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El origen de los geoglifos del desierto de Atacama

El origen de los geoglifos del desierto de Atacama

En las laderas del desierto de Atacama, en el norte de Chile, se halla uno de los grandes misterios de la humanidad: gigantescas figuras grabadas en el suelo representan formas abstractas e inquietantes siluetas humanas que encierran las claves de un mundo aún por desvelar. Indescifrables códigos extraterrestres y épicos viajes fenicios son algunas de las múltiples conjeturas que se han hecho en torno a más de 500 figuras del norte de Chile, unos mitos que pueden ser derribados por el arqueólogo chileno Gonzalo Pimentel, quien lleva años estudiando esas inquietantes formaciones. Lejos de las explicaciones marcianas, el origen de esas grandes proezas» se encuentra «mucho más relacionado con la naturaleza del hombre que lo que muchos otros quieren creer», dijo el experto en geoglifosy movilidad andina precolombina. Se trata, según Pimentel, «de un tipo de arte rupestre vinculado a las antiguas rutas caravaneras que los viajeros dejaban como impronta de su paso y su identidad».

Geoglifos en el desierto de Atacama, en el norte de Chile. EFE
Geoglifos en el desierto de Atacama, en el norte de Chile. EFE

Las figuras, realizadas principalmente en el primer milenio de nuestra era, miden entre 10 y 300 metros y se encuentran en medio millar de puntos entre las ciudades de Antofagasta y Arica, en pleno desierto de Atacama. Las creaciones se obtenían «dibujando sobre el suelo, ya sea sacando las piedras superficiales oscuras para dejar a la vista la arena más clara o amontonándolas con el objetivo de generar un contraste que permite distinguir la figura del fondo», explicó el experto. Ellos son el testimonio de la odisea que debió vivir el hombre en esos áridos parajes y del comportamiento de los grupos especializados de lassociedades andinas, vinculados al tráfico regional e internacional. Más allá de las improntas identitarias, «es posible que las figuras respondan también a sistemas de marcas o señaléticas alusivas a las rutas y desplazamientos», pues su ubicación se encuentra siempre lejos de cualquier antigua localidad.

Nada que ver, pues, con creaciones marcianas o de la Civilización Fenicia -quienes según algunos reportajes habrían dejado Oriente Medio para asentarse en el desierto de Atacama hace más de 3.000 años-, el origen de los geoglifos estaría relacionado con la misma motivación que empuja a «los jóvenes de hoy día a hacer grafitis en las paredes». «Las figuras -apuntó el experto- son obra y gracia del Mundo Andino Precolombino, de los ancestros locales que, en su afán de domesticar el desierto, de dotarlo de contenido y cultura, nos pintaron las laderas de los cerros con enormes figuras como si quisieran competir con el infinito desierto». Rombos escalados, cruces andinas y figuras humanas ataviadas con túnicas y herramientas representan la visión del mundo, cosmovisión, cosmogonía e imaginarios colectivos de varios miles de años y decenas de generaciones de andinos. «Fue hecho por el mundo andino para el mundo andino», remarcó Pimentel, quien subrayó la gran relevancia de estas figuras para elconocimiento de las culturas prehispánicas. Pues, según el experto, a través de los dibujos se «representa la diversidad social y cultural de grupos humanos como los atacameños, tarapaqueños, aimaras y algunos grupos quechuas».

No obstante, el arqueólogo descartó que otras de las figuras geométricas encontradas en la planicie alta de Lasana, a 40 kilómetros al noreste de la ciudad de Calama, fueran realmente geoglifos. Pimentel, que estudió concretamente estas figuras en 2008 para National Geographic, determinó que «la mayor parte de ellas fueron realizadas a mediados del siglo XX, al sacar áridos de forma artesanal mientras se construían caminos mineros y tuberías». «En términos formales -señaló- se podría decir que están realizados con la misma técnica que los geoglifos pero en realidad, aquí no hay intención de transmitir nada». En la zona de Lasana abundan, pues, las figuras resultantes de la actividad productiva; sin embargo, según el experto sí se han encontrado otras figuras de grandes dimensiones que se pueden asociar a los geoglifos. El caso más paradigmático corresponde a una compleja figura abstracta de trazado ortogonal, de 300 metros de largo por ochenta de ancho, construida entre el año 900 y 1550 de nuestra era, que es observable por completo desde el aire.

Estos estudios derriban los incontables mitos que rodean las enigmáticas líneas que parecen esfumarse en el horizonte; aun así, existe un misterio que siempre quedará en el aire: cuando fueron creadas, el hombre aún no había podido alzar el vuelo, así pues, ¿para quién fueron trazados los dibujos? Como ya ocurriera con las legendarias líneas de Nazca, en el sur de Perú, bajo la arena del inconmensurable desierto chileno las claves de este mundo arcaico permanecen encerradas como improntas de unacivilización aún por desvelar.

EFE, Santiago de Chile: El origen de los geoglifos del desierto de Atacama, ABC, 26 de diciembre de 2014
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Pintar entre reyes

Pintar entre reyes

'El rey Carlos IV en traje de caza' (1799), de Francisco de Goya
‘El rey Carlos IV en traje de caza‘ (1799), de Francisco de Goya
Hay obras más llamativas en la exposición El retrato en las Colecciones Reales de Juan de Flandes a Antonio López que las de los dos artistas que aparecen nombrados en el título de la muestra. Sin embargo, ambos delimitan a la perfección el concepto que vertebra la muestra y que no es otro que la evolución del retrato cortesano en España. Del primero se expone un pequeño retrato de Isabel la Católica, fechado hacia 1500, que sorprende por su delicadeza y por su innegable fuerza visual. Del segundo, el largamente esperado retrato de La Familia de Juan Carlos I, comenzado en 1994 y concluido este mismo año.
Entre ambos encontramos casi seis siglos de obras que -y esta es la verdadera noticia- convergen por primera vez en un mismo espacio. Las 114 piezas incluidas proceden de las Colecciones Reales custodiadas por Patrimonio Nacional en emplazamientos como el Real Monasterio del Escorial, los Reales Alcázares de Sevilla o el propio Palacio Real de Madrid, donde se exponen hasta abril del próximo año. La gran mayoría (hasta 90) son pintura, aunque también hay esculturas, dibujos, grabados y tapices, y muchas de ellas han sido restauradas y vueltas a analizar por los especialistas. Más allá de las cuestiones museísticas, la exposición ofrece una inmersión en una atmósfera pictórica de extraordinaria calidad. Desde la codificación del retrato real en el siglo XVI gracias a Tiziano y Antonio Moro hasta las postrimerías del s. XVII, los reinados de los Austrias vieron la consolidación de la iconografía a través de obras como el Retrato ecuestre de Juan José de Austria (1648) de José de Ribera o un minúsculo óleo sobre papel de Velázquez, El conde duque de Olivares (h. 1638).
'Retrato de la familia de Juan Carlos I' (1994-2014), de Antonio López
‘Retrato de la familia de Juan Carlos I‘ (1994-2014), de Antonio López
La exposición, organizada en 12 salas, permite apreciar dos de los tenebrosos y magnéticos retratos que Juan Carreño de Miranda realizó para Carlos II y Mariana de Austria, ambos sepultados por las sombras del Salón de los Espejos del Real Alcázar. Era el fin de una dinastía, y la nueva era borbónica importaría aires franceses y más galantes a los retratos reales. Felipe V trajo consigo a retratistas como Hyacinthe Regaud, maestro de la teatralidad y la afectación que impuso un estilo muy apreciable en las obras dieciochescas incluidas en la muestra. Su huella se puede detectar en la obra de Miguel Jacinto Meléndez, acaso el más importante retratista español de aquella corte. Mengs ocuparía esa posición durante el reinado de Carlos III y, en la encrucijada entre el XVIII y el XIX, dos extraordinarios lienzos de Goya (Carlos IV, cazador y María Luisa de Parma con mantilla, ambos de 1799) imponen su presencia al resto.

Entre ellos y la luminosidad contemporánea de Antonio López median algunas salas muy interesantes, con muestras de talento romántico por parte de Antonio María Esquivel, Franz Xaver Winterhalter y Federico Madrazo, con interesantísimos retratos femeninos. También algunos coqueteos de Alfonso XIII con la pincