Presentación Power Point, EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
Esta es la presentación que vimos en clase. Incluye láminas y dos ejemplos de comentario artístico.Renacimiento En EspañaView more presentations from Jose .
PRESENTACIÓN POWER POINT, El Arte del Renacimiento
Presentación sobre el Arte del Renacimiento con 3 ejemplos de comentario de obra de arte. El Renacimiento from Jose Clemente
COMENTARIO HECHO DE UNA OBRA DE ARTE, ESCULTURA EL DAVID, DE MIGUEL ÁNGEL, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
1. INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS TÉCNICO.
Obra cumbre del arte universal ejecutada por Miguel Ángel Buonarroti en estilo renacentista (s. XVI). Es una escultura exenta realizada sobre un único bloque de mármol blanco de unos 4 metros de altura (sin contar la basa), que había sido rechazado por otros artistas debido a su escaso espesor. Encargada por la Señoría de Florencia como uno de los contrafuertes del Duomo, los ciudadanos, encabezados por Leonardo y Boticelli, presionan para que finalmente resulte ubicada en la Plaza de la Señoría de Florencia. Este hecho se consideró un triunfo de la República sobre el poder de los Médici. Finalmente, en 1873 se trasladó al museo de la Academia de la misma ciudad.
2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Siguiendo el relato bíblico, representa al joven pastor hebreo David, en el preciso momento en que ha lanzado con su honda la piedra contra el gigante filisteo Goliat. Se encuentra esperando el resultado de su acción, con la mirada fija sobre su objetivo, que finalmente será abatido. Esto le supondrá la entronización como primer rey del pueblo de Israel. Representa el triunfo de la inteligencia y la habilidad contra la fuerza bruta.
3. ANÁLISIS FORMAL.
La obra resulta descomunal por sus dimensiones, además de por la fuerza y rotundidad de la talla que inicia el estilo heroico propio de Miguel Ángel: La potente musculatura, la expresión firme y segura (terribilitá), el vigor resaltado por las manos enormes, desproporcionadas intencionadamente. Acumula además toda la belleza del desnudo clásico y la composición equilibrada que transmite el contraposto (una pierna semiflexionada).
4. CONCLUSIÓN
Podemos ver el David como el arquetipo del humanismo y de la belleza ideal renacentista, aunque a la maniera de Miguel Ángel (la tensión frente al equilibrio, la expresividad frente al idealismo, la inquietud frente al orden) . Se representa a un hombre, David, con toda la grandiosidad de un Dios, donde un tema religioso parece representar uno mitológico.
Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.
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1. INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS TÉCNICO.
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2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Siguiendo el relato bíblico, representa al joven pastor hebreo David, en el preciso momento en que ha lanzado con su honda la piedra contra el gigante filisteo Goliat. Se encuentra esperando el resultado de su acción, con la mirada fija sobre su objetivo, que finalmente será abatido. Esto le supondrá la entronización como primer rey del pueblo de Israel. Representa el triunfo de la inteligencia y la habilidad contra la fuerza bruta.
3. ANÁLISIS FORMAL.
La obra resulta descomunal por sus dimensiones, además de por la fuerza y rotundidad de la talla que inicia el estilo heroico propio de Miguel Ángel: La potente musculatura, la expresión firme y segura (terribilitá), el vigor resaltado por las manos enormes, desproporcionadas intencionadamente. Acumula además toda la belleza del desnudo clásico y la composición equilibrada que transmite el contraposto (una pierna semiflexionada).
4. CONCLUSIÓN
Podemos ver el David como el arquetipo del humanismo y de la belleza ideal renacentista, aunque a la maniera de Miguel Ángel (la tensión frente al equilibrio, la expresividad frente al idealismo, la inquietud frente al orden) . Se representa a un hombre, David, con toda la grandiosidad de un Dios, donde un tema religioso parece representar uno mitológico.
Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.
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EJEMPLO DE COMENTARIO YA HECHO DE UNA OBRA DE ARQUITECTURA, LA VILLA CAPRA O ROTONDA, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
1. INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS TÉCNICO
La Villa Capra (por el propietario) o La Rotonda (por la sala circular central), fue ejecutada entre 1551 y 1553. El autor, Andrea di Pietro (apodado Palladio en honor a la diosa de la sabiduría, Palas Atenea), fue el primer profesional dedicado exclusivamente a la arquitectura. Su tratado «Los cuatro libros de la arquitectura» fue aceptado como canon clásico de la arquitectura. La obra incorpora diversos materiales (piedra, ladrillo, estucado y mármol) y se encuadra en el Cinquechento (s. XVI) dentro del Renacimiento italiano. Se encuentra en las inmediaciones de Vicenza (Venecia).
