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MIS FOTOS DE SALAMANCA. Viaje de enero del 2008. Pulse encima para agrandar.
| Plaza mayor. Estilo barroco, construida en los años centrales del siglo XVIII a partir del diseño de Alberto Churriguera | |||||||||
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Atardecer y noche:         . |
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En 1945, con veinte millones de muertos a la espalda y el mundo fracturado en bloques, la URSS necesitaba construir un faro nítido para el movimiento comunista internacional; se proyectó para ello un gran Palacio de los Sóviets y, a su alrededor, siete espectaculares torres. Cada vysotka sería diferente pero el conjunto -moles de ladrillo más anchas que altas, con caprichosas geometrías de aire retro y unas treinta plantas de altos techos- unificaría estilos arquitectónicos y mensajes políticos. La física y otras leyes vendidas al imperialismo impidieron a los arquitectos del PCUS levantar una silueta de Lenin de suficiente tamaño para que en su índice derecho cupiese el despacho del batono Iósif Stalin, pero sus siete atributos quedaron esparcidos en lugares estratégicos de la ciudad. Sesenta años después, Moscú es tan conocida por la Plaza Roja como por esta corona de espinas que alberga misterios y ministerios, el hotel Ukraína, la Universidad Lomonósov y algunos centenares de viviendas donde aún vegeta una heterogénea élite fruto del primer socialismo, superviviente de la Revolución, la guerra civil rusa y las dos guerras mundiales. La vysotka elegida como escenario para las peripecias de Kiril Smelchakov -crisol de las esencias revolucionarias, autor de los versos preferidos de Stalin y ejemplar combatiente-, Glika Novotkannaya -la novia canónica del socialismo, hija de una perfecta pareja soviética y heroína del deporte universitario- y sus coetáneos da una precisa idea de lo que fue el neogótico soviético desde el punto de vista constructivo pero también como laboratorio de la nueva sociedad sin clases. Uno de los mayores atractivos de este libro es que simultanea la descripción del urbanismo estaliniano (incluida la reordenación castrense de la capital) con la intimidad de individuos perfectamente reconocibles en los ídolos de la época (actores, tractoristas, cosmonautas).
Con una fluidez que la emparenta con las más audaces novelas de la modernidad, Vasili Aksiónov (1932-2009) se permitió trenzar aquí una «comedia de situación» única por su contexto objetivo (la acción transcurre inmediatamente antes de 1953, en pleno derrumbe del estalinismo, con héroes tan frágiles como su líder máximo) y por la dramática condición de los protagonistas, llevados siempre al límite en un paródico calco de las leyendas clásicas. En un juego intertextual que conecta a filólogos, militares y agentes secretos de manual con los auténticos Beria y Grádov de Una saga moscovita -la abrumadora novela con la que el legado aksionoviano irrumpió hace unos meses en el mercado en lengua española-, el autor subraya las conexiones con los poetas y narradores que hicieron de Rusia uno de los epicentros de la literatura universal. Mandelstam y Tsvietáeva están muy presentes por continuas alusiones explícitas y por la reivindicación de una memoria poética que las vanguardias rusas salvaron de la furia dictatorial. Mientras tanto, la Guerra Civil española consolidó definitivamente el mito popular de un territorio épico y exótico y España se convirtió en otro de los grandes argumentos del imaginario colectivo ruso; Aksiónov refleja este fenómeno que periodistas como Mijaíl Koltsov y Román Karmen, voluntarios como las hermanas Abramsón y millares de interbrigadistas amplificaron hasta el punto de que topónimos y frentes como Guadalajara, el Jarama o el Ebro quedaron para siempre en la fantasía popular.
El talento de Aksiónov, sin duda uno de los más importantes narradores del XX ruso, queda de manifiesto en la lucidez con que analiza las perturbaciones del discurso político y del lenguaje de los ciudadanos. No hace falta saber ruso -ya se encarga Luisa Borovsky de traducir los muchos matices de esta imprescindible novela- para imaginar la potencia de los subtextos y dobles sentidos en los diálogos entre los moscovitas del medio siglo. No por casualidad los más audaces lingüistas tuvieron, en la gestación de la Unión Soviética, uno de sus más fértiles campos de trabajo; la torre que utiliza Aksiónov, como La casa del malecón de Trífonov o la calle Arbat de Rybakov, sitúa al lector en un mirador privilegiado desde el que se ve Siberia, se añora París y se sueña con unas playas yugoslavas que la obscena praxis de los dirigentes se encargó de difuminar. Con toda probabilidad el humor -en su versión más libre y desprejuiciada- era el único filtro capaz de explicar lo inexplicable: el fracaso de la alianza paneslava que Tito le propuso a Stalin y que aquí queda al desnudo, para solaz del lector y para las antologías del despropósito estratégico a escala planetaria.
