Enseñar y aprender Geografía e Historia
Ayer mismo, en plena plaza de Callao, me encontré con una curiosa escena: pequeños agricultores repartían gratuitamente sus productos ante una larguísima cola. Era una protesta (una más) en esta España convulsa (a menudo para bien) que nos estaba poniendo ante uno de los graves problemas del sistema, a menudo poco hablado. Me estoy refiriendo […]
La serie de pinturas del pintor toscano Vicente Carducho (1576-1638) muestra la vida de san Bruno, fundador de la orden de los cartujos, desde que abandona la vida pública hasta que es santificado. Parece que su periplo vital es una especie de epopeya que transita constantemente desde el mundocelestial hasta el inframundo. Casi lo contrario que experimenta aquel que se acerque a este monasteriode la sierra madrileña: situado a 80 kilómetros de la ciudad, el Monasterio de El Paular, en Rascafría, resplandece en medio de un paraje serrano de abundante vegetación.
El Prado, al rescate de la pintura barroca: un deslumbrante tesoro del siglo XVII, formado por 52 cuadros del toscano Vicente Carducho que permanecían dispersos durante más de siglo y medio, acaba de ser restaurado por los expertos del museo y reunido en su lugar de origen: el antiguo monasterio cartujo de El Paular, situado a 80 kilómetros al noroeste de Madrid.
Cada una de las piezas mide 3,45 metros de base por 3,15 de altura, y todas ellas van rematadas por arcos de medio punto. Las pinturas de Carducho representan escenas de vida y muerte de los monjes cartujos fundadores. Fueron pintados entre 1626 y 1632 por el artista florentino. Desde ayer, la serie completa cuelga de los muros del claustro mayor del monasterio madrileño, regentado hoy por monjes benedictinos.
Del cenobio, fundado en 1398 y enclavado a los pies de Peñalara, partieron en 1834 los cuadros en renqueantes carromatos tirados por babeantes bueyes acechados por la nieve, los lobos y los torrentes. Las pinturas recalaron en el palacio de la Trinidad, en el centro de Madrid. Al poco, la colección se disgregó. Algunos cuadros fueron a dar a lugares tan dispares como Córdoba, Tortosa o A Coruña. Sin embargo, y gracias a la tenacidad de funcionarios, restauradores, empleados de museos, religiosos y algún político con sentido de Estado, 52 de las 56 obras han llegado hasta nuestros días con sus cualidades pictóricas en buenas condiciones. Del lote primigenio pintado por Carducho se perdieron cuatro obras, dos de ellas de gran formato, durante las guerras civiles; otras dos, menores y con forma de escudetes, que jalonaban la entrada del claustro mayor, han visto su coloración malograda por completo. El grueso de la colección, no obstante, se ha salvado después de una trabajosa recuperación que ha durado seis años, bajo la dirección de Leticia Ruiz, restauradora del Museo del Prado. La actuación atrajo copiosas energías de la mayor parte de los departamentos del Prado, desde la Brigada de Obras hasta la Dirección de Depósitos. El esfuerzo fue posible gracias a una jugosa compensación pecuniaria brindada en el año 2000 al museo por una exposición de arte español, The majesty of Spain, exhibida en la ciudad estadounidense de Jacksonville. Ahora, el esfuerzo culmina en la víspera de su inauguración por la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde. El edificio fue rehabilitado por el arquitecto Eduardo Barceló. La reciente presencia en El Paular de cuatro obispos, otro más ayer, permite especular con una eventual visita papal.
Vicente Carducho, apellido que algunos asocian a la orden cartuja y cuyo prior Juan de Baeza le encomendaría pintar la serie, llegó a España con siete años junto a su hermano Bartolomeo. Este formaba parte del elenco de italianos contratados por Felipe II para decorar el monasterio de El Escorial. Vicente casó en España y pronto descollaría como artista total y pintor del rey Felipe III gracias a la formación recibida en San Lorenzo. Con el tiempo se convertiría en uno de los principales tratadistas del arte pictórico por su obra Diálogos de la pintura, parangonable con las de Francisco Pacheco, coetáneo suyo, o la de fray Lorenzo de San Nicolás, inventor de la bóveda encamonada.
Los lienzos repuestos en El Paular representan escenas sacras de la orden cartuja, una comunidad sumida en el silencio y la oración desde sus albores altomedievales, en el corazón de Francia. Expandida luego por Europa, enraizó en España. De los 27 cenobios que aquí tuvo, hoy conserva cuatro en Zaragoza, Burgos, Barcelona y El Paular.
Rafael Fraguas, Rascafría: El Paular recobra su tesoro, EL PAÍS / Tentaciones, 27 de julio de 2011
Na páxina YTTM pódense ver algúns vídeos de Youtube clasificados por anos. Mediante unha liña do tempo seleccionamos un ano entre 1860 e 2011 e o programa móstranos vídeos sobre acontecementos ocurridos ese ano. Tamén se poden filtrar por tema:…
MIS FOTOS DE AMSTERDAM. Viaje de septiembre del 2007. Pulse encima para agrandar.