Fuente: http://arte.observatorio.info
2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Las villas nacen de una una nueva interpretación de la arquitectura clásica (véase el Panteón de Roma). Se combinan dos elementos en apariencia contradictorios, como son el eje centralizado de la rotonda más la planta cuadrada, realzada además por la cúpula, con los cuatro amplios pórticos orientados a los cuatro puntos cardinales que crean ejes longitudinales.
Siguiendo los principios renacentistas, Palladio retomó el estilo arquitéctonico de los templos romanos y los aplicó en edificaciones civiles. La obra expresa la adaptación realizada de los palacios urbanos a las mansiones rurales, al estilo de las antiguas villas romanas.
3. ANÁLISIS FORMAL.
En el exterior, la Villa Capra presenta un perfil idéntico en las cuatro fachadas, a modo de templo romano. Cada una de ellas se articula a partir de unas pronunciadas escalinatas que conducen hacia un pórtico, próstilo (hilera de columnas sólo en la fachada anterior), de seis columnas (hexástilo) y de orden jónico, con su correspondiente entablamento y frontón triangular, rematado con una estatua en cada uno de sus vértices. En el centro del edificio se alza una cúpula que cubre la sala circular de la mansión.
Fuente: http://www.tumblr.com
La planta, forma de cruz griega, incorpora una gran sala circular que distribuye alrededor las habitaciones y salas que la rodean, con los dormitorios en los cuatro ángulos del edificio. En los sótanos se hallan la cocina y la administración. La sala central se cubre con una cúpula rematada por un óculo (abertura) y está decorada con pinturas al fresco de la época. La iluminación de la sala es insuficiente, pues aparte del óculo, la luz sólo penetra a través de cuatro corredores que convergen en ella.
3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN
Resulta claramente visible la herencia de los templos romanos en las cuatro fachadas porticadas, y del Panteón de Roma en la cúpula centralizada con su óculo central.
Esta disposición presenta una patente elegancia formal y una sencillez monumental, que la acerca tanto al concepto clásico de Antigüedad y que explica su enorme difusión posterior, sobre todo en la época Neoclásica (2ª mitad s. XVIII y s. XIX).
Fue el referente para el neopalladianismo inglés y tuvo una gran aceptación en las mansiones sureñas y en los edificios públicos de Estados Unidos durante el s. XIX.
Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.
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1. INTRODUCCIÓN Y ANÁLISIS TÉCNICO
La Villa Capra (por el propietario) o La Rotonda (por la sala circular central), fue ejecutada entre 1551 y 1553. El autor, Andrea di Pietro (apodado Palladio en honor a la diosa de la sabiduría, Palas Atenea), fue el primer profesional dedicado exclusivamente a la arquitectura. Su tratado «Los cuatro libros de la arquitectura» fue aceptado como canon clásico de la arquitectura. La obra incorpora diversos materiales (piedra, ladrillo, estucado y mármol) y se encuadra en el Cinquechento (s. XVI) dentro del Renacimiento italiano. Se encuentra en las inmediaciones de Vicenza (Venecia).
Fuente: http://arte.observatorio.info
2. ANÁLISIS TEMÁTICO
Las villas nacen de una una nueva interpretación de la arquitectura clásica (véase el Panteón de Roma). Se combinan dos elementos en apariencia contradictorios, como son el eje centralizado de la rotonda más la planta cuadrada, realzada además por la cúpula, con los cuatro amplios pórticos orientados a los cuatro puntos cardinales que crean ejes longitudinales.
Siguiendo los principios renacentistas, Palladio retomó el estilo arquitéctonico de los templos romanos y los aplicó en edificaciones civiles. La obra expresa la adaptación realizada de los palacios urbanos a las mansiones rurales, al estilo de las antiguas villas romanas.
3. ANÁLISIS FORMAL.
En el exterior, la Villa Capra presenta un perfil idéntico en las cuatro fachadas, a modo de templo romano. Cada una de ellas se articula a partir de unas pronunciadas escalinatas que conducen hacia un pórtico, próstilo (hilera de columnas sólo en la fachada anterior), de seis columnas (hexástilo) y de orden jónico, con su correspondiente entablamento y frontón triangular, rematado con una estatua en cada uno de sus vértices. En el centro del edificio se alza una cúpula que cubre la sala circular de la mansión.