De los muchos niveles de lectura de Las cumbres de Moscú vale la pena destacar los que indagan en la cultura lúdica de los juegos de palabras -particularmente relevante en un estado que enterró el zarismo a golpe de acrónimo y acabó suicidándose en un fango de añoranza por la sintaxis decimonónica- y los que se adentran en la semántica de la disidencia. Cuando, después de años de exilio en Washington y en Biarritz, Aksiónov regresó a Moscú en 1995, constató que las biografías con las que había ido construyendo este poderoso rascacielos novelístico tal vez se habían despojado del patronímico pero habían convertido las cumbres de Stalin en protagonistas indiscutibles de la gran comedia urbana y humana.
Las cumbres de Moscú. Vasili Aksiónov. Traducción de Luisa Borovsky. La otra orilla. Barcelona, 2011, 350 páginas. 23 euros
Victor Andresco: Arquitecturas de la utopía, EL PAÍS / Babelia, 30 de julio de 2011
Con motivo de la celebración en Madrid de la Jornada Mundial de la Juventud, el Museo Nacional del Prado ofrece hasta el 18 de septiembre el itinerario especial, con versión presencial y online, La Palabra hecha imagen. Pinturas de Cristo en el Prado, basado en 13 obras maestras del Museo junto con El Descendimiento, ‘La obra invitada’ de Caravaggio.
Además de las visitas comentadas dedicadas en exclusiva a la obra de Caravaggio, el Prado invita al público a ver también, de una forma distinta, otras pinturas de temática religiosa de Rubens, El Greco, Velázquez, Zurbarán o del pintor anónimo castellano autor de los murales de Santa Cruz de Maderuelo, profundizando sobre su significado cristiano, al mismo tiempo que analizando las soluciones artísticas que los pintores han empleado a lo largo de los siglos para problemas iconográficos específicos en este tipo de obras.
Horario. De martes a viernes, a las 11.30 y a las 16.30 h (durante la semana de celebración de la Jornada Mundial de la Juventud –del martes 16 al domingo 21 de agosto– se ofertarán tres visitas diarias: a las 10.00, a las 12.00 y a las 16.30 h)
Consultar la información práctica para la visita o la realización del itinerario.
Pinturas de Cristo en el Prado, hoyesarte.com, 7 de agosto de 2011
MIS FOTOS DE SALAMANCA. Viaje de enero del 2008. Pulse encima para agrandar.
| Catedral vieja de Salamanca. Estilo románico, construida del siglo XII al XIV | |||||||||
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Hablar de Melvin Villarroel es hablar de Marbella, y de su arquitectura. El horizonte que perfila la costa marbellí pertenece en esencia a la contribución que Villarroel realizó en los casi 40 años de vida entregada al urbanismo. Su inspiración: el pueblo andaluz; su obsesión: encontrar en cada una de sus creaciones el equilibrio perfecto entre naturaleza y urbanismo.
Villarroel se caracterizó por ser un hombre discreto y desconocido, un apasionado de la música y del entorno. Un hombre muy querido en la tierra de la que se enamoró, y la misma que ahora le homenajea. El reconocimiento viene por partida doble. EL 28 de Julio se inaugurará la ‘Avenida Arquitecto Melvin Villarroel’ y se coronará con un busto del arquitecto en la rotonda principal, que ha realizado el escultor Victor Ochoa, un prestigioso artista seleccionado por la familia. Ochoa que ha estudiado el personaje y la obra para el trabajo encomendado afirma que «el encargo lo he aceptado por la fuerza y profundidad del personaje de Melvin Villarroel, así como el sentimiento de inmenso cariño hacia su persona que me han transmitido sus hijos. Un sentimiento que he intentado plasmar en la obra». El resultado: un peculiar busto de dos metros y medio de altura que «emergerá de la naturaleza». Afirma María Asenjo, responsable de comunicación de la celebración.
