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COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE

COMENTARIO HECHO DE UNA OBRA DE ARTE, ESCULTURA EL DAVID, DE MIGUEL ÁNGEL, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO

1. INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS TÉCNICO.
Obra cumbre del arte universal ejecutada por Miguel Ángel Buonarroti en estilo renacentista (s. XVI). Es una escultura exenta realizada sobre un único bloque de mármol blanco de unos 4 metros de altura (sin contar la basa), que había sido rechazado por otros artistas debido a su escaso espesor. Encargada por la Señoría de Florencia como uno de los contrafuertes del Duomo, los ciudadanos, encabezados por Leonardo y Boticelli, presionan para que finalmente resulte ubicada en la Plaza de la Señoría de Florencia. Este hecho se consideró un triunfo de la República sobre el poder de los Médici. Finalmente, en 1873 se trasladó al museo de la Academia de la misma ciudad.

2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Siguiendo el relato bíblico, representa al joven pastor hebreo David, en el preciso momento en que ha lanzado con su honda la piedra contra el gigante filisteo Goliat. Se encuentra esperando el resultado de su acción, con la mirada fija sobre su objetivo, que finalmente será abatido. Esto le supondrá la entronización como primer rey del pueblo de Israel. Representa el triunfo de la inteligencia y la habilidad contra la fuerza bruta.

3. ANÁLISIS FORMAL.
La obra resulta descomunal por sus dimensiones, además de por la fuerza y rotundidad de la talla que inicia el estilo heroico propio de Miguel Ángel: La potente musculatura, la expresión firme y segura (terribilitá), el vigor resaltado por las manos enormes, desproporcionadas intencionadamente. Acumula además toda la belleza del desnudo clásico y la composición equilibrada que transmite el contraposto (una pierna semiflexionada).

4. CONCLUSIÓN
Podemos ver el David como el arquetipo del humanismo y de la belleza ideal renacentista, aunque a la maniera de Miguel Ángel (la tensión frente al equilibrio, la expresividad frente al idealismo, la inquietud frente al orden) . Se representa a un hombre, David, con toda la grandiosidad de un Dios, donde un tema religioso parece representar uno mitológico.

Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.

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2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Siguiendo el relato bíblico, representa al joven pastor hebreo David, en el preciso momento en que ha lanzado con su honda la piedra contra el gigante filisteo Goliat. Se encuentra esperando el resultado de su acción, con la mirada fija sobre su objetivo, que finalmente será abatido. Esto le supondrá la entronización como primer rey del pueblo de Israel. Representa el triunfo de la inteligencia y la habilidad contra la fuerza bruta.

3. ANÁLISIS FORMAL.
La obra resulta descomunal por sus dimensiones, además de por la fuerza y rotundidad de la talla que inicia el estilo heroico propio de Miguel Ángel: La potente musculatura, la expresión firme y segura (terribilitá), el vigor resaltado por las manos enormes, desproporcionadas intencionadamente. Acumula además toda la belleza del desnudo clásico y la composición equilibrada que transmite el contraposto (una pierna semiflexionada).

4. CONCLUSIÓN
Podemos ver el David como el arquetipo del humanismo y de la belleza ideal renacentista, aunque a la maniera de Miguel Ángel (la tensión frente al equilibrio, la expresividad frente al idealismo, la inquietud frente al orden) . Se representa a un hombre, David, con toda la grandiosidad de un Dios, donde un tema religioso parece representar uno mitológico.

Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.

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EJEMPLO DE COMENTARIO YA HECHO DE UNA OBRA DE ARQUITECTURA, LA VILLA CAPRA O ROTONDA, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO

1. INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS TÉCNICO
La Villa Capra (por el propietario) o La Rotonda (por la sala circular central), fue ejecutada entre 1551 y 1553. El autor, Andrea di Pietro (apodado Palladio en honor a la diosa de la sabiduría, Palas Atenea), fue el primer profesional dedicado exclusivamente a la arquitectura. Su tratado «Los cuatro libros de la arquitectura» fue aceptado como canon clásico de la arquitectura. La obra incorpora diversos materiales (piedra, ladrillo, estucado y mármol) y se encuadra en el Cinquechento (s. XVI) dentro del Renacimiento italiano. Se encuentra en las inmediaciones de Vicenza (Venecia).