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Molino de Gooyer:
 Calles y canales de Amsterdam:  
Velero copia del Batavia en el puerto de Amsterdam frente al Museo de ciencia Nemo:     Campanario de Munttoren:  Estatua de Anna Frank:  Museo de Rembrandt:  . |
Calles y canales de Amsterdam:  
El barrio rojo:  
    Ayuntamiento:  . |
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Teotihuacan es uno de los lugares más visitados por los turistas que acuden a México. Su cercanía a la capital, está situada a 45 kilómetros, lo hace posible y muy recomendable. Sin embargo, son muchas las incógnitas que perviven en este grandioso complejo arquitectónico y arqueológico que en sus días de esplendor, allá por el siglo IV d. C., llegó a tener una extensión de 22 kilómetros cuadrados —divididos por la Calzada de Los Muertos, y donde se levantan la Pirámide del Sol y de la Luna—, y congregó a más de cien mil habitantes. Sin embargo, poco se sabe de cómo fueron sus orígenes, en el siglo I a. C., y escasa es la información que desvele por qué esta gran metrópoli multiétnica, una de las mayores ciudades de Mesoamérica y punto de encuentro de comerciantes y artesanos, desapareció siete siglos después. Las cenizas posadas sobre algunos de sus palacios revelan la existencia de un gran incendio. También se sabe que fueron sus propios guerreros los que intentaron borrar cualquier huella de su historia destruyendo los monumentos. 
«Es como nuestra Pompeya», explicó ayer el director del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, Alfonso de María, durante la presentación de la exposición «Teotihuacan. Ciudad de los dioses». Organizada en colaboración con la Obra Social «la Caixa», la muestra, que reúne más de 400 piezas —entre cerámicas, armas, instrumentos musicales, máscaras y murales…—, algunas de reciente descubrimiento, ha pasado ya por París, Berlín, Roma y Barcelona, y la han visitado medio millón de personas. En Madrid se podrá ver hasta el 13 de noviembre.
De María indica que la primera restauración e investigaciones del complejo arqueológico comenzaron en 1910, «cuando se celebró el primer centenario de nuestra independencia y se organizó un congreso de americanistas». Desde entonces numerosos objetos ha salido a luz para explicar la estructura económica y social de esta ciudad-estado, «sofisticada y muy bien organizada».
La muestra se ha organizado en seis ámbitos que recorren diferentes aspectos, como la construcción de la ciudad, a través de los utensilios que se utilizaron; la política, la jerarquía y el comercio, el culto religioso —sus dioses principales fueron Tláloc, de la lluvia y la fertilidad, y la serpiente emplumada. La exposición también se detiene en la vida en los palacios, en el importante papel de los artesanos —actividad a la que se dedicaba el 20% de la población—, su relación con otras culturas y su desaparición o «colapso».
Susana Gaviña, Madrid: Teotihuacan, la Pompeya de América, ABC, 27 de julio de 2011
Sabía que de los 1.100 cuadros que cuelgan en las galerías del Museo del Prado, sólo tres han sido realizados por una mujer, y que las tres son obra de la misma artista, la italiana Sofonisba Anguissola? El dato, desde luego, es sorprendente, pero aún lo es más que hasta hace poco no hubiera ni una sola a la vista del público (entre los más de 8.000 cuadros que componen los fondos de la pinacoteca, hay 45 pintados por una veintena de mujeres) y, sobre todo, que nadie pareciera reparar en ello. «Las mujeres en la cultura estamos doblemente invisibilizadas: somos invisibles, pero además, el hecho de que seamos invisibles resulta invisible a su vez. Está tan naturalizada la exclusión de las mujeres, que nadie parece reparar en ella, ni siquiera las interesadas», asiente la escritora Laura Freixas, presidenta de la asociación Clásicas y Modernas, creada para la igualdad de género en el ámbito de la cultura.
«Ciertamente, las colecciones del Prado no contienen un gran número de obras realizadas por mujeres», conviene Gabriele Finaldi, director adjunto de Conservación e Investigación del museo, para quien «este hecho tiene una explicación fundamentalmente histórica, y no sorprende descubrir que la mayoría de estas artistas sean del siglo XIX, un periodo en que hay muchas más mujeres que se dedican profesionalmente a la pintura«. Finaldi añade que casi la mitad de las 45 obras están depositadas por el Prado en museos y edificios públicos en Madrid y otras ciudades españolas y que, de las que están físicamente en el Museo del Prado, algunas se exponen de manera fija, y otras ocasionalmente. «Actualmente, y hay que tener en cuenta que estamos en fase de reordenación de los fondos y con varias salas todavía cerradas, está representada de forma estable Sofonisba Anguissola, pintora en la corte de Felipe II». ¿Los criterios para la exposición de obras de la colección en las salas? «La calidad estética y la importancia histórica», responde Finaldi.
Respecto a lo primero, Marian López F. Cao, directora del Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid, institución que impulsa en museos públicos, entre ellos el Prado, itinerarios concebidos desde una perspectiva de género, matiza: la calidad es un concepto que debe ser objeto de renegociación, de revisión, porque no deja de ser un invento de un grupo hegemónico, que es el que dedice quién entra o se queda fuera del museo. Es como cuando en la Universidad se habla de rigor científico, un término ambiguo que sirve para incluir y excluir a antojo». Cuestión de prejuicios o no, lo cierto es que cientos de artistas mujeres, desde el siglo XV hasta la primera mitad del siglo XX, han quedado extraviadas en un agujero negro de la historia, las más de las veces a causa de atribuciones erróneas. Era el caso, hasta no hace tanto, de Sofonisba Anguissola (Cremona, 1532-Nápoles, 1625).
Porque ¿quién es la pintora del Prado? ¿la elegida para estar a la vista de los visitantes? ¿Por qué se la borró durante cuatro siglos? Aristócrata de exquisita inteligencia y creatividad, aclamada en su tiempo por Vasari, Miguel Ángel y Van Dyck (sus retratos fueron emulados por Caravaggio y Rubens), la muerte la condenó al olvido y sus obras fueron adjudicadas a Zurbarán, Antonio Moro, Tiziano, Sánchez Coello, Bronzino, Moroni, El Greco o Van Dyck, que la pintó ya anciana (¡vivió 93 años!) e incorporó uno de sus lienzos a su colección particular. Aun hoy continúa siendo objeto de debate la autoría de La dama del armiño (también llamada Infanta Catalina Micaela), pintura que la Pollock House de Glasgow donde cuelga sigue adjudicando a El Greco, aunque a partir de los estudios de Carmen Bernis (primero) y María Kusche (más tarde), cada vez son más los que afirman que su autora es Sofonisba Anguissola. Curioso, porque resulta que para algunos críticos estaríamos ante el mejor Greco, y el propio Cézanne creyó ver en La dama del armiño (en realidad vestía piel de lince) al «creador del arte moderno».
De familia aristocrática –cuatro de sus hermanas también fueron pintoras, una de ellas, Lucía, tiene obra en el Prado– se formó al lado de Bernardino Campi, Bernardino Gatti e incluso Miguel Ángel. Llegó a la corte de Felipe II en 1559, como dama de la reina Isabel de Valois, y por su papel en la casa de la reina no firmó los lienzos que pintó para la corte. Autora de espléndidos retratos (La niña y el enano, de la colección del marqués de Griñón; El juego de ajedrez…), destacan sobre todo sus autorretratos, en los que, como escribe Rocío de la Villa en el catálogo de Heroínas, la exposición que meses atrás pudo verse en el Museo Thyssen, «impresiona su mirada directa y sin pudor a quien la contempla: se afirma como sujeto y como igual». De vida igualmente azarosa –su primer marido murió a manos de los piratas y se casó por segunda vez a los cincuenta años con un hombre a quien le doblaba la edad, capitán de barco a quien conoció en pleno viaje…– su figura ha inspirado libros como La virgen y el violín (Siruela), de Carmen Boullosa, y Ángeles Caso le dedicó un capítulo en su libro Las olvidadas (Planeta).
Junto a Cristina Iglesias, autora de las puertas que dan acceso al edificio del claustro de los Jerónimos, le hacen compañía desde las reservas (de momento) Julia Alcayde y Montoya, Lucía Anguisciola, Sofonisba Benoit, Marguerite-Marie Bonheur, Rosa Brockman, Elena Brunet, Antoinette Cabezudo y Margarita Carpentier, entre otras.
Teresa Sesé, Barcelona: Sofonisba Anguissola es la única mujer cuya obra se expone en el Prado, La Vanguardia, 25 de julio de 2011
Después de la marea viene la calma y una élite recién globalizada ha puesto su dinero a trabajar dando lugar a interminables especulaciones acerca de qué significa todo esto para el futuro de la industria del arte. Por supuesto China está en el centro de este debate con una cuota mundial del 33% en cuanto a ventas globales, pero Rusia, India, Oriente Medio y otros mercados en desarrollo, como el latinoamericano, también juegan un papel importante. Que el mercado se ha recuperado a niveles de 2008, es ya un hecho. Y no hay mejor indicador que la fulgurante actividad en fondos de inversión y bolsas de arte que viene sucediéndose desde 2010.
Hace justo un año, se celebró la gran exposición retrospectiva Lucian Freud. L’Atelier en el Centre Pompidou de París, tal como se evidencia en el siguiente vídeo:
Exposition Lucian Freud, L'atelier au Centre… por centrepompidou
