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El Prado dedica a Rubens su primer vídeo ‘online’ multi-interactivo

El Prado dedica a Rubens su primer vídeo ‘online’ multi-interactivo

video_interactivo_pradoEl Museo del Prado ha lanzado hoy el primer vídeo online multi-interactivo aplicado a la difusión artística. Bajo el titulo Rubens 360º, la iniciativa constituye una nueva apuesta del Prado por facilitar el disfrute de sus colecciones y exposiciones más allá de sus muros, extendiendo al mismo tiempo su acción divulgativa y educativa.

El nuevo desarrollo, realizado con el apoyo de Telefónica –como benefactor del Programa de Atención al Visitante– y creado por la empresa española artífice también de la captación y tratamiento de las imágenes gigapíxel del proyecto “Obras maestras del Museo en Google Earth”, explota las posibilidades de interactividad y facilidad de acceso a todo tipo de información para presentar un exhaustivo recorrido visual e intelectual de la exposición que el Museo dedica actualmente a su colección de obras de Rubens (abierta hasta el 23 de enero).

La novedad consiste en la posibilidad de rastrear todas las obras expuestas pudiendo hacer ‘clic’ sobre cada una y acceder a su imagen navegable en alta resolución junto a información complementaria en texto, audio e incluso vídeo (vídeo dentro del vídeo).

Primicia cultural

La publicación de este formato de vídeo online interactivo, inédito como forma de presentación de contenidos culturales, constituye un singular reconocimiento tanto al artista, uno de los mejor representados en las colecciones del Prado, como al creciente y constante número de personas interesadas en los contenidos y canales que el Museo ha ido poniendo a su disposición en la Red en los últimos años.

Esta solución permite dotar los vídeos con capas adicionales de información constituyendo, por tanto, una alternativa que se podría definir como “hipervídeo”, haciendo un símil con lo que el concepto de “hipertexto” significa (en informática, nombre que recibe el texto que en la pantalla de un dispositivo electrónico conduce a otro texto relacionado).

Esta nueva forma de presentación multimedia traspasa las limitaciones de un vídeo tradicional permitiendo al usuario interactuar dentro del propio contenido audiovisual optando por detenerse en múltiples “puntos calientes” (hotspots) que, en este caso, le permiten acceder, una por una, a todas las obras de Rubens que atesora el Prado. De esta forma, los internautas encontrarán a su disposición, como contenidos adicionales vinculados a los más de noventa hotspots definidos, tanto vídeos en los que el comisario de la exposición y jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo, Alejandro Vergara, explica detenidamente las obras, como imágenes en alta resolución a pantalla completa y una ficha informativa en texto de cada una.

Contenidos adicionales

Los contenidos que se muestran en un vídeo interactivo de estas características al hacer ‘clic’ sobre los elementos son variados. En este caso, estos contenidos adicionales se han seleccionado cuidadosamente con el fin de facilitar al público una experiencia lo más similar posible a la visita presencial de la exposición presentada, compensando la insustituible experiencia de la contemplación directa de las obras con la posibilidad de conocer a fondo cada una de ellas a través de la navegación sobre sus imágenes y del acceso a contenidos explicativos adicionales.

Para ello, el vídeo se ha dotado de reproducciones de las 90 obras presentes en la exposición a gran tamaño y calidad, con una presentación a pantalla completa y una opción de ampliación que posibilita apreciar pequeños detalles imposibles de percibir por el ojo humano en la contemplación directa de las obras debido a las limitaciones impuestas por las condiciones físicas de la visita (distancia del espectador frente a los cuadros y perspectiva condicionada por su posición sobre un único plano horizontal).

Además de la visualización a pantalla completa, muchas de las reproducciones van acompañadas de un player de audio que permite escuchar la narración de una audioguía al mismo tiempo que se explora la obra y todas las reproducciones cuentan con una ficha técnica descriptiva en texto de la obra.

Llena de educación tu portátil

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El Louvre compra un ‘cranach’ con ayuda de donaciones particulares

El Louvre compra un ‘cranach’ con ayuda de donaciones particulares

las_tres_gracias_CranachEl Museo del Louvre de París ha conseguido movilizar a más de cinco mil donantes particulares a través de internet para conseguir el millón de euros que le faltaba para poder aquirir por cuatro millones Les Trois Grâces (Las Tres Gracias, 1531), una célebre obra maestra de Lucas Cranach el Viejo (Kronach, 1472-Weimar, 1553), a un coleccionista privado. El museo más visitado de Europa –recibe ocho millones de visitantes al año– poseía ya cinco obras del maestro alemán.