                                                          Fuente: http://arte.observatorio.info

2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Las villas nacen de una una nueva interpretación de la arquitectura clásica (véase el Panteón de Roma). Se combinan dos elementos en apariencia contradictorios, como son el eje centralizado de la rotonda más la planta cuadrada, realzada además por la cúpula, con los cuatro amplios pórticos orientados a los cuatro puntos cardinales que crean ejes longitudinales.

Siguiendo los principios renacentistas, Palladio retomó el estilo arquitéctonico de los templos romanos y los aplicó en edificaciones civiles. La obra expresa la adaptación realizada de los palacios urbanos a las mansiones rurales, al estilo de las antiguas villas romanas.

3. ANÁLISIS FORMAL.
En el exterior, la Villa Capra presenta un perfil idéntico en las cuatro fachadas, a modo de templo romano. Cada una de ellas se articula a partir de unas pronunciadas escalinatas que conducen hacia un pórtico, próstilo (hilera de columnas sólo en la fachada anterior), de seis columnas (hexástilo) y de orden jónico, con su correspondiente entablamento y frontón triangular, rematado con una estatua en cada uno de sus vértices. En el centro del edificio se alza una cúpula que cubre la sala circular de la mansión.

                                      Fuente: http://www.tumblr.com

La planta, forma de cruz griega, incorpora una gran sala circular que distribuye alrededor las habitaciones y salas que la rodean, con los dormitorios en los cuatro ángulos del edificio. En los sótanos se hallan la cocina y la administración. La sala central se cubre con una cúpula rematada por un óculo (abertura) y está decorada con pinturas al fresco de la época. La iluminación de la sala es insuficiente, pues aparte del óculo, la luz sólo penetra a través de cuatro corredores que convergen en ella.

3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN
Resulta claramente visible la herencia de los templos romanos en las cuatro fachadas porticadas, y del Panteón de Roma en la cúpula centralizada con su óculo central.
Esta disposición presenta una patente elegancia formal y una sencillez monumental, que la acerca tanto al concepto clásico de Antigüedad y que explica su enorme difusión posterior, sobre todo en la época Neoclásica (2ª mitad s. XVIII y s. XIX).
Fue el referente para el neopalladianismo inglés y tuvo una gran aceptación en las mansiones sureñas y en los edificios públicos de Estados Unidos durante el s. XIX.

Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.

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                                                          Fuente: http://arte.observatorio.info

2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Las villas nacen de una una nueva interpretación de la arquitectura clásica (véase el Panteón de Roma). Se combinan dos elementos en apariencia contradictorios, como son el eje centralizado de la rotonda más la planta cuadrada, realzada además por la cúpula, con los cuatro amplios pórticos orientados a los cuatro puntos cardinales que crean ejes longitudinales.

Siguiendo los principios renacentistas, Palladio retomó el estilo arquitéctonico de los templos romanos y los aplicó en edificaciones civiles. La obra expresa la adaptación realizada de los palacios urbanos a las mansiones rurales, al estilo de las antiguas villas romanas.

3. ANÁLISIS FORMAL.
En el exterior, la Villa Capra presenta un perfil idéntico en las cuatro fachadas, a modo de templo romano. Cada una de ellas se articula a partir de unas pronunciadas escalinatas que conducen hacia un pórtico, próstilo (hilera de columnas sólo en la fachada anterior), de seis columnas (hexástilo) y de orden jónico, con su correspondiente entablamento y frontón triangular, rematado con una estatua en cada uno de sus vértices. En el centro del edificio se alza una cúpula que cubre la sala circular de la mansión.

                                      Fuente: http://www.tumblr.com

La planta, forma de cruz griega, incorpora una gran sala circular que distribuye alrededor las habitaciones y salas que la rodean, con los dormitorios en los cuatro ángulos del edificio. En los sótanos se hallan la cocina y la administración. La sala central se cubre con una cúpula rematada por un óculo (abertura) y está decorada con pinturas al fresco de la época. La iluminación de la sala es insuficiente, pues aparte del óculo, la luz sólo penetra a través de cuatro corredores que convergen en ella.

3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN
Resulta claramente visible la herencia de los templos romanos en las cuatro fachadas porticadas, y del Panteón de Roma en la cúpula centralizada con su óculo central.
Esta disposición presenta una patente elegancia formal y una sencillez monumental, que la acerca tanto al concepto clásico de Antigüedad y que explica su enorme difusión posterior, sobre todo en la época Neoclásica (2ª mitad s. XVIII y s. XIX).
Fue el referente para el neopalladianismo inglés y tuvo una gran aceptación en las mansiones sureñas y en los edificios públicos de Estados Unidos durante el s. XIX.

Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.

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EJEMPLO DE CÓMO HACER EL COMENTARIO DE UNA PINTURA, EL NACIMIENTO DE VENUS, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO

 EL NACIMIENTO DE VENUS


1. INTRODUCCIÓN. ANÁLISIS TÉCNICO.
Pintura al temple sobre lienzo de grandes dimensiones ejecutada hacia 1485 por Sandro Boticelli, discípulo de Filippo Lippi. Pertenece al Quattrocento (s. XV) en los incicios del Renacimiento italiano. Actualmente en la Galería de los Uffizi (Florencia).

2. ANÁLISIS TEMÁTICO.
Con un fuerte sentido narrativo se representa el nacimiento de la diosa del amor, Venus (romana) o Afrodita (griega), que significa nacida de la espuma. En la mitología griega contramos dos versiones. Hesíodo relata como Cronos (padre de Zeus) se rebela contra su padre Urano y le arranca los genitales para arrojarlos después al océano; de la espuma surgida nace la diosa. Por otra parte, según Homero, Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y Dione, diosa de la Tierra.

Sin embargo, lo que representa Botticelli, no es exactamente el nacimiento, sino la llegada de la diosa a las costas de Citerea después de haber nacido en el mar. Sobre una concha (que simboliza la fecundidad), es empujada por Céfiro (el viento del Oeste) y por Cloris (diosa de la brisa) hacia una playa donde es finalmente recibida por Flora (diosa de la vegetación y la Naturaleza) identificada con la primavera (la estación del amor) entre una lluvia de rosas (que simbolizan también el amor). Venus es la representación de la belleza ideal inalcanzable (aunque conocemos que la modelo es real, Simoneta Vespucci).

El tema mitológico tiene una segunda lectura religiosa: el cristiano nace a la verdadera religión a través de las aguas del bautismo

3. ANÁLISIS FORMAL.
En el centro de una composición triangular se dibuja a la diosa con una concepción anatómica que revela un alto grado de idealización tanto en las partes (cuello demasiado largo y hombros demasiado estrechos y caídos) como en su posición de equilibrio clásico en contrapposto (una pierna ligeramente flexionada). Los personajes laterales forman los lados del triángulo y dirigen sus acciones directamente a Venus, compensado el espacio escénico y dotándolo a su vez de un ritmo dinámico contrapuesto a la serenidad del personaje central. Toda la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria e ideal acorde con la belleza armónica de la diosa.
 
Prevalece la línea (el dibujo es muy marcado) sinuosa y sensual desentendiéndose del volumen y la perspectiva (las olas del mar son un mero esquema de pequeñas líneas todas iguales). La luz cenital, uniforme (sin claroscuros), limpia y cristalina acentúa la sensación de inmaterialidad, lo mismo que el color de tonos alegres. 

3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN.
Estamos ante una obra clave del Renacimiento, junto a su compañera “La primavera”. En ellas, Boticelli, neoplatónico y por ello puro esteta de la belleza ideal, procede a la recuperación del desnudo clásico como imagen de belleza espiritual, un desnudo a su vez puro y recatadoPero pronto su obra cayo en el olvido debido a las propuestas de Leonardo o Miguel Ángel, siendo redescubierto y muy valorado a partir del s. XIX.

Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.

