).
conquistando en los siglos en los que su imperio dominaba todo el Mediterraneo, y también
aprendieron de las proporciones establecidas por los artistas griegos. A la aristocracia romana
le gustaba tener reproducciones de obras que ya entonces se consideraban clásicas, y su
forma de representar la proporción del cuerpo humano era la misma.
las distintas invasiones de pueblos bárbaros, muchos de los conocimientos se perdieron, entre
ellos los referentes a la arquitectura, al arte y también a la proporción.
de un modo natural, y no porque los artistas «no supieran pintar», sino que utilizaban las
proporciones como elementos expresivos, como ya habían hecho los egipcios en su momento.
Dicho de otra manera, lo más grande era lo más importante, independientemente de su tamaño
real, porque la representación artística estaba principalmente vinculada a la religión y a las
enseñanzas a un pueblo analfabeto que conocía las historias sagradas por las esculturas y
pinturas de las iglesias. Las personas no se representaban de una manera natural, sino como
Esta imagen es un fragmento de los muchos estudios de anatomía de Leonardo Da Vinci que se conservan. A Leonardo el tema de la proporción en las formas le interesaba bastante, también desde el punto de vista anatómico, y su relación con la función y el movimiento.
Michelangelo Buonarroti (Miguel Angel) 1475-1564, es uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. También se interesó por la representación del cuerpo humano, como vemos en este dibujo suyo. Los estudios de anatomía son frecuentes entre los artistas, el conocimiento de lo que se dibuja facilita su representación. En este tipo de dibujos la influencia del Laoconte es muy clara.
En obras de artistas del renacimiento podemos ver que esta proporción se aplicaba igualmente a las mujeres, como podemos ver en la obra de Botticelli “El nacimiento de Venus” (derecha), y se continuó aplicando durante los siglos sucesivos, como como se muestra en la célebre obra de Rubens “Las tres gracias” (izquierda). En ambas la idealidad de belleza y proporción femenina aparece representada con el canon de las 8 cabezas.
En ese sentido el mismo Leonardo, siglos antes, hablaba de la proporción de cada cuerpo y no de una idea de proporción general e ideal. La belleza de cada cuerpo está en su propia armonía y en su propia proporción.
Como todo en el arte contemporaneo, la proporción pasa a formar parte de la expresividad de la obra, y dependiendo de lo que se pretende transmitir, se representa de un modo natural o se deforma de modo expresivo. Hay muchos ejemplos, pero aquí se muestran dos obras de Dalí: la figura en una finestra y las tentaciones de San Antonio. En cada una de ellas los cuerpos aparecen proporcionados de acuerdo a la sensación que transmite cada pintura.
Y después de recorrer toda la historia del arte occidental, ¿Qué proporciones usamos en la actualidad para representar el cuerpo humano? Pues principalmente el canon de 8 cabezas como podemos ver en la siguiente ilustración.
En realidad dependiendo de para qué vas a usar la ilustración, las figuras se hacen considerando distintas proporciones.
- Canon de 7 cabezas y media que corresponde a la figura común.
- Canon de 8 cabezas, corresponde con la figura ideal. Usado por escultores y pintores.
- Canon de 8 cabezas y media, usado en cómics y figurines.
L 25 ELEMENTOS DE EXPRESIÓN EL COLOR
Antes de pintar uno de sus cuadros más importantes, Van Gogh le escribió a su hermano una descripción de cómo era. Es interesante qué quería comunicar con la imagen.
“Esta vez es simplemente mi dormitorio; sólo que el color debe predominar aquí, dando con su simplificación un estilo más grande a las cosas para llegar a sugerir el reposo o el sueño en general. En fin, con la vista del cuadro debe descansar la cabeza o más bien la imaginación.
Las paredes son de un violeta pálido. El suelo es de maderas rojas. La madera del lecho y las sillas son de un amarillo de mantequilla fresca; la sábana y las almohadas, verde limón muy claro.
La colcha, rojo escarlata. La ventana, verde. El lavabo, anaranjado; la cubeta, azul.Las puertas, lilas.
Y eso es todo -nada más en ese cuarto con los postigos cerrados.
Lo cuadrado de los muebles debe insistir en la expresión del reposo inquebrantable.
Los retratos en la pared, un espejo, una botella y algunos vestidos.
El marco -como no hay blanco en el cuadro -será blanco.
Esto, para tomarme el desquite del reposo forzado a que me he visto obligado.
Trabajaré aún todo el día de mañana; pero ya ves qué simple es la concepción. Las sombras y las sombras proyectadas están suprimidas; ha sido coloreado con tintes planos y libres como los grabados japoneses. Esto va a contrastar con, por ejemplo, La diligencia de Tarascón y el Café nocturno.”