Tras la intervención de dos grandes empresas, el Louvre consiguió reunir tres millones de euros, pero el Ministerio de Finanzas no consideró oportuno donar el millón que faltaba. La dirección del museo tuvo una idea original: invitar a sus visitantes y amigos a hacer donaciones a través de internet. A los pocos meses, la petición de ayuda recibió un apoyo masivo. El millón de euros que faltaba ha sido aportado por una avalancha de pequeños donantes.

La media aportada por los donantes ha sido de 150 euros y un 25 por ciento aportó 50 euros. Hay donaciones mucho mayores, de 10.000, 20.000 y 40.000 euros. Además de particulares han participado pequeñas y medianas empresas. También fundaciones francesas y extranjeras. Eso sí, no se trata solo de patriotismo. Los donantes gozarán de una desgravación fiscal equivalente al 66% de la suma entregada.

Pequeñas dimensiones

Las Tres Gracias es un lienzo de pequeñas dimensiones (24 X 37cm) pintado sobre tabla, pero es una obra maestra de Cranach y del Renacimiento alemán. La obra muestra las típicas figuras del maestro, tres mujeres desnudas, extremadamente palidas y delgadas, lo que contrasta con el fondo oscuro. Sin decoración ni paisaje, el canon de belleza de Cranach no se parece al de Rubens, que cien años después apostará por la desmesura y la abundancia.

La obra es bastante enigmática, pues se desconoce por qué la única prenda de ropa presente en ella es un sombrero plano y rojo con el que está tocada la Gracia del centro, la misma que posee no uno sino dos collares. La mujer situada a la derecha se coge el pie por el tobillo en una postura extraña. Y la tercera figura, la Gracia de la izquierda, se sitúa de espaldas mirando al espectador en un escorzo también extraño.

Las Tres Gracias se expondrá en el Louvre a partir del 2 de marzo de 2011. Junto al cuadro habrá una larga relación con los nombres de todos los donantes.

En España

Cranach, que tomó por apellido el nombre de su ciudad natal en Franconia, Kronach, se formó como pintor en el taller familiar. Hacia 1490 viajó por el sur de Alemania, estableciéndose luego en Viena donde está documentada su presencia entre 1500 y 1504. Allí frecuentó los círculos humanistas que habían surgido en torno a la universidad. De esta etapa son los retratos de Johannes Cuspinian y de su esposa, en Winterthur, y El descanso en la huida a Egipto, en la Gemäldegalerie de Berlín. En 1505 se encuentra en Wittenberg donde fue requerido por el elector Federico III como pintor de corte. En 1508 realizó un viaje, en misión diplomática, a la corte del emperador Maximiliano en los Países Bajos percibiéndose en su producción, tras su regreso, una mayor «suavidad» en el modelado de sus personajes. En esos años se han fechado Venus y Cupido del Ermitage y La Virgen y el Niño con un racimo de uvas, del Museo Thyssen-Bornemisza.

Cranach pasó en Wittenberg los años siguientes hasta su traslado a Augsburgo y luego a Innsbruck acompañando en su exilio al elector Juan Federico de Sajonia. En 1552 se trasladó junto con el elector a Weimar donde falleció en 1553. Pintor vinculado a las ideas reformistas, cultivó, junto con el retrato, la pintura religiosa y grabado. Son especialmente notables las series de grabados ejecutadas entre 1505 y 1509. A partir de 1520, el artista se dedicó con más intensidad a la ilustración, realizando imágenes para los libros de los reformadores y escenas bíblicas. Dirigió un taller importante que tuvo una gran actividad y en el que colaboraron sus dos hijos. Entre sus obras más destacadas se encuentran el Tríptico con los tres electores, en la Kunsthalle de Hamburgo, La Edad de Oro de la Alte Pinakothek de Múnich, sus retratos de los electores y de otros miembros de la corte, y sus personalísimas representaciones de Judith, Salomé, Venus y ninfas.

La presencia de los Cranach (el Viejo y sus hijos) era relativamente escasa en los museos de España hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que posee un fondo siete grandes obras. Otros museos españoles con sus obras son el Museo del Prado, MNAC de Barcelona, Museo Lázaro Galdiano y Bellas Artes de Sevilla.