Aunque ésta llega tarde para Melvin, que falleció en octubre de 2010, a los 74 años, pero no para su esposa e hijos, ni para el pueblo marbellí. Una prueba de ello es que la idea surgió de uno de sus vecinos. Por aquel entonces, Melvin todavía vivía y por expreso deseo suyo se ha elegido la avenida que él propuso. «Es una avenida muy especial, separa el Hotel Puente Romano (su creación de mayor reconocimiento) y la urbanización Marina del Puente que desemboca en el mar, y que tiene mucha vegetación, algo que ha caracterizado su estilo como arquitecto» dice María.
Villlarroel se caracterizó por huir de la obstentación y optar por llenar de naturaleza cada nuevo espacio. «Su estilo: crear complejos turísticos, auténticos pueblos andaluces con las comodidades actuales» apunta María Asenjo. No hay que olvidar que Melvin era además de arquitecto, urbanista, «apostaba por diseñar a lo grande», crear grandes proyectos, la prueba de ello es que los hoteles y resorts que él diseñó gozan de plena vigencia en la actualidad: en la Costa del Sol, algunas como ‘Marina del Puente’, ‘Alcazaba Beach’, ‘La Alzambra’, ‘Mansion Club’, la remodelación del ‘Marbella Club’, ‘Marina del Este’ en la costa granadina, en Tenerife ‘El Jardín Tropical’ y El Gran Hotel Abama. Y todo este legado fue el mejor pasaporte para dar su salto al continente asiático donde realizó el ‘Fair Lakes’ un complejo ubicado en Shanghai.
Esta ‘Arquitectura del vacío’ que realizaba, se basaba en una constante, la de dotar a cada proyecto urbanístico del vacío que le pertenece. En nada se corresponde con la abrumadora masa gris paisajística que la Costa del Sol ofrece al visitante. Melvin amaba la naturaleza y este amor ha quedado patente en todos los proyectos que llevan su firma. No comulgó con la especulación inmobiliaria de los años de Gil, en los que como en muchas otras costas españolas, la naturaleza fue erosionada hasta ser absorbida por gigantes moles de cemento. Todo un horror para la vista.
«En su arquitectura ha conseguido crear espacios en el que la discreción es la protagonista. Es la propia naturaleza la que te otorga esa intimidad pero sin que la posibilidad de interacción con lo que te rodea se desvanezca» afirma María, y es que las formas vegetales son una constante que roba protagonismo a las edificaciones, destacando entre la riqueza natural pequeños detalles de su estilo arquitectónico como las chimeneas.
Para terminar de celebrar el trabajo del arquitecto también se está preparando la creación de la ‘Ruta Arquitectónica-Turística Melvin Villarroel’ en Marbella, todo un recorrido por cada uno de los complejos urbanísticos donde el arquitecto grabó parte de su esencia.
Irene Moreno Palmero | Madrid: Elogio de Marbella, EL MUNDO, 24 de julio de 2011
La herramienta google map permite personalizar mapas colocando marcadores de posición con imágenes y enlaces. En este vídeo explican como hacerlo. Para probarlo he creado el mapa inferior. Lo he convertido en un menú de la sección de este blog Mis mejores fotos (donde también lo he incrustado). De esta forma pinchando en los iconos de las ciudades se puede acceder a las diferentes páginas de fotos que he ido subiendo. Además se pueden editar mapas colectivamente, lo que permite el trabajo cooperativo. Bajo el mapa propongo una propuesta de actividad para realizar con los alumnos:
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Joaquín Torres-García no tuvo suerte en su segunda patria: Cataluña. El anhelado reconocimiento en vida lo tendría en la tierra que le vio nacer y morir: el Uruguay
Joaquín Torres-García no tuvo suerte en su segunda patria: Cataluña. El anhelado reconocimiento en vida lo tendría en la tierra que le vio nacer y morir: el Uruguay. Sin embargo, como artista se hizo y creció en la rica Barcelona de 1900, junto a Picasso, Nonell o Sunyer. Su primer idólatra fue Eugenio d’Ors hasta que se le giró en contra por rivalidades de liderazgo en el movimiento noucentista. Del modernismo Torres-García pasó pronto al neoclasicismo, a la destilación de lo real para convertirlo en símbolo, ejercicio que le sería de gran utilidad para acceder con el paso de los años -y gracias al avance de las vanguardias y de su contacto con Rafael Barradas-, de lo simbólico a lo abstracto y mantenerse, a la vez, entre un campo y el otro durante toda su vida. La realidad sólo le interesó para poder sublimarla y convertirla en algo que aspiraba a ser eterno.