Fuente: http://www.tumblr.com
La planta, forma de cruz griega, incorpora una gran sala circular que distribuye alrededor las habitaciones y salas que la rodean, con los dormitorios en los cuatro ángulos del edificio. En los sótanos se hallan la cocina y la administración. La sala central se cubre con una cúpula rematada por un óculo (abertura) y está decorada con pinturas al fresco de la época. La iluminación de la sala es insuficiente, pues aparte del óculo, la luz sólo penetra a través de cuatro corredores que convergen en ella.
3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN
Resulta claramente visible la herencia de los templos romanos en las cuatro fachadas porticadas, y del Panteón de Roma en la cúpula centralizada con su óculo central.
Esta disposición presenta una patente elegancia formal y una sencillez monumental, que la acerca tanto al concepto clásico de Antigüedad y que explica su enorme difusión posterior, sobre todo en la época Neoclásica (2ª mitad s. XVIII y s. XIX).
Fue el referente para el neopalladianismo inglés y tuvo una gran aceptación en las mansiones sureñas y en los edificios públicos de Estados Unidos durante el s. XIX.
Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.
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EJEMPLO DE CÓMO HACER EL COMENTARIO DE UNA PINTURA, EL NACIMIENTO DE VENUS, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
EL NACIMIENTO DE VENUS
1. INTRODUCCIÓN. ANÁLISIS TÉCNICO.
Pintura al temple sobre lienzo de grandes dimensiones ejecutada hacia 1485 por Sandro Boticelli, discípulo de Filippo Lippi. Pertenece al Quattrocento (s. XV) en los incicios del Renacimiento italiano. Actualmente en la Galería de los Uffizi (Florencia).
2. ANÁLISIS TEMÁTICO.
Con un fuerte sentido narrativo se representa el nacimiento de la diosa del amor, Venus (romana) o Afrodita (griega), que significa nacida de la espuma. En la mitología griega contramos dos versiones. Hesíodo relata como Cronos (padre de Zeus) se rebela contra su padre Urano y le arranca los genitales para arrojarlos después al océano; de la espuma surgida nace la diosa. Por otra parte, según Homero, Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y Dione, diosa de la Tierra.
Con un fuerte sentido narrativo se representa el nacimiento de la diosa del amor, Venus (romana) o Afrodita (griega), que significa nacida de la espuma. En la mitología griega contramos dos versiones. Hesíodo relata como Cronos (padre de Zeus) se rebela contra su padre Urano y le arranca los genitales para arrojarlos después al océano; de la espuma surgida nace la diosa. Por otra parte, según Homero, Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y Dione, diosa de la Tierra.
Sin embargo, lo que representa Botticelli, no es exactamente el nacimiento, sino la llegada de la diosa a las costas de Citerea después de haber nacido en el mar. Sobre una concha (que simboliza la fecundidad), es empujada por Céfiro (el viento del Oeste) y por Cloris (diosa de la brisa) hacia una playa donde es finalmente recibida por Flora (diosa de la vegetación y la Naturaleza) identificada con la primavera (la estación del amor) entre una lluvia de rosas (que simbolizan también el amor). Venus es la representación de la belleza ideal inalcanzable (aunque conocemos que la modelo es real, Simoneta Vespucci).
El tema mitológico tiene una segunda lectura religiosa: el cristiano nace a la verdadera religión a través de las aguas del bautismo
3. ANÁLISIS FORMAL.
En el centro de una composición triangular se dibuja a la diosa con una concepción anatómica que revela un alto grado de idealización tanto en las partes (cuello demasiado largo y hombros demasiado estrechos y caídos) como en su posición de equilibrio clásico en contrapposto (una pierna ligeramente flexionada). Los personajes laterales forman los lados del triángulo y dirigen sus acciones directamente a Venus, compensado el espacio escénico y dotándolo a su vez de un ritmo dinámico contrapuesto a la serenidad del personaje central. Toda la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria e ideal acorde con la belleza armónica de la diosa.
Prevalece la línea (el dibujo es muy marcado) sinuosa y sensual desentendiéndose del volumen y la perspectiva (las olas del mar son un mero esquema de pequeñas líneas todas iguales). La luz cenital, uniforme (sin claroscuros), limpia y cristalina acentúa la sensación de inmaterialidad, lo mismo que el color de tonos alegres.