L 26 DISEÑO DE UN PERSONAJE
L 27 EL CÓMIC Imágenes para contar historias
L 28 LA IMAGEN FIJA Y EN MOVIMIENTO
BOOK FLIP ANIMATION
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L 30 PERSPECTIVA CÓNICA
L 31 COMPOSICIÓN ISOMÉTRICA
L 32 FOTOCOMPOSICIÓN (con fotografía directa)
CON CAMBIO DE ESCALA (COLLAGE).
En esta actividad vamos a trabajar con imágenes fotográficas. Dentro del bloque de comunicación audiovisual se trata también la imagen fija o fotográfica, además de la secuencia (cómic) o la imagen en movimiento (cine, vídeo, etc.).
Como siempre, podremos trabajar en versión tradicional, usando la técnica del collage, recortando formas completas o parciales de imágenes impresas en papel, sean en blanco y negro o a color, que pegaremos sobre una lámina en blanco o formato A4
Para la versión digital podemos usar Pixlr y trabajaremos las imágenes por capas, aprenderemos a recortarlas y colocarlas unas sobre otras, a cambiar el tamaño o la orientación de esas imágenes para conseguir el resultado final deseado.
La versión tradicional está limitada por el material que puedes encontrar ya impreso en revistas, folletos publicitarios o de impresión propia a partir de imágenes digitales; también el tamaño de estas imágenes nos definirá el resultado final del proyecto, por eso debes elegir primero qué es lo que quieres representar y buscar imágenes que tengas a mano. Si puedes imprimirlas, puedes buscarlas por Internet, cambiarlas de tamaño en Pixlr y luego pasarlas a papel imprimiéndolas, para recortarlas, pegarlas en el soporte y hacer tu propia composición de imágenes.
Para ayudarte en el proyecto se han incluido varias fotografías donde se ven ejemplos de cómo quedaría la tarea terminada. Vamos a representar elementos que tienen una relación extraña entre sí en cuanto al tamaño relativo entre ellos. Por ejemplo, imagina que ves una imagen de un animal pequeño, como un insecto, pero has cambiado su escala respecto a lo que tiene alrededor y aparece como si fuera de mayor tamaño del habitual, al lado, por ejemplo de un edificio. Mira algunas de las imágenes de ejemplo para entenderlo.
En las imágenes de ejemplo hay varios tipos de fotomontaje:
A.- Fotografía directa, forzando el punto de vista para componer la escena: son fotografías hechas en una sola toma con cámara, donde los elementos que aparecen dan una ilusión engañosa de la realidad que representan, a veces porque los elementos están separados por la distancia y sus tamaños relacionados dan una visión no realista, otras veces porque la posición u orientación de los elementos nos obliga a ver lo que no tiene demasiada lógica en la realidad. Si quieres hacer tu trabajo con una fotografía de este tipo debes tener en cuenta que la iluminación y la nitidez de los elementos deben ayudar a crear esa sensación, porque no siempre funciona a la primera. Estos ejemplos se encuentran en este enlace: fotomontaje tipo A.
B.- Fotomontaje normal: es el que se hace combinando partes o elementos de imágenes para colocarlos en una posición diferente para conseguir unos efectos que presenten estas imágenes en una nueva situación inventada. Se utiliza el collage si se hace de forma tradicional y un programa de edición como Pixlr si se opta por el formato digital. En estos ejemplos se representa la realidad tal y como es, pero añadiendo elementos que aparentemente no tendrían que estar en esa realidad o se representan imágenes que directamente son imposibles en la realidad. Es el que se utiliza más en la publicidad y también aparece en el arte surrealista o cuando se quiere representar una situación fruto de un sueño o la imaginación del autor. Puedes encontrar ejemplos en el enlace: fotomontaje tipo B.
C.- Fotomontaje especial: en este grupo de ejemplos se utilizan dos imágenes reales, recortadas y unidas para crear otra imagen que representa el mismo motivo inicial, pero añadiendo ciertas modificaciones, por ejemplo, que un objeto tenga partes de un animal o planta que simulen una de las partes de ese objeto. Los ejemplos de este tipo se encuentran en el tercer enlace: fotomontaje tipo C.
Como complemento para hacer la tarea, se explicarán paso a paso varias técnicas para manipular imágenes, hacer fondos transparentes, cambiar tamaños y colocar o mover capas para componer los elementos de tu fotomontaje, disponibles en los enlaces adjuntos.
Se puede realizar un fotomontaje en formato digital mediante el programa Pixrl (es gratuito y online, no hay que instalarlo, pero se aconseja usarlo en ordenador).
En estos enlaces puedes ver un ejemplo de trabajo de fotomontaje con capas en Pixrl.
