IGUALDAD Y SEGURIDAD
Si no democratizamos la riqueza y las oportunidades, se “democratizarán” las amenazas y nuestra exposición a la crisis Joan Romero González “Geopolítica y gobierno del territorio en España” 2009
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El «nuevo» Da Vinci sale a la luz
«Salvator Mundi», una obra perdida del pintor renacentista, se expondrá en Londres a finales de este año
El óleo «Salvator Mundi» («Salvador del Mundo»), de Leonardo Da Vinci, descubierto recientemente en Nueva York, se expondrá en la National Gallery de Londres el próximo mes de noviembre, según informaron ayer fuentes de esta pinacoteca. El cuadro, convertido en las últimas décadas en un mito dentro del catálogo del artista renacentista, fue adquirido hace seis años por el consorcio privado neoyorquino RW Chandler. La pintura, de 60 centímetros, se registró por vez primera dentro de la colección del Rey Carlos I de Inglaterra, y recorrió un largo camino de herencias, ventas y pérdidas hasta la adquisición por parte del grupo estadounidense. Las dudas sobre la autenticidad del óleo hicieron que se encargara a Robert Simon, doctor en Historia del Arte en la Universidad de Columbia, en el mismo Nueva York, un estudio de la obra que permitiera certificar su autoría.
Después de cinco años de investigación, Simon aseguró que el cuadro fue pintado por Da Vinci. «Tras un amplio tratamiento para su conservación, el cuadro fue analizado por una serie de expertos internacionales y todos llegaron a la conclusión de que Salvator mundi es el original pintado por Leonardo da Vinci», dijo.
Idas y venidas
La peripecia del cuadro ha sido larga. La obra estaba perdida desde el siglo XVII hasta que en 1958 se adquirió por 45 libras; en aquel momento se pensaba que el autor de la obra era del discípulo de Giovanni Boltraffio. Hace unos siete años, la obra entró a subasta por 200 millones de dólares, precio récord para una obra de Da Vinci, pero como la autoría no estaba clara, la venta no se realizó. «Hoy esa cifra es pura especulación. El valor es incalculable y tampoco está a la venta», dijo Robert Simon.
Leonardo da Vinci habría pintado «Salvator mundi» entre 1490 y 1500, y su composición fue documentada varias veces a través de dos dibujos preparatorios hechos por el propio Da Vinci y más de 20 copias pintadas por sus discípulos, así como un grabado de 1650 realizado por el artista Wenceslao Hollar.
La National Gallery londinense ha confirmado ya la presencia del lienzo en la exposición que dedicará a Leonardo da Vinci como pintor en la Corte de Milán, en noviembre de este año: «Nos parece muy interesante incluir este descubrimiento en la exposición. Será la prueba de fuego para la obra, ya que se podrá comparar directamente con otros trabajos de Da Vinci universalmente conocidos», afirmó el comisario de la muestr, Luke Syson.
Hasta hace unos meses, la gran protagonista de la muestra era «La Virgen de las rocas» (1491-1508), cuadro que sería otra vez expuesto luego de pasar dieciocho meses en proceso de restauración en la National Gallery. Sin duda, el óleo será destronado por la obra recién hallada, donde se retrata a Cristo de medio cuerpo, con el brazo derecho levantado en señal de bendición, mientras la mano izquierda sostiene una esfera de cristal.
El «nuevo» Da Vinci sale a la luz, ABC, 14 de julio de 2011
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La construcción de la identidad
Analizar el estrecho y poderoso vínculo que se establece en todo retrato fotográfico entre el espectador y el sujeto fotografiado es la base sobre la que se construye Face Contact. Se trata de la exposición colectiva que PhotoEspaña dedica en cada edición del festival a explicitar y desarrollar el tema elegido para la sección oficial y que en esta ocasión aparece centrado en el retrato y la comunicación. Podría decirse que más allá de la exploración estricta del vínculo antes enunciado lo que propone esta muestra es presentar el modo en que una serie de artistas han abordado conscientemente esa condición del retrato para alterar y desplazar el juego de transacciones que necesariamente se instituye entre artista, espectador y retratado. Así es como funciona la apertura y cierre de la exposición, con una serie de obras que interpelan directamente al observador y optan por hacer patente esa estrategia de alteración y desplazamiento.
Las tres primeras propuestas que encuentra el espectador son rotundas en este sentido: de Juan Downey la fotografía frontal de un indio yanomani de la selva amazónica que nos mira a través de la cámara con la que nos filma, invirtiendo así la jerarquía de la mirada colonial; una pieza de Luis Camnitzer consistente en un marco vacío con una leyenda escrita en la base que da título a la obra, «esto es un espejo. Usted es una oración escrita»; y una serie de fotografías de la artista Shilpa Gupta que se retrata a sí misma con indumentaria militar y negando toda mirada y comunicación con el espectador. Y cerrando la exposición una rotunda obra de Mona Hatoum que presenta un espejo sobre cuya superficie aparece grabada la frase «usted está todavía aquí». Un bucle que abre y cierra el montaje de la muestra imponiendo un efecto de distanciamiento que obliga al espectador a tomar conciencia en todo momento del alcance y las implicaciones del trasvase de miradas que pone en juego la práctica del retrato.
En cierta manera, son obras que interpelan directamente al observador y a través de la pregunta implícita que plantean pasan a poner en primer plano la cuestión de la identidad, tanto la de quien mira como la de quien es mirado. Es esta una cuestión fundamental en la que se vuelca con claridad y amplitud de visiones el cuerpo central de Face Contact al proponer un acercamiento de conjunto al modo en que la identidad se afirma, se oculta, se mimetiza o se transforma. Específicamente plantean el tema obras como el vídeo de Kan Xuan en el que la artista va gritando su nombre mientras corre por los pasillos del metro de Pekín; los conocidos y muy difundidos trabajos de Marta Soul y Cristina Lucas; la pieza de Liliana Angulo titulada Negro utópico; o, por último, las excelentes series fotográficas tanto del Colectivo MR como de Dulce Pinzón que con su propuesta La verdadera historia de los superhéroes aporta una interesante y destacada nota de ácido humor.
Otra sutil forma de abordar la identidad en la exposición es la que se va desvelando a través del tratamiento de la violencia, bien cuando esta emerge en el propio retrato bien cuando se expresa sobre y en el retratado. La violencia como contexto que actúa y presiona día a día sobre la identidad está en los respetables y cotidianos personajes que retrata Ananké Asseff pistola en mano en el interior de sus domicilios, se expresa también en los rostros y actitudes de los agentes encargados de vigilar a la opositora cubana Yoani Sánchez cuando esta los sorprende con su cámara; habla desde las caras golpeadas de las maltratadas que retrata con clasicismo Libia Posada; o se concentra sintéticamente en la gasa que cubre el rostro del cadáver de una mujer afgana tras su suicidio en la foto de Stephanie Sinclair.
La exposición presenta también dos amplios proyectos en torno al autorretrato y la autorrepresentación a los que el comisario de la muestra Gerardo Mosquera presta y dedica especial atención. Se trata de Quinceañeras, un amplio e interesante análisis de la iconografía con la que se autorrepresentan las jóvenes cubanas en las celebraciones que llevan a cabo al llegar a los 15 años, y de una instalación acertadamente envolvente que muestra grabaciones alojadas en la web beautifulagony.com donde la gente puede subir vídeos de sus orgasmos con la única condición de que sólo aparezca el rostro. Dos propuestas que vienen a mostrar la estrecha e íntima relación que existe entre mecanismos de autorrepresentación y procesos de construcción o afirmación de la identidad.
Face Contact. Teatro Fernando Fernán Gómez. Centro de Arte. Plaza de Colón, 4. Madrid. Hasta el 24 de julio.
Alberto Marín: La construcción de la identidad, EL PAÍS / Babelia, 9 de julio de 2011
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Himnos
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Acostumbra a decir la profe que hay canciones, hay días, hay momentos… y cada quien tiene sus manías, sus himnos, sus rituales. Su Yo pisaré las calles nuevamente los once de septiembre, su Grândola vila morena los veinticinco de mayo y su Marsellesa tal día como hoy. En un […]
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Construyendo utopías: de De Stijl a la New Bauhaus
La galería Guillermo de Osma de Madrid inaugurará en septiembre la exposición Construyendo UToPíAs: de De Stijl a la New Bauhaus, un recorrido a través de 45 obras –entre cuadros, esculturas, libros y objetos– por una de las vertientes más interesantes del arte de vanguardia de la Europa de entreguerras (1914-1945). Este grupo de propuestas plásticas –de artistas guiados por una visión idealista y utópica del mundo frente al caos y el horror de las circunstancias históricas que les toca vivir– tienen en común un proceso de depuración de las formas, tendiendo en muchos casos a la geometría.
La visión utópica en el arte la adoptan al mismo tiempo que los constructivistas y suprematistas rusos una serie de artistas y arquitectos holandeses, encabezados por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, que deciden crear una agrupación –De Stijl– cuya renovadora estética basada en la geometría pretende dar las pautas para una nueva sociedad. Estas agrupaciones llevan intrínsecas en sí mismas una vocación de difusión e internacionalización sus ideas, y tras la guerra confluyen en Berlín, propagando este nuevo ideal a Hungría, Polonia y Checoslovaquia.
Obra de arte total
Por su parte, en Alemania, Walter Gropius crea la Bauhaus, una escuela de arte donde se integran todas las disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura y artes aplicadas) en aras de la “obra de arte total” con la que construir este nuevo mundo. Varios de los profesores de la Bauhaus, como Kandinsky, Klee, Schlemer, Moholy-Nagy, Albers o Itten se encuentran entre los adalides de esta nueva visión utópica.
A inicios de los años treinta, con la aparición de los totalitarismos en varios países de Europa, el centro de estas corrientes artísticas se traslada a París, ciudad donde aparecen varias agrupaciones como Cercle et Carré encabezada por Torres-García; Art Concret, por Theo Van Doesburg, y Abstraction Création, compuestas por artistas jóvenes y veteranos de diferentes nacionalidades con la idea de crear un arte nuevo utópico. Otros artistas como Moholy-Nagy o Albers se trasladan a Estados Unidos para desarrollar su labor pedagógica en “The New Bauhaus” de Chicago y el “Black Mountain College” de Carolina del Norte, respectivamente.
Esta labor, junto a la desarrollada desde 1934 por Torres-García en Uruguay, será fundamental para la difusión de esta visión utópica y el lenguaje geométrico en el Nuevo Mundo, y para el desarrollo del arte en América en la segunda mitad del siglo.
Visión utópica
La exposición recorre todas estas etapas. Hay varias obras del De Stijl, desde una papel de Vantongerloo a una vidriera de Van Doesburg, pasando por la maqueta original ejecutada por Rietveld de su mítica silla Zig-Zag. Los maestros de la Bauhaus están también presentes, con obras de Moholy-Nagy, Itten, Klee, y obras de alumnos como fotografías de Piet Zwart, Enrich Mrozek y Horacio Coppola, y un cuadro de Max Bill, uno de los mayores difusores del lenguaje en Europa y América tras la Segunda Guerra Mundial.
Las asociaciones parisinas de los años 30 están magníficamente ilustradas: Cercle et Carré por una madera incisa de Torres-García de 1930, y cuadros de Baumeister, Leger y un Le Corbusier de 1929; Art Concret con una obra de Leon Tutundjan, y Abstraction Creation con dos obras geométricas de Luis Fernández, y cuadros de Gleizes, Valmier y Buchheiser, entre otros. También habrá obras de artistas, que pese a no militar en ninguno de estos grupos, mantuvieron discursos afines –un arte de síntesis–, como son Joan Miró y Julio González, Man-Ray o Kurt Schwitters, del que se presenta un collage que perteneció a la colección del arquitecto Mies van der Rohe.
La exposición se cierra con un óleo de Albers y dos obras de Moholy-Nagy realizadas en Estados Unidos en la década de los 30, y una obra de Torres-García pintada a su vuelta a Uruguay. Entre las obras –inéditas– de Moholy-Nagy cabe destacar la modernísima y excepcional escultura en plexiglás pintada al óleo donde el artista sintetiza toda su compleja y revolucionaria visión del arte que abre paso a lo que va a suceder en la segunda mitad del siglo XX en el campo de las artes visuales.
Madrid. Construyendo UToPíAs: de De Stijl a la New Bauhaus. Galería Guillermo de Osma. De septiembre de 2011 a enero de 2012.
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Hombres o Dioses’, un recorrido por la escultura ibérica
El vicepresidente y consejero de Cultura de la Comunidad de Madrid, Ignacio González, ha inaugurado hoy en el Museo Arqueológico Regional (MAR, Alcalá de Henares) la exposición ¿Hombres o dioses? Una nueva mirada a la escultura del Mundo Ibérico, que exhibe los últimos hallazgos realizados sobre los hombres que habitaron la Península Ibérica entre los siglos V y II aC, pero también da la oportunidad de descubrir los pasos que ha dado la cultura ibérica.
«¿Hombres o dioses? –según González– permite descubrir una selección de los tesoros de la escultura ibérica conservados en los museos e instituciones con colecciones de piezas ibéricas más importantes de España en una exposición de enorme calidad y riqueza de muestras, algunas de ellas recientemente excavadas». Héroes y damas sedentes
El vicepresidente explicó que «con esta exposición que hoy iniciamos, podemos contemplar el papel del héroe, la iconografía de las ‘damas sedentes’, recordar las principales excavaciones arqueológicas y la aparición de falsas piezas que un siglo después forman parte de nuestro patrimonio y los exvotos de los santuarios urbanos».