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 EL NACIMIENTO DE VENUS


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Pintura al temple sobre lienzo de grandes dimensiones ejecutada hacia 1485 por Sandro Boticelli, discípulo de Filippo Lippi. Pertenece al Quattrocento (s. XV) en los incicios del Renacimiento italiano. Actualmente en la Galería de los Uffizi (Florencia).

2. ANÁLISIS TEMÁTICO.
Con un fuerte sentido narrativo se representa el nacimiento de la diosa del amor, Venus (romana) o Afrodita (griega), que significa nacida de la espuma. En la mitología griega contramos dos versiones. Hesíodo relata como Cronos (padre de Zeus) se rebela contra su padre Urano y le arranca los genitales para arrojarlos después al océano; de la espuma surgida nace la diosa. Por otra parte, según Homero, Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y Dione, diosa de la Tierra.

Sin embargo, lo que representa Botticelli, no es exactamente el nacimiento, sino la llegada de la diosa a las costas de Citerea después de haber nacido en el mar. Sobre una concha (que simboliza la fecundidad), es empujada por Céfiro (el viento del Oeste) y por Cloris (diosa de la brisa) hacia una playa donde es finalmente recibida por Flora (diosa de la vegetación y la Naturaleza) identificada con la primavera (la estación del amor) entre una lluvia de rosas (que simbolizan también el amor). Venus es la representación de la belleza ideal inalcanzable (aunque conocemos que la modelo es real, Simoneta Vespucci).

El tema mitológico tiene una segunda lectura religiosa: el cristiano nace a la verdadera religión a través de las aguas del bautismo

3. ANÁLISIS FORMAL.
En el centro de una composición triangular se dibuja a la diosa con una concepción anatómica que revela un alto grado de idealización tanto en las partes (cuello demasiado largo y hombros demasiado estrechos y caídos) como en su posición de equilibrio clásico en contrapposto (una pierna ligeramente flexionada). Los personajes laterales forman los lados del triángulo y dirigen sus acciones directamente a Venus, compensado el espacio escénico y dotándolo a su vez de un ritmo dinámico contrapuesto a la serenidad del personaje central. Toda la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria e ideal acorde con la belleza armónica de la diosa.
 
Prevalece la línea (el dibujo es muy marcado) sinuosa y sensual desentendiéndose del volumen y la perspectiva (las olas del mar son un mero esquema de pequeñas líneas todas iguales). La luz cenital, uniforme (sin claroscuros), limpia y cristalina acentúa la sensación de inmaterialidad, lo mismo que el color de tonos alegres. 

3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN.
Estamos ante una obra clave del Renacimiento, junto a su compañera “La primavera”. En ellas, Boticelli, neoplatónico y por ello puro esteta de la belleza ideal, procede a la recuperación del desnudo clásico como imagen de belleza espiritual, un desnudo a su vez puro y recatadoPero pronto su obra cayo en el olvido debido a las propuestas de Leonardo o Miguel Ángel, siendo redescubierto y muy valorado a partir del s. XIX.

Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.

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COMENTARIO ICONOGRÁFICO DE LA PINTURA LA FRAGUA DE VULCANO, DE VELÁZQUEZ

Para entender el significado de una obra de arte como «La fragua de Vulcano» de Diego Velázquez, tenemos que recurrir a las fuentes clásicas. En ellas aparecen los mitos de una forma fragmentada, entremezclados con narraciones y diálogos. En este caso debemos explorar «La Odisea» de Homero, donde se explica con detalle el episodio del que se plasma un instante concreto, de una forma teatral y dramática propia del arte Barroco. Todos los protagonistas de esta historia de engaño amoroso, adulterio, castigo y venganza son dioses del Olimpo: Hefesto-Vulcano, Afrodita-Venus, Ares-Marte, Apolo-Sol, Zeus-Júpiter, Posidón-Neptuno, Hermes-Mercurio. 
 A continuación se cita el fragmento de la Odisea que hace referencia al cuadro. Puede observarse que Velázquez no es completamente fiel al relato y se toma pequeñas licencias con el fin de aumentar el efecto dramático. Por ejemplo la inclusión de los ayudantes de Hefesto-Vulcano en una fragua con referencias a la época del pintor; o la ubicación de Hefesto trabajando en vez de en su casa. Todo ello con el propósito de mejorar la composición de la escena y aumentar el efecto dramático del instante en el que Apolo-Sol le cuenta al marido la infidelidad de su mujer.