LA OBRA TRIDIMENSIONAL
Alexander Calder y sus móviles como referente
Si hay un artista plástico en el siglo XX cuyo trabajo es absolutamente fascinante para los niños, este es Alexander Calder. Me atrevería a asegurar que no hay niño que ante móvil de Calder no sienta un deseo irrefrenable de interactuar con él.
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Las piezas de Calder remiten al juego. A niños y mayores (al menos este es mi caso) nos entran unas ganas locas de tocar, de dialogar con unas obras que sentimos cercanas. Y, ¿sabéis qué? No estamos transgrediendo ninguna norma, no es un sacrilegio… más bien estamos siguiendo los deseos del propio Calder que quiso despojar al artista del control de su obra para invitar al espectador en el proceso de creación y transformar con su intervención la pieza a su voluntad.
Si os parece os lo cuento proponiéndoos dos actividades para que podáis conocer la obra de Alexander Calder.
ARTE CON ALAMBRES, TELA y CORCHO: EL GRAN CIRCO DE CALDER
Alexander Calder fue ante todo un tipo divertido, alegre, con sentido del humor y al que le fascinaba jugar. Unos rasgos que quedan patentes en cada una de sus obras: en sus móviles, en sus juguetes, en sus cuadros e incluso en los automóviles y aviones que decoró.
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Nacido en una familia de artistas -con padre, madre y abuelo reconocidos como artistas de éxito- y pese a demostrar desde muy joven dotes para el arte que sus padres fomentarían -con ocho años le regalaron una caja de herramientas y un taller en el que trabajar y crear propios juguetes, como ese pato y ese perro realizados en plancha de cobre que vemos en la imagen de abajo- en su casa le instaron a estudiar «algo más serio«. La carrera elegida: ingeniería, y aunque su decisión no estuvo motivada por una gran vocación, los conocimientos que allí adquirió le vinieron de perlas para aplicarlos a su obra.
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Acabada la carrera, Calder se traslada a París y comienza a ganarse la vida, no como ingeniero, sino como constructor de juguetes y maestro cirquense. Sí, sí habéis leído bien.
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Desde niño a Calder le fascinaba el circo y decidió realizar uno para él solo, con la compañía completa. 50 figuras realizadas con unos materiales muy simples: corcho, alambre, tela, cuero, madera y alguna que otra goma.
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Trapecistas, domadores, payasos, lanzadores de cuchillo, leones… a los que él mismo daba vida manipulándolos y poniéndoles voz sobre la música de un toca discos de fondo convirtiéndose sus actuaciones en toda una esperada atracción entre los artista de esa vanguardia parisina. No puedo dejar de imaginarme a nombres como Miró, Mondrian, Man Ray, Picasso o Cocteau disfrutando de las locuras cirquenses de Calder como niños.
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Creo que leído esta introducción podéis intuir fácilmente por donde irá la primera actividad que os propongo. Esculpamos con alambre y creemos los personajes de nuestro circo inspirados por Calder. Para ello solamente necesitáis materiales muy básicos: alambre, trapo, lana, corcho, goma, tal vez madera… y por supuesto mucha imaginación. .
Os dejo algunas imágenes para que os sirvan de fuente de inspiración. En este enlace al Whitney Museum of American encontraréis muchas más pues en él se encuentran expuestos los juguetes que Calder construyó en su estancia en Paris.
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ESCULTURA CINÉTICA: Los Móviles de Calder
Calder continuó construyendo juguetes toda su vida pero a partir de la década de los treinta empezó a interesarse por un arte abstracto de formas y figuras geométricas adaptando algunos de los principios estilísticos de Joan Miró, Jean Arp y Piet Mondrian para desde ellos construir su propia identidad. Primero en la pintura, después en la búsqueda de una pintura abstracta en movimiento, en la escultura dando lugar a los móviles, la parte de su obra más reconocida.
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Esculturas realizadas con láminas de metal de vivos y primarios colores y sujetas por alambres creando una estructura orgánica que se mueve al azar, al son del viento, los espectadores o de pequeños motores, creando cada vez una obra de arte diferente en la que el espectador tiene mucho que decir y en donde las esculturas dejan de ser tridimensionales para adquirir una cuarta dimensión: al largo, ancho y alto se le agrega la variable del tiempo.
La segunda propuesta también creo que está clara. Construyamos móviles cual si fuésemos Alexander Calder. Para ello necesitamos:
- Cartulinas, Cartón, Placas de metal si lo queremos más profesional de los colores primarios: rojo, amarillo, azul más blanco y negro. Si no tenemos una buena idea es pintarlas
- Hilo, alambre, perchas…. algo con lo que crear la estructura sobre las que van a ir las placas suspendidas.
- Mucha imaginación y paciencia para crear bellas formas
En la red me he encontrado ejemplos de lo más variado.
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