La intención de esta muestra, que podrá visitarse hasta el 16 de octubre, es que el público reconozca la importancia cultural de esta civilización, cómo se descubrió y se hizo conocida en el mundo y qué se sabe de ella ahora: sus últimos hallazgos e interpretaciones después de más de cien años de investigaciones.
Las mejores piezas íberas
¿Hombres o dioses? Una nueva mirada a la escultura del Mundo Ibérico está comisariada por Juan Blánquez, catedrático de Arqueología de la Universidad Autónoma de Madrid y asesor de la nueva instalación museográfica del Museo Arqueológico Nacional (MAN), y cuenta con las aportaciones de la arqueología más reciente y de las nuevas tecnologías, así como con la colaboración de los museos que custodian las mejores piezas íberas, como el MAN, el Museo Arqueológico de Albacete, el Museo de Murcia, el Museo Arqueológico Provincial de Alicante o el Museo de Jaén. Estos dos últimos han prestado piezas únicas que apenas habían salido de sus instalaciones.
Igualmente, el MAR ha contado con la cesión de documentos y objetos que ayudan a contextualizar las piezas de instituciones públicas y privadas de toda España. «Gracias a todos ellos, los madrileños y los que nos visiten podrán disfrutar de una selección de esculturas seleccionadas por su calidad estética y por su capacidad expositiva para representar a quienes ostentaban el poder en la cultura ibérica, al tiempo que podrán apreciar el carácter monumental de esculturas con las que todos estamos familiarizados desde el colegio, como las “Damas”, las esculturas del Cerro de los Santos, la tumba de Pozo Moro o los conjuntos de Osuna», señaló el vicepresidente.
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Desarrollo expositivo
Con ¿Mujeres divinas, diosas humanas? se vuelve a la pregunta inicial del recorrido de la exposición, en esta ocasión desde una perspectiva complementaria, el de la mujer ibérica, a través del conocido estereotipo iconográfico de las damas sedentes. Pozo Moro, una inflexión en el estudio de la escultura ibérica enseña al visitante cómo el estudio de la arquitectura monumental y la escultura han tenido un antes y un después tras el descubrimiento y posterior investigación de la tumba turriforme de Pozo Moro, en Chinchilla de Monte Aragón (Albacete). Sigue con Una nueva mirada a la escultura ibérica: los santuarios periurbanos, que muestra el desarrollo de la investigación de los poblados y ciudades, desde una perspectiva ibérica, influida por el mundo mediterráneo, mientras que en Unos falsos muy originales se pueden ver los falsos que jugaron un importante papel en la historia del conocimiento de lo ibérico y que, pasados ya casi 100 años de su realización, forman parte de nuestra historia y de nuestro patrimonio. El recorrido termina con el capítulo Nuevas tecnologías para el estudio de la escultura ibérica, un mundo lleno de posibilidades tradicionalmente aplicadas al área de las ciencias y no tanto al de las humanidades. Un último recurso informático permitirá al visitante descubrir nuevas imágenes y propuestas de reconstrucción de los conjuntos escultóricos. |
La muestra está estructurada en siete aspectos con la estatuaria ibérica como hilo conductor. En primer lugar, ¿Hombres o dioses? abre la exposición, donde las figuras (cabezas) de hombres normales contrastan con la figura del héroe y, entre ambas, las armas, entendidas no tanto como instrumentos de guerra, sino como de estatus de poder. Continúa con Los primeros pasos… las primeras investigaciones, que ofrece una visión historiográfica de los primeros yacimientos, de los arqueólogos pioneros y de las instituciones que impulsaron el estudio de la cultura ibérica.Alcalá de Henares (Madrid). ¿Hombres o dioses? Museo Arqueológico Regional (MAR). Del 8 de julio al 16 de octubre de 2011.
‘Hombres o Dioses’, un recorrido por la escultura ibérica, hoyesarte.com, 8 de Julio de 2011
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Una copia tan buena… que quizá sea un ‘miguel ángel’
Un estudioso italiano afirma que ‘La Crucifixión con la Virgen, San Juan y dos ángeles llorando’, expuesto en la Universidad de Oxford y atribuido al pintor Venusti, es en realidad obra del maestro del Renacimiento Al pintor italiano Marcello Venusti copiar a Miguel Ángel se le daba bastante bien. A mediados de 1500 el cardenal Alessandro Farnese le pidió que reprodujera, en pequeña escala, El juicio final, el enorme fresco de Miguel Ángel Buonarroti que miles de visitantes admiran cada día en la Capilla Sixtina de San Pedro, en Roma. El resultado final (que hoy se conserva en un museo de Nápoles) fue tan bueno que recibió la aprobación del propio Miguel Ángel y los dos artistas acabaron haciéndose amigos.
Una segunda prueba de la semejanza entre los estilos de los dos creadores colgaba desde hace décadas en una residencia jesuita de la Universidad de Oxford. La Crucifixión con la Virgen, San Juan y dos ángeles llorando fue adquirida por el centro en 1930 en una subasta y se había atribuido hasta hoy a Venusti. El estudioso italiano del arte Antonio Forcellino sin embargo asegura ahora que la obra fue en realidad pintada por el propio Miguel Ángel, tal y como recoge la BBC.
Según Forcellino, uno de los mayores expertos contemporaneos de la obra de Miguel Ángel y autor de un libro sobre sus creaciones perdidas (The Lost Michelangelos, 2009), las pruebas llevadas a cabo con rayos infrarrojos no dejan lugar a dudas sobre el verdadero padre de La Crucifixión con la Virgen, San Juan y dos ángeles llorando. «Reconoces de inmediato la diferencia entre sus creaciones y las de Venusti», declaró el estudioso a The Independent. El cuadro ha sido trasladado al museo Ashmolean de Oxford para que reciba la atención y el cuidado necesarios.
Profesor en Campion Hall, el padre Brendan Callaghan ha declarado a la BBC que seguir colgando la obra en la pared de su residencia ya no era «una buena idea». El religioso ha explicado que en los tres años que lleva impartiendo clases el valor del cuadro se ha tripilicado, «incluso si el cuadro finalmente no fuera de Miguel Ángel». Eso sí, Callaghan ha reconocido que ahora los «historiadores opinarán a favor y en contra» de la nueva hipótesis. Pase lo que pase, Venusti debería sentirse orgulloso: en su libro, Forcellino decía que «nadie salvo Miguel Ángel pudo pintar una obra de arte tal».
Una copia tan buena… que quizá sea un ‘miguel ángel’, EL PAÍS, 11 de julio de 2011
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Italia recuperó tres mil obras de arte en el último año
Más de 3.000 obras de arte italianas —pinturas, esculturas y objetos arqueológicos—, robadas en años pasados y metidas en el comercio clandestinamente, han sido recuperadas en este año y vuelven «a casa». Se han podido restituir a sus legítimos propietarios gracias al trabajo que realizan los trescientos carabineros (cuerpo militar) que componen el departamento Tutela del Patrimonio Cultural, en colaboración con la Interpol y la magistratura.
Entre los objetos recuperados se encuentra una estatua de mármol de 1488 que representa al Rey David, obra del arquitecto y escultor Roberto Moffiolo, con un valor estimado de unos 750.000 euros. Fue robada hace 32 años del ábside de la catedral de Parma. Su obispo había perdido ya las esperanzas de recuperarla: «La operación de los carabineros —ha dicho monseñor Enrico Solmi— nos devuelve a nuestra catedral una obra muy bella que será recolocada en el ábside. Es una obra que recuerda un momento importante de nuestra historia. Al mismo tiempo ayuda a confiar en el trabajo de los carabineros y en el Ministerio de Cultura». Otra obra espléndida y rara recuperada ha sido una ánfora antigua, con grandes ojos y figuras negras, del 1525 a. C..En el comercio de arte clandestino, un capítulo importante es el que protagonizan los llamados «tombaroli», ladrones de tumbas, que realizan su actividad ilegal incluso con excavadoras en las diversas áreas donde vivieron los etruscos. Al referirse a este expolio, el ministro italiano de Bienes Culturales fue especialmente duro y propuso nuevas medidas para combatirlo: «Es indecoroso —afirmó el ministro— que ningún ladrón de tumbas haya pasado un solo día en la cárcel. No es posible que en un país como el nuestro, donde el saqueo es uno de los deportes nacionales más apreciados, nadie pague, ni siquiera cuando es cogido cometiendo el delito. Estamos pensando en iniciativas para poner remedio a esta inmoralidad».
Las operaciones para recuperar estas obras de arte se han realizado en toda Italia y también en el extranjero. Buena parte son bienes religiosos. Estos buenos resultados se acompañan de «una disminución del 14 % de los robos en las iglesias en el último año, debido a la catalogación que se ha hecho de los bienes eclesiásticos».
Ángel Gómez Fuentes, Roma: Italia recuperó tres mil obras de arte en el último año, ABC, 11 de julio de 2011
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