 LA FRAGUA DE VULCANO, VELÁZQUEZ. Fuente: http://arteparaninos.blospot.com
Preludiaba el cantor bellamente en la lira su canto
del amor de Afrodita, de hermosa diadema, y de Ares
que en la casa de Hefesto a hurtadillas se unieron un día
tras pagar ricamente el amante la infamia del lecho
del señor del hogar: más el Sol fue a contárselo a éste,
pues los vio desde arriba a los dos en amor abrazados.
Cuando Hefesto escuchó su punzante relato, a la fragua
el camino emprendió meditando en el fondo del pecho
mil desastres; montó sobre el banco un gran yunque y a golpes
unas trabas labró sin engarces, ni fallas capaces
de aguantar cualquier fuerza. Tramado el engaño y en ira
contra Ares, al cuarto marchó donde estaba su lecho;
a los pies que sostén le prestaban y todo en redondo
sujetó aquellos lazos, mas otros colgó en la techumbre
cual finísima tela de araña, invisible a los ojos
de las mismas deidades felices, ardid sin parejo.  
Viendo ya alrededor de la cama tendido el engaño,
simuló que marchaba hacia Lemnos, la sólida plaza
asentada en la tierra, por él preferida entre todas.
Pero Ares de riendas de oro en despierta vigilia
le observaba y al ver como Hefesto, el artífice insigne,
del camino salía, marchó en derechura a sus casas
anhelante de amor por la hermosa Citera. La diosa
regresaba de ver a su padre, el Cronión poderoso,
y no bien se sentó cuando Ares entró en la morada.
Con la mano tomando su mano le habló de este modo:
«Ven al lecho, querida, gocemos en él descansados,
pues Hefesto no está por aquí; no hace mucho que a Lemnos
se marchó a visitar a los sintis de bárbara lengua.»
Tal diciendo agradable le hizo el yacer a su lado
y marchando los dos ocuparon el lecho: al instante
se corrieron los lazos que urdiera el ingenio de Hefesto
y no más se pudieron mover ni estirar pie ni mano.
Comprendieron entonces que estaban cogidos y a un tiempo
acercábase a ellos el ínclito cojo, emprendido
el regreso a mitad del camino de Lemnos: su nueva
desventura había oído del Sol, su seguro vigía.
A sus casas tornaba llevando la angustia en el pecho
y paró en el umbral dominado por ira salvaje,
invocando con gritos furiosos a todos los dioses:
«Padre Zeus, dioses todos de vida feliz, inmortales,
contemplad estas obras risibles, mas ya intolerables,
cómo, siendo yo cojo, Afrodita, nacida de Zeus,
me deshonra sin tregua en su amor el maléfico Ares
por ser él agraciado y tener buenas piernas. Y es cierto
que lisiado nací, mas la culpa ¿quién otro la tiene
que mi padre y mi madre? ¡Pudieran no haber engendrado!
Mas veréis a esos dos cómo yacen en junto amorosos
y a mi lecho subidos. ¡Dolor que me toma al mirarlos!
Tardarán, bien de cierto, en poder variar de postura
por amor que se tengan y pronto vendrán a cansarse
uno y otro de estar en la cama, mas no ha de soltarlos
ese ardid y atadura hasta tanto que el padre me vuelva
cuanto yo le entregué por la cínica moza, que tiene
hija hermosa, en verdad, pero bien disoluta.» Así dijo
y a su hogar de broncíenos portales vinieron los dioses:
llegó allí Posidón, el que abraza las tierras, y Hermes
saludable, y el rey que dispara de lejos, Apolo,
porque sólo a las diosas retuvo el pudor en sus casas.
Y de pien en el umbral los eternos dadores de bienes,
una risa sin fin levántose en sus almas felices
observando las trazas del hábil Hefesto: y alguno
murmuró de este modo mirando al que estaba a su lado:
«Las maldades no triunfan y el lento adelanta al ligero:
así Hefesto con ser tan pesado le dio caza a Ares,
que es el dios más veloz del Olimpo; valiéndose de astucias,
pues es cojo, y el otro le habrá de pagar su adulterio.»
De este modo entre sí conversaban los dioses y Apolo
el augusto, nacido de Zeus, hablábale a Hermes:
«¡Dime, oh Hermes divino, de bienes dador, mensajero!
¿Tú quisieras también, aun sujeto por trabas tan recias,
en sus lechos al lado dormir de Afrodita dorada?»
Contestándole dijo, a su vez, el heraldo Argifonte:
«¿Ojalá fuera así, flechador rey Apolo, y sujeto
por cadenas tres veces más duras que aquél, y aun a vista
de vosotros los dioses y a un tiempo de todas las diosas
consiguiera yo al lado dormir de Afrodita dorada!«
Tal habló y en los dioses eternos brotó una gran risa.
Posidón quedó serio; no obstante, le instaba sin tregua
el artífice Hefesto glorioso a dejar libre a Ares
y, volviéndose a él, le decía en aladas palabras:
«Desanúdalo: yo te prometo ante todos los dioses
que te habrá de pagar cuanto es justo según tú lo pides.»
A su vez replicándole dijo el perínclito cojo:
«Posidón, que la tierra rodeas, no exijas tal cosa,

COMENTARIO ICONOGRÁFICO DE LA PINTURA LA FRAGUA DE VULCANO, DE VELÁZQUEZ

Para entender el significado de una obra de arte como «La fragua de Vulcano» de Diego Velázquez, tenemos que recurrir a las fuentes clásicas. En ellas aparecen los mitos de una forma fragmentada, entremezclados con narraciones y diálogos. En este caso debemos explorar «La Odisea» de Homero, donde se explica con detalle el episodio del que se plasma un instante concreto, de una forma teatral y dramática propia del arte Barroco. Todos los protagonistas de esta historia de engaño amoroso, adulterio, castigo y venganza son dioses del Olimpo: Hefesto-Vulcano, Afrodita-Venus, Ares-Marte, Apolo-Sol, Zeus-Júpiter, Posidón-Neptuno, Hermes-Mercurio. 
 A continuación se cita el fragmento de la Odisea que hace referencia al cuadro. Puede observarse que Velázquez no es completamente fiel al relato y se toma pequeñas licencias con el fin de aumentar el efecto dramático. Por ejemplo la inclusión de los ayudantes de Hefesto-Vulcano en una fragua con referencias a la época del pintor; o la ubicación de Hefesto trabajando en vez de en su casa. Todo ello con el propósito de mejorar la composición de la escena y aumentar el efecto dramático del instante en el que Apolo-Sol le cuenta al marido la infidelidad de su mujer.

 LA FRAGUA DE VULCANO, VELÁZQUEZ. Fuente: http://arteparaninos.blospot.com
Preludiaba el cantor bellamente en la lira su canto
del amor de Afrodita, de hermosa diadema, y de Ares
que en la casa de Hefesto a hurtadillas se unieron un día
tras pagar ricamente el amante la infamia del lecho
del señor del hogar: más el Sol fue a contárselo a éste,
pues los vio desde arriba a los dos en amor abrazados.
Cuando Hefesto escuchó su punzante relato, a la fragua
el camino emprendió meditando en el fondo del pecho
mil desastres; montó sobre el banco un gran yunque y a golpes
unas trabas labró sin engarces, ni fallas capaces
de aguantar cualquier fuerza. Tramado el engaño y en ira
contra Ares, al cuarto marchó donde estaba su lecho;
a los pies que sostén le prestaban y todo en redondo
sujetó aquellos lazos, mas otros colgó en la techumbre
cual finísima tela de araña, invisible a los ojos
de las mismas deidades felices, ardid sin parejo.  
Viendo ya alrededor de la cama tendido el engaño,
simuló que marchaba hacia Lemnos, la sólida plaza
asentada en la tierra, por él preferida entre todas.
Pero Ares de riendas de oro en despierta vigilia
le observaba y al ver como Hefesto, el artífice insigne,
del camino salía, marchó en derechura a sus casas
anhelante de amor por la hermosa Citera. La diosa
regresaba de ver a su padre, el Cronión poderoso,
y no bien se sentó cuando Ares entró en la morada.
Con la mano tomando su mano le habló de este modo:
«Ven al lecho, querida, gocemos en él descansados,
pues Hefesto no está por aquí; no hace mucho que a Lemnos
se marchó a visitar a los sintis de bárbara lengua.»
Tal diciendo agradable le hizo el yacer a su lado
y marchando los dos ocuparon el lecho: al instante
se corrieron los lazos que urdiera el ingenio de Hefesto
y no más se pudieron mover ni estirar pie ni mano.
Comprendieron entonces que estaban cogidos y a un tiempo
acercábase a ellos el ínclito cojo, emprendido
el regreso a mitad del camino de Lemnos: su nueva
desventura había oído del Sol, su seguro vigía.
A sus casas tornaba llevando la angustia en el pecho
y paró en el umbral dominado por ira salvaje,
invocando con gritos furiosos a todos los dioses:
«Padre Zeus, dioses todos de vida feliz, inmortales,
contemplad estas obras risibles, mas ya intolerables,
cómo, siendo yo cojo, Afrodita, nacida de Zeus,
me deshonra sin tregua en su amor el maléfico Ares
por ser él agraciado y tener buenas piernas. Y es cierto
que lisiado nací, mas la culpa ¿quién otro la tiene
que mi padre y mi madre? ¡Pudieran no haber engendrado!
Mas veréis a esos dos cómo yacen en junto amorosos
y a mi lecho subidos. ¡Dolor que me toma al mirarlos!
Tardarán, bien de cierto, en poder variar de postura
por amor que se tengan y pronto vendrán a cansarse
uno y otro de estar en la cama, mas no ha de soltarlos
ese ardid y atadura hasta tanto que el padre me vuelva
cuanto yo le entregué por la cínica moza, que tiene
hija hermosa, en verdad, pero bien disoluta.» Así dijo
y a su hogar de broncíenos portales vinieron los dioses:
llegó allí Posidón, el que abraza las tierras, y Hermes
saludable, y el rey que dispara de lejos, Apolo,
porque sólo a las diosas retuvo el pudor en sus casas.
Y de pien en el umbral los eternos dadores de bienes,
una risa sin fin levántose en sus almas felices
observando las trazas del hábil Hefesto: y alguno
murmuró de este modo mirando al que estaba a su lado:
«Las maldades no triunfan y el lento adelanta al ligero:
así Hefesto con ser tan pesado le dio caza a Ares,
que es el dios más veloz del Olimpo; valiéndose de astucias,
pues es cojo, y el otro le habrá de pagar su adulterio.»
De este modo entre sí conversaban los dioses y Apolo
el augusto, nacido de Zeus, hablábale a Hermes:
«¡Dime, oh Hermes divino, de bienes dador, mensajero!
¿Tú quisieras también, aun sujeto por trabas tan recias,
en sus lechos al lado dormir de Afrodita dorada?»
Contestándole dijo, a su vez, el heraldo Argifonte:
«¿Ojalá fuera así, flechador rey Apolo, y sujeto
por cadenas tres veces más duras que aquél, y aun a vista
de vosotros los dioses y a un tiempo de todas las diosas
consiguiera yo al lado dormir de Afrodita dorada!«
Tal habló y en los dioses eternos brotó una gran risa.
Posidón quedó serio; no obstante, le instaba sin tregua
el artífice Hefesto glorioso a dejar libre a Ares
y, volviéndose a él, le decía en aladas palabras:
«Desanúdalo: yo te prometo ante todos los dioses
que te habrá de pagar cuanto es justo según tú lo pides.»
A su vez replicándole dijo el perínclito cojo:
«Posidón, que la tierra rodeas, no exijas tal cosa,
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