3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN.
Estamos ante una obra clave del Renacimiento, junto a su compañera “La primavera”. En ellas, Boticelli, neoplatónico y por ello puro esteta de la belleza ideal, procede a la recuperación del desnudo clásico como imagen de belleza espiritual, un desnudo a su vez puro y recatado. Pero pronto su obra cayo en el olvido debido a las propuestas de Leonardo o Miguel Ángel, siendo redescubierto y muy valorado a partir del s. XIX.
Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.
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EJEMPLO DE CÓMO HACER EL COMENTARIO DE UNA PINTURA, EL NACIMIENTO DE VENUS, HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
EL NACIMIENTO DE VENUS
1. INTRODUCCIÓN. ANÁLISIS TÉCNICO.
Pintura al temple sobre lienzo de grandes dimensiones ejecutada hacia 1485 por Sandro Boticelli, discípulo de Filippo Lippi. Pertenece al Quattrocento (s. XV) en los incicios del Renacimiento italiano. Actualmente en la Galería de los Uffizi (Florencia).
2. ANÁLISIS TEMÁTICO.
Con un fuerte sentido narrativo se representa el nacimiento de la diosa del amor, Venus (romana) o Afrodita (griega), que significa nacida de la espuma. En la mitología griega contramos dos versiones. Hesíodo relata como Cronos (padre de Zeus) se rebela contra su padre Urano y le arranca los genitales para arrojarlos después al océano; de la espuma surgida nace la diosa. Por otra parte, según Homero, Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y Dione, diosa de la Tierra.
Con un fuerte sentido narrativo se representa el nacimiento de la diosa del amor, Venus (romana) o Afrodita (griega), que significa nacida de la espuma. En la mitología griega contramos dos versiones. Hesíodo relata como Cronos (padre de Zeus) se rebela contra su padre Urano y le arranca los genitales para arrojarlos después al océano; de la espuma surgida nace la diosa. Por otra parte, según Homero, Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y Dione, diosa de la Tierra.
Sin embargo, lo que representa Botticelli, no es exactamente el nacimiento, sino la llegada de la diosa a las costas de Citerea después de haber nacido en el mar. Sobre una concha (que simboliza la fecundidad), es empujada por Céfiro (el viento del Oeste) y por Cloris (diosa de la brisa) hacia una playa donde es finalmente recibida por Flora (diosa de la vegetación y la Naturaleza) identificada con la primavera (la estación del amor) entre una lluvia de rosas (que simbolizan también el amor). Venus es la representación de la belleza ideal inalcanzable (aunque conocemos que la modelo es real, Simoneta Vespucci).
El tema mitológico tiene una segunda lectura religiosa: el cristiano nace a la verdadera religión a través de las aguas del bautismo
3. ANÁLISIS FORMAL.
En el centro de una composición triangular se dibuja a la diosa con una concepción anatómica que revela un alto grado de idealización tanto en las partes (cuello demasiado largo y hombros demasiado estrechos y caídos) como en su posición de equilibrio clásico en contrapposto (una pierna ligeramente flexionada). Los personajes laterales forman los lados del triángulo y dirigen sus acciones directamente a Venus, compensado el espacio escénico y dotándolo a su vez de un ritmo dinámico contrapuesto a la serenidad del personaje central. Toda la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria e ideal acorde con la belleza armónica de la diosa.
Prevalece la línea (el dibujo es muy marcado) sinuosa y sensual desentendiéndose del volumen y la perspectiva (las olas del mar son un mero esquema de pequeñas líneas todas iguales). La luz cenital, uniforme (sin claroscuros), limpia y cristalina acentúa la sensación de inmaterialidad, lo mismo que el color de tonos alegres.
3. RELACIONES Y CONCLUSIÓN.
Estamos ante una obra clave del Renacimiento, junto a su compañera “La primavera”. En ellas, Boticelli, neoplatónico y por ello puro esteta de la belleza ideal, procede a la recuperación del desnudo clásico como imagen de belleza espiritual, un desnudo a su vez puro y recatado. Pero pronto su obra cayo en el olvido debido a las propuestas de Leonardo o Miguel Ángel, siendo redescubierto y muy valorado a partir del s. XIX.
Bibliografía:
VV.AA. (2006). Historia del Arte. Editorial Ecir: Valencia.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial Vicens Vives: Barcelona.
VV.AA. (2009). Historia del Arte. Editorial SM: Madrid.
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