Torres-García en sus encrucijadas recorre toda la trayectoria del pintor a partir de papeles, cuadernos y algunas maderas, en buena parte inéditos, con una cuidada selección realizada por Tomàs Llorens, que busca la esencia del artista en sus diversas manifestaciones estilísticas. Entre otras obras, sobresale un maravilloso cuaderno de Nueva York de 1921, con 94 dibujos que se pueden reproducir en un monitor, del que sólo se publican dos en el catálogo. Se trata de notas tomadas directamente de la calle, vistas panorámicas, publicidad, escaparates, accidentes de tráfico…, realizadas con una asombrosa capacidad de observación y a la vez de síntesis que dicen mucho más del gran pintor que fue Torres-García que algunas de sus recetas mesiánicas, también expuestas, para conseguir el cuadro perfecto e imperecedero. Junto a todo ello, exquisitos bocetos neoplásticos, composiciones constructivas, siluetas recortadas, encantadores abecedarios de símbolos y objetos cotidianos, y la obligada evocación de la Cataluña griega y pagana que tanto escandalizaría a los detractores puritanos del pintor y que desencadenó su injusto declive catalán a partir de 1917.
La exposición funciona como un buen complemento de la sala monográfica dedicada al artista en el MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya), abierta no hace mucho con carácter temporal, pues el museo apenas tiene obras de Torres-García, a partir del fondo privado de Claudio, Alejandra y Aurelio Torres. Seguramente el actual evento responde a una contrapartida a los prestadores, que se ocupan con un celo casi asfixiante de la obra del patriarca. Quizás por ello Torres-García en sus encrucijadas, presentada en la Sala 2 del MNAC, contenga obras exclusivamente suyas, gestionadas por la galería suiza Jan Krugier, salvo cuatro excepciones: una de la Fundació Miró, otra de la Generalitat de Cataluña, otra de la Colección Carmen Thyssen -nobleza obliga- y una cuarta del IVAM. Pero más allá de los intereses de lobbies familiares, el resultado de la exposición es magnífico. La excelente revisión del uruguayo-catalán demuestra que la sala 2 del museo sirve a la perfección para retrospectivas y revisiones como la de ahora, concisas y cristalinas, y es una pena que permanezca tantas veces cerrada.
La excavación arqueológica que se practicará en la Capilla Real de la Catedral coincidiendo con las obras de renovación de la solería, proyecto que arranca el próximo día 8, podría poner al descubierto los restos del ábside de la primitiva iglesia gótica del siglo XV, que fue derribado en tiempos del emperador Carlos I para construir este nuevo y espectacular recinto. Con esa certera esperanza arrancarán su trabajos los 10 alumnos del módulo de arqueología de la séptima escuela taller de la Catedral, a los que acompañarán en esta aventura formativa otros diez jóvenes especializados en el módulo de mármol y piedra.
Se trata de la primera vez que se realizan excavaciones en la Capilla Real, como corrobora la arqueóloga y monitora del taller de auxiliar de arqueología, Georgina Aguilar, de ahí que además toparse con más de un enterramiento -fue el rey Fernando III el que habilitó esta zona para que sirviera como panteón de la realeza- en la Catedral confían en «que pueda estar ahí abajo el ábside gótico del siglo XV».
Dirigidos por Georgina Aguilar, los alumnos de la escuela taller realizarán cinco catas -la mayor de ellas de 5×3 metros y la más pequeña de 4×2 metros- en localizaciones diferentes de la Capilla Real con la intención de dar con los restos del ábside poligonal gótico derribado en su día. «Lo que hoy es la Capilla Real se asienta en parte sobre la antigua mezquita y parte también sobre lo que en la Edad Media se llamó Corral de los Olmos (lugar de reunión del concejo o cabildo secular de Sevilla) y es en la intersección de ambos espacios donde esperamos localizar el ábside de la primitiva iglesia gótica», apostilla la arqueóloga que dirigirá la excavación. Un descubrimiento que «constituirá un paso más en el conocimiento histórico y arqueológico del subsuelo de la Catedral«.
Previamente a la prospección arqueológica, será necesario levantar todo el suelo de la Capilla Real, labor para la que se contará con el apoyo de la empresa Joaquín Pérez Díez S.L., encargada habitualmente de las obras de mantenimiento de la seo hispalense.
Además de la sustitución de la solería, el proyecto incluye también la reposición de la escalinata que da acceso al altar de la Patrona de Sevilla, la Virgen de los Reyes. La solería de este recinto se encuentra en un estado tan precario que será repuesta en su totalidad con piezas nuevas, a excepción del rosetón central, que será restaurado.
La intervención comprende además el desmontaje de la barandilla dorada para analizar su estado de conservación, la restauración de zócalos y basamentos, amén de la modernización de canalizaciones y de la instalación eléctrica.
El presupuesto de la obra es de 300.000 euros, a los que hay que sumar el trabajo de estos jóvenes, todos menores de 25 años, a través de la escuela taller de Forja XXI que financia la Consejería de Empleo, con una inversión pública de más de 572.000 euros.
Miguel Ángel Buonarotti frecuentaba establecimientos donde, tanto hombres como mujeres, practicaban la prostitución. En esos locales encontró su inspiración entre los clientes habituales, peones y cargadores fundamentalmente. Es por eso que «los cuerpos masculinos, muy viriles, que componen el Juicio Final corresponden con la apariencia de peones y cargadores retratados durante el trabajo, con los músculos tensados y con el cansancio y el esfuerzo reflejados en sus rostros». Así lo afirma Elena Lazzarini, historiadora del arte y profesora de la Universidad de Pisa en su último libro Desnudo, arte y decoro. Variaciones estéticas en los tratados del arte del Cinquecento [sin traducción al castellano], en el que analiza casos en los que el desnudo ha tenido importancia capital en el arte.Estos burdeles, las stufa, eran originalmente locales similares a los baños turcos, donde, además, se realizaban tratamientos menores de belleza y cirugía menor. Progresivamente estas instituciones se convirtieron en lugares donde el comercio del sexo era costumbre habitual y en los que los pintores de la época buscaban modelos que les inspiraran, además de la satisfacción de sus instintos más bajos.
La influencia directa de las escenas observadas por un Miguel Ángel cuya sexualidad parece más cercana a la condenada por la jerarquía de la Iglesia, también se muestran de manera explícita en varios puntos de la obra cumbre del pintor italiano. Lazzarini destaca que la inspiración buscada por el maestro de Caprese destilaba una obscenidad que se plasma en dos escenas fundamentales del fresco de El Juicio Final: «Un condenado es conducido al infierno agarrado por los testículos y entre los beatos se producen besos y abrazos ambiguos, claramente de naturaleza homosexual«. Lazzarini también destaca que este tipo de actitud, buscar inspiración en los stufa, era bastante habitual entre otros creadores como Ángelo di Cósimo Bronzino o Leonardo da Vinci, tal y como demostró el historiador del arte Giorgio Vasari.
El erotismo miguelangelesco ya tuvo que afrontar las críticas y condenas de la iglesia más pacata y persecutoria, la que se erigió como dominante tras el Concilio de Trento celebrado entre 1545 y 1563. Tras la reunión de los jerarcas del clero, la amenaza de destrucción sobre la Capilla Sixtina se cernía como una amenaza seria, y Pío V, para aplacar las iras del sector más extremo, obligó a Daniele da Volterra a pintar una sutil vestimenta sobre los genitales de las figuras que aparecían totalmente desnudas. Da Volterra quedó retratado delante de sus colegas de profesión quienes, con cierta sorna, le otorgaron el epíteto de Il Braghettone.