Enzo Agrigento: El Louvre compra un ‘cranach’ con ayuda de donaciones particulares,
hoyesarte.com, 18 de Diciembre de 2010

La restauración del Pórtico de la Gloria se retrasa otro año

La restauración del Pórtico de la Gloria se retrasa otro año

Los responsables de la restauración del Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago nunca quisieron poner plazos a los trabajos. Sabían que solo la piedra y lo que encontrasen en ella los determinaría. Y, después de más de un año de monitorización y varios meses de estudio, han hallado, entre otras cosas, restos de la policromía original del siglo XII. El descubrimiento aconseja, según los expertos, un año más de estudio del conjunto escultórico y sus condiciones «microclimáticas» antes de comenzar a rehabilitarlo.

Las autoridades civiles -la Xunta de Galicia- y religiosas -el Arzobispado de Santiago de Compostela-, menos prudentes que los expertos, sí aventuraron que los trabajos podrían estar listos para el Xacobeo que está terminando. Tras dificultades y desavenencias técnicas, esa fecha se olvidó hace tiempo. La Dirección General de Patrimonio de la Xunta dio después otra: mediados de 2012. Con el año extra de monitorización que ayer anunció la Fundación Barrié de la Maza, mecenas de los trabajos, se añaden otros 12 meses a la previsión.

Pero las prioridades no tienen mucho que ver con los plazos. «Los datos arrojados en el proceso de investigación marcan el calendario y su adaptación a las necesidades científicas. Debemos ampliar el estudio sobre la policromía, pero también el estudio microclimático y estructural», asegura Concha Cirujano, responsable de los planes nacionales del Ministerio de Cultura. «Este es por encima de todo un proyecto científico y manejamos datos críticos y fundamentales para el diagnóstico, la definición de un plan de conservación preventiva así como de la propuesta de intervención sobre el pórtico», dice Francisco Prado, doctor en Arte Medieval por la Universidad de Harvard. Ambos coordinan el programa Catedral.

Además de las policromías originales, se ha corroborado la presencia de brocados aplicados en algunos mantos que datan del siglo XVI. «Esta técnica de gran riqueza ornamental subraya la importancia de este conjunto», asegura la Fundación Barrié. A partir de la segunda quincena de enero se realizarán nuevas tomas de muestras de policromía y piedra para completar los resultados. También se realizarán distintas pruebas para realizar el proyecto de intervención.

Pablo Linde, Santiago: La restauración del Pórtico de la Gloria se retrasa otro año,
EL PAÍS, 18 de diciembre de 2010
Miguel Ángel se inspiró en burdeles para pintar la Capilla Sixtina

Miguel Ángel se inspiró en burdeles para pintar la Capilla Sixtina

El genio renacentista encontró inspiración en las «stufa», según asegura la estudiosa Elena Lazzarini en un artículo publicado en medios italianos

Uno de los frescos de la Capilla SixtinaEl genio renacentista Miguel Ángel Buonarroti se inspiró en varios burdeles italianos para pintar algunos de los modelos que forman parte de los frescos de la Capilla Sixtina, asegura la estudiosa Elena Lazzarini en un artículo que publica hoy el diario italiano «Corriere della Sera».

Según la experta, era frecuente que los artistas renacentistas italianos acudieran a las llamadas «stufa», baños públicos similares a un burdel donde a menudo se ejercía la prostitución, para estudiar a modelos que después serían representados en sus obras.

Una fuente de inspiración presente en la producción de muchos artistas de esta época, desde Leonardo a Bronzino, pasando por el propio Miguel Ángel. Según Lazzarini, muchos de los beatos y condenados que forman parte de los frescos de la Capilla Sixtina son retratados en situaciones obscenas.

«Un condenado, por ejemplo, es conducido al infierno agarrado por los testículos y entre los beatos se producen besos y abrazos ambiguos, claramente de naturaleza homosexual», explica la estudiosa. Lazzarini añade que «los cuerpos masculinos, muy viriles, que componen la pintura del Juicio Final corresponden con la apariencia física de peones y cargadores retratados durante el trabajo, con los músculos tensados y con el cansancio y el esfuerzo reflejados en sus rostros».

La imponente escena del Juicio Final, de 3,7 por 12,2 metros, fue pintada por Miguel Ángel entre 1536 y 1541 para decorar la pared que se encuentra tras el altar de la capilla. Según la estudiosa italiana, fue en los baños públicos de la capital italiana donde Miguel Ángel se inspiró para decorar una de las joyas del Vaticano.

