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El Vermeer menos conocido, en la Galería Nacional de Escocia

El Vermeer menos conocido, en la Galería Nacional de Escocia

"Cristo en casa de Marta y María", una de las tres obras tempranas del pintor holandés Johannes VermeerTres obras tempranas del pintor holandés Johannes Vermeer (1632-1675), procedentes de distintos museos, se exhibirán del 8 de diciembre al 12 de marzo en la Galería Nacional de Escocia, en Edimburgo. Vermeer es famoso en la historia del arte por sus meticulosas escenas interiores, que transpiran tranquilidad y silencio y nos remiten a un tiempo en que no parecía existir el estrés.Pero es al mismo tiempo una de las figuras más misteriosas de la historia del arte europeo, ya que se ignora casi todo de sus comienzos artísticos.

Johannes Vermeer era hijo de un posadero y comerciante de arte de la ciudad de Delft, pero no se sabe a ciencia cierta con quién estudió, aunque está claro que estaba muy familiarizado con las últimas tendencias de la pintura flamenca y holandesa. Es además uno de los pintores menos prolíficos de la historia y sólo sobreviven 36 obras debidas a sus pinceles. Casi todas ellas son de interiores con una o dos figuras, sobre todo femeninas, dedicadas a tareas cotidianas: escribiendo o leyendo una carta, vertiendo leche de un jarro a otra vasija o haciendo labores de encaje. A ello hay que añadir un par de paisajes urbanos y algún retrato de carácter como el famoso de La Muchacha de la Perla, que inspiró a la escritora Tracy Chevalier una novela sobre las supuestas relaciones del artista con una joven criada que entró a servir a su casa y se convirtió en su musa. Pero Vermeer empezó su carrera con obras de muy distinto carácter, que son las que han viajado ahora a la capital escocesa tras haber estado expuestas en el museo de Mauritshuis, de La Haya. Son obras muy distintas tanto por la temática -bíblica y mitológica en dos casos- como por sus proporciones: la mayor, la titulada «Cristo en casa de Marta y María» mide 160 por 142 centímetros y dobla en tamaño a otras posteriores.

El joven Vermeer se inspiró en maestros holandeses, flamencos e italianos mientras buscaba el estilo individual por el que hoy se le conoce y que ha fascinado a distintas generaciones. Pese a cierta torpeza en la resolución de algunas de las figuras, se vislumbra ya en ellas un gran interés por la composición, un profundo sentido de la luz y una serenidad que anticipa sus obras de madurez. La más temprana (1653-54) es de tema mitológico – «Diana en sus Ninfas» (97,8 por 104,6 centímetros)-, y en ella se aprecia claramente que el artista no había recibido formación en el dibujo anatómico, y se comprende que los desnudos nunca le interesasen como disciplina. «Cristo en casa de Marta y María» se distingue por el equilibrio de la composición; las tres figuras están interrelacionadas por gestos y miradas, y, pese a su carácter religioso, hay en ella mucho de ese ambiente cotidiano que se respira en sus cuadros más famosos. Se sabe que Vermeer, de origen protestante, se convirtió al catolicismo poco antes de su matrimonio en 1613 y el cuadro pudo ser algún encargo de una iglesia, o tal vez lo pintase para la devoción privada de su suegra, que era católica como su joven esposa. El último de esos tres cuadros es el titulado «La Celestina», una escena de burdel datada en 1656, que constituye un hito fundamental en su carrera, ya que marca su transición a la llamada «pintura de género», además de reflejar en el hábil juego de luces y sombras la influencia de los llamados «caravaggistas» de Utrecht, como Dirck van Baburen o Hendrick ter Brugghen.

Sus obras siguientes, como «Muchacha dormida» (1656/57), con un solo personaje, reducen la anécdota al mínimo, y, como en el caso de «Muchacha leyendo una carta» (1657), contiene ya muchos de los elementos con los que asociamos hoy al gran artista holandés.

EFE/Joaquín Rábago, Londres: El Vermeer menos conocido, en la Galería Nacional de Escocia,
La Vanguardia, 7 de diciembre de 2010

Leer es una manera de vivir

Leer es una manera de vivir

Aprendí a leer a los cinco años… Es la cosa más importante que me ha pasado en la vida. Mario Vargas Llosa.

Pocas veces en la vida puede una presumir de compartir ideas con un Nobel de literatura. A Vargas Llosa, la cosa más importante que le ha pasado en la vida es la misma que […]

El arte sonoro de Susan Philipsz gana el Turner

El arte sonoro de Susan Philipsz gana el Turner

Susan Philipsz, en el momento de recibir el anuncio de su premio en Londres.- GETTYLa escocesa Susan Philipsz y sus audaces instalaciones sonoras se hicieron anoche con el Premio Turner de arte contemporáneo, desbancando a la española Ángela de la Cruz, que partía como una de las favoritas. El jurado del galardón -auspiciado por la Tate Britain- acabó decantándose por los montajes auditivos de Philipsz, que ha recurrido en sus propuestas a canales tan inusuales como los altavoces de una cadena de supermercados.

El fallo del Turner dio la razón a los pronósticos de las casas de apuestas británicas, que en los últimos días se habían decantado por la artista nacida en Glasgow, frente a las preferencias de un sólido sector de la crítica hacia las pinturas deconstruidas de Ángela de la Cruz. La artista gallega (A Coruña, 1965) ha marcado, en cualquier caso, un hito al convertirse en la primera española finalista del Turner en sus 26 años de singladura, una posición que afianza su nombre en los círculos internacionales y augura un tirón de sus obras en el mercado del arte. Sus pinturas escultóricas o esculturas pictóricas (ella no se define porque «ambos lenguajes se complementan») serán objeto de su primera exposición individual en España, el próximo 21 de enero, en la galería madrileña Helga de Alvear.

Susan Philipsz, de 44 años, atrajo la atención del panel seleccionador del Turner con la instalación audiovisual Espejos, que en su día exhibió el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo. Artista rechazada en su día por la Escuela de Arte de su Glasgow natal, muchos británicos la recuerdan entonando a capella a través de la megafonía de un supermercado o interpretando sus propias versiones de temas de Radiohead, Marianne Faithfull, Nirvana y Velvet Underground frente a la parada de un autobús. Sus propuestas, según el jurado del Turner, reflejan «una tensión entre el sentimiento de las canciones y esos entornos descuidados».


La escocesa era la favorita de la propia De la Cruz entre sus rivales para obtener el premio de 25.000 libras. La crítica más conservadora esperaba, sin embargo, que esta edición confirmara un regreso a la pintura, en una ruptura con el habitual predominio de apuestas más radicales del arte conceptual. El inglés Dexter Dalwood, veterano artista que se inspira en acontecimientos culturales y políticos contemporáneos, era el candidato de este sector, pero anoche perdió su última oportunidad de hacerse con el galardón porque cuenta ya con 49 años. El Turner se concede anualmente a un artista menor de 50 años que, independientemente de su nacionalidad, haya exhibido sus trabajos en el Reino Unido en los últimos doce meses. En ninguna de las quinielas aparecían los cuartos contendientes, Otolith Ángela de la Cruz, en su estudio británico.- IONE SAIZARGroup, uno de los más destacados movimientos audiovisuales de vanguardia de Londres.

La candidatura de Ángela de la Cruz, residente en Londres desde hace 23 años, se ha traducido en una importante proyección publicitaria de su obra poderosa e inclasificable, de lienzos que se doblan y metamorfosean para, por ejemplo, acabar colgados de un clavo como si se tratara de un abrigo. Obligada a comenzar de cero después de que un derrame cerebral le dejara postrada en una silla de ruedas en 2005, su regreso con una exposición retrospectiva la pasada primavera (After) se vio premiada con la nominación al Turner. Ya de por sí, todo un triunfo.

El triunfo de la estudiante rechazada

Atractiva pelirroja dotada de una bonita voz, Susan Philipsz concibe sus experimentos auditivos para explorar cómo el sonido define el espacio arquitectónico. Uno de sus trabajos más recientes y afamados le condujo a grabar simultáneamente tres versiones de una preciosa balada escocesa del siglo XVI, el lamento Lowlands Away. Ella misma entonó las canciones bajo los puentes del río Clyde, en Glasgow. El resultado pudo apreciarse a través de tres canales de sonido en el último Festival Internacional de Glasgow, en el que emergió como gran estrella. Es la misma ciudad donde hace 21 años se le denegó a Philipsz la matrícula como estudiante de arte, lo que forzó su traslado primero a Dundee (en Escocia) y más tarde a Belfast, para acabar instalándose definitivamente en Berlín.

Patricia Tubella, Londres: El arte sonoro de Susan Philipsz gana el Turner, EL PAÍS, 7 de diciembre de 2010
Cierra el Chillida-Leku

Cierra el Chillida-Leku

La dirección del Museo Chillida-Leku de Hernani (Guipúzcoa) ha presentado un expediente de regulación de empleo (ERE) que afectará a los 23 empleados que actualmente trabajan en el centro y ha decidido cerrar sus puertas a partir del próximo 1 de enero, ha comunicado hoy la familia del escultor guipuzcoano Eduardo Chillida (1924-2002) en un comunicado. El cierre está motivado por la «situación de déficit recurrente» que padece este museo, al igual que la práctica totalidad de museos de obra artística, «que se ha visto agravada por la crisis económica general, disparando las cifras deficitarias a niveles insostenibles desde la perspectiva de una iniciativa privada».
Chillida-Leku, que este año ha cumplido su décimo aniversario, ha avanzado que la dirección del museo sigue «abierta a un acuerdo que respete las condiciones que considera imprescindibles para asegurar la continuidad» del proyecto «tal y como lo definieron Eduardo Chillida y Pilar Belzunce». Se seguirán llevando a cabo todas aquellas actividades paralelas que se desempeñan con independencia del cierre al público, como son la conservación del patrimonio artístico o la realización de exposiciones nacionales o internacionales, entre otras. Chillida-Leku es el primer museo de arte de Guipúzcoa en número de visitantes (810.000 desde su apertura) y figura entre los cuatro primeros del País Vasco.

Chillida-Leku es la consecución de un sueño durante años anhelado por el autor: Crear un espacio a la medida de su obra donde esta pudiera ser permanentemente expuesta. Este museo monográfico es fiel muestra de su evolución y trayectoria escultórica durante 50 años. Este museo es un espacio escultórico en sí mismo, una obra más del autor donde se plasma de modo perfecto su visión de la forma, el espacio y el tiempo acumulado. Las preguntas de Chillida se convierten en respuestas en el recorrido del visitante.


El recinto consta de tres áreas definidas. El jardín de 12 hectáreas dominado por hayas, robles y magnolios en el que se encuentran más de 40 esculturas. La zona de servicios, dotada de un auditorio donde poder ver imágenes del artista en su trabajo, una zona de descanso y una tienda. Y, por último, como pieza central del museo, el caserío Zabalaga que alberga las obras de menor formato realizadas en acero corten, alabastro, granito, terracota, yeso, madera o papel.

En 1983, Eduardo Chillida y su mujer Pilar Belzunce visitan por primera vez la finca de Zabalaga sorprendidos desde el primer momento por la magnitud del caserío de 1543 que da nombre a la finca. En 1984, los Chillida-Belzunce compran una parte de la finca que incluía el caserío en ruinas. Se trataba de un lugar ideal para albergar sus esculturas durante el proceso último de oxidación del material. Una vez terminado este proceso, las obras salían desde aquí para ser exhibidas y vendidas por el mundo. Chillida va restaurando el caserío con el arquitecto Joaquín Montero y, mientras tanto, Chillida-Leku se va convirtiendo en un conjunto escultórico, por lo que el escultor pierde el deseo de vender las obras y comienza a coleccionarlas en el lugar. Así se va fraguando la idea de hacer un museo, por lo que continúan adquiriendo terreno progresivamente hasta conformar sus 12 hectáreas actuales. Gracias a que la financiación de este proyecto salió exclusivamente del patrimonio familiar, Chillida pudo afrontar el trabajo libremente y mostrarlo tal como él lo creó. Todas las esculturas del jardín pueden ser tocadas; no así las que están en el interior del museo.


Cierra el Chillida-Leku, hoyearte.com, 1 de diciembre de 2010
LA BOTTINE SOURIANTE

LA BOTTINE SOURIANTE

FUSIÓN CELTA DESDE CANADÁ

Este grupo tiene desde su origen una denominación ciertamente singular: La bottine souriante: la bota sonriente. Además, como se verá, este nombre no es fruto de la simple casualidad. Comencemos por señalar que nos encontramos ante una banda bastante peculiar. Su trayectoria arranca nada menos que en 1976. Los músicos que entonces componían el grupo se decantaron por hacer un tipo de música que rescataba tonadas procedentes de los ritmos celtas con aportaciones  propias del Canadá francés, de donde procedían. El francés era también la lengua que habitualmente empleaban en sus canciones.
Desde entonces hasta hoy, La bottine ha experimentado una lógica evolución: muchos de sus miembros han cambiado (en la actualidad componen la banda diez músicos) y el grupo se ha abierto a nuevos aires musicales, de manera que en sus canciones podemos hallar mezclados sin dificultad ritmos celtas, melodías propias del folclore canadiense quebequés, diversos tipos de jazz, aportaciones de la música tradicional francesa e incluso tonadas de origen medieval. Con todo ello, no es difícil definir a La bottine como una banda completamente de  fusión. Por otra parte, y como podréis ver al final del vídeo, este grupo canadiense cultiva también, con mucho acierto, la podorritmia o arte de la percusión con los pies. Una técnica poco habitual y ciertamente muy interesante que podemos asociar con esa bota que da nombre al colectivo.
Aunque La bottine souriante sigue dando conciertos en la actualidad, desconozco las razones que pudieran explicar porqué el grupo no saca a la luz ningún nuevo disco desde el año 2003. Tampoco importa demasiado, porque más de una docena de ellos avala el conjunto de su trayectoria, de la que podréis obtener más informaciones (en francés e inglés) en la Web oficial de la banda.

LA BOTTINE SOURIANTE

LA BOTTINE SOURIANTE

FUSIÓN CELTA DESDE CANADÁ

Este grupo tiene desde su origen una denominación ciertamente singular: La bottine souriante: la bota sonriente. Además, como se verá, este nombre no es fruto de la simple casualidad. Comencemos por señalar que nos enco…

LA BOTTINE SOURIANTE

LA BOTTINE SOURIANTE

FUSIÓN CELTA DESDE CANADÁ

Este grupo tiene desde su origen una denominación ciertamente singular: La bottine souriante: la bota sonriente. Además, como se verá, este nombre no es fruto de la simple casualidad. Comencemos por señalar que nos enco…

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LA BOTTINE SOURIANTE

FUSIÓN CELTA DESDE CANADÁ

Este grupo tiene desde su origen una denominación ciertamente singular: La bottine souriante: la bota sonriente. Además, como se verá, este nombre no es fruto de la simple casualidad. Comencemos por señalar que nos enco…

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