Esta actitud de censura moral y artística sobre autores de escenas religiosas se mantuvo durante todo el siglo XVI. Caravaggio, el gran maestro tenebrista, tuvo que enfrentarse a las condenas de la Iglesia por sus actitudes e inquietudes artísticas que le llevaron a desarrollar una tendencia pictórica nueva, lo que le granjeó el aislamiento por parte de una institución que era la principal patrocinadora del arte.
Gonzalo Domínguez: Los burdeles inspiraron la Capilla Sixtina, Público, 5 de agosto de 2011
Los directores y responsables de las principales instituciones de arte estadounidenses están seriamente preocupados por una decisión política tomada por el gobierno ruso que impedirá casi con toda seguridad la realización de varias exposiciones –ya previstas– de pinturas de maestros, entre ellas una correspondiente a Cézanne. La discusión, que se inició con un tema relacionado con documentos religiosos de judíos ortodoxos, ha llegado a convertirse en una verdadera batalla diplomática entre Estados Unidos y Rusia, cuya administración exige una serie de medidas de protección legal sobre las obras maestras de arte de museos rusos que sean prestadas a instituciones extranjeras.
De hecho, varias obras que ya contaban con el acuerdo para ser prestadas a importantes instituciones por parte de museos como el Pushkin de Moscú o el Ermitage de San Petersburgo permanecerán en Rusia a menos que el gobierno de Estados Unidos ofrezca garantías de que no serán confiscadas por ningún tribunal de justicia.
Todo comienza con unos documentos religiosos judíos
La disputa política surgió a raíz de que un tribunal norteamericano dictaminara que Rusia debe entregar una biblioteca de documentos religiosos judíos a una organización religiosa con sede en EE UU. La discusión se centra en una colección de 12.000 libros y 50.000 documentos que fueron reunidos más de 200 años antes de la Segunda Guerra Mundial por el movimiento “Chabad-Lubavitch”, compuesto por judíos pertenecientes a la rama ortodoxa Hasidic.
Ante este requerimiento, las autoridades rusas alegan que dicho tribunal no tiene ninguna jurisdicción sobre su país, pero sin embargo están preocupadas por la posibilidad de que algún otro tribunal de EE.UU. tomara las obras de arte prestadas a museos americanos como garantía de devolución de los documentos judíos.
Marshall Grossman, abogado del movimiento Chabad, ha declarado que “los documentos no son de ningún interés para Rusia pero sí de una importancia extrema para los seguidores Chabad, porque en ellos se detallan sus leyes y costumbres establecidas a lo largo de muchos años”.
Grossman comentó también al diario estadounidense The New York Times que el grupo intentaría un dictamen legal para conseguir la recuperación de los documentos, lo que sin duda ha contribuido a la preocupación de los rusos por la posibilidad de que sean confiscadas las obras de arte prestadas.
Llueve sobre mojado
Pero la cautela de Rusia es comprensible. Ya en 2005 fueron confiscadas 54 obras durante la celebración de una exposición en Suiza a solicitud de una empresa de logística de este país que denunció que el gobierno ruso le debía millones de libras en deudas impagadas. Las pinturas retenidas incluían obras de Monet, Renoir, Gauguin y Picasso y los camiones que debían transportarlas de vuelta a Moscú.
Aunque las obras fueron devueltas un día más tarde por orden del gobierno suizo, el incidente marcó, a partir de ese momento, una mayor prevención en la política rusa sobre cesión de obras de arte. «Después de este caso, el gobierno ruso se volvió muy sensible sobre cualquier posibilidad de reclamación que sea resultado de disputas de terceros», aseguraba John Varoli, consultor de arte con base en San Petersburgo, quien añadía «sólo enviarán obras de arte cuando de verdad tengan una garantía férrea por parte del gobierno anfitrión».
Los estadounidenses argumentan que ya existe un estatuto que garantiza la inmunidad para cualquier material gráfico que haya sido prestado por países extranjeros, indicando que, por poner tan solo un ejemplo, el Metropolitan Museum of Art lleva desde 1990 recibiendo obras rusas en préstamo para la realización de más de cuarenta exposiciones y todas ellas han sido devueltas con la más absoluta seguridad. Pero los rusos insisten en que esto no es suficiente y quieren una garantía más explícita.
Magin de Cos, Batalla diplomática entre Rusia y EE.UU. por la cesión de obras, hoyesarte.com, 4 de febrero de 2011