Estos espacios eran numerosos durante el siglo XVI en Italia y, en particular en Roma, explica Lazzarini, y en ellos, además de realizarse tratamientos de belleza y de hidroterapia, «había estancias más apartadas, lugares de promiscuidad y de prostitución masculina y femenina».

Referencias que se encuentran también en obras de otros artistas renacentistas como Leonardo o Bronzino, según la experta. «Era una opinión muy común en aquella época el considerar que aquella fisonomía correspondiese a un ideal físico y emocional. Y estos modelos no eran sólo cosa de Miguel Ángel, los encontramos a partir de Leonardo en varios trabajos y están presentes también en la obra de Bronzino», añadió Lazzarini.

«El futuro de la arquitectura no está en Occidente»

«El futuro de la arquitectura no está en Occidente»

Nieto y Sobejano: "Un edificio sostenible es el que se usa".- LUIS SEVILLANO Cuando a final del siglo XIX empezaron a excavar Medina Azahara, creían estar buscando ruinas romanas y la llamaron Córdoba la vieja. Cuando identificaron la mítica ciudad musulmana, un siglo de excavaciones reportó hallazgos que preservar en un museo, inaugurado el año pasado, que ha recibido el premio Aga Kahn.

-¿Quinientos mil dólares?

«A repartir entre los cinco premiados», puntualiza la arquitecta Fuensanta Nieto (Madrid, 1957). Es el galardón mejor dotado de su carrera, en la que figura el Nacional de Arquitectura, y que arrancó cuando conoció a Enrique Sobejano (Madrid, 1957), hoy catedrático en Berlín, en la Universidad de Columbia. «La tenía vista de la escuela, pero ella siempre iba por delante», apostilla él. Atribuyen su relación profesional «de iguales» a que se conocieron «en el mismo nivel», estudiando en Nueva York. Desde 1983, han caminado juntos: tres hijos -el mayor arquitecto- y una retahíla de museos. Estamos en el restaurante del Museo Thyssen.

«Del Aga Kahn solo sabíamos que se casó con Rita Hayworth. Tiene una fundación que dona fondos para construir escuelas en países en desarrollo. Lo mejor del premio es que te hace ver más allá de Occidente. Sabíamos, por política y por economía, que el futuro ya no es Occidente. Pero esto te hace reflexionar sobre la arquitectura», dice Sobejano. «El premio valora la capacidad de mejora que aporta un edificio a un lugar», añade Nieto. Nadie se presenta. Un jurado elige visitar dos decenas de proyectos.

Él elige lubina y ella tortellini. Comparten tomates con mozarella.

-¿Qué tiene de islámico su museo más allá del sitio arqueológico de la ciudad que fundó Abderramán III en el siglo X? «Es una arquitectura introvertida, organizada en torno a patios con luz indirecta». El edificio está enterrado, desde el exterior no se ve. «En un museo sobre una ciudad es fundamental mantener el paisaje del lugar», opinan. Pero ese recogimiento caracteriza toda su arquitectura. Son varios sus edificios que buscan desaparecer. A veces, como en los museos de Mortizburg y Graz (en Alemania y Austria) bajo cubiertas topográficas. «Las cubiertas han llegado a definir las ciudades, pero son el gran perjudicado del movimiento moderno, que nos dejó sin ellas. Se puede ser moderno sin emplear la cubierta plana».

Brindamos con un rioja. Cuentan que, aprovechando la entrega de premios en Qatar han visitado la ciudad islámica que Foster está construyendo en Masdar. «Es interesante su investigación para lograr una urbe sostenible con coches eléctricos. Lo que me pregunto es si es sostenible hacer eso en un desierto», comenta Sobejano. «Un edificio sostenible es un inmueble que se usa. Si las infraestructuras culturales no tienen uso eso es insostenible», apunta Fuensanta. Y eso que todos los concursos que han ganado, el 95% de sus trabajos, son de infraestructuras culturales. Con todo, deben de ser de los pocos arquitectos que han esquivado la crisis. «Tenemos obras en marcha», precisan con cautela. Frente a la mezquita de Córdoba levantan el nuevo Centro de Arte de la ciudad. También en febrero inaugurarán el Museo de San Telmo en San Sebastián. ¿Cambiará la crisis la cara de los museos? «A pesar de contribuir a la economía, la cultura suele pagar las crisis».

Anatxu Zubalbeascoa: «El futuro de la arquitectura no está en Occidente», EL PAÍS, 16 de diciembre de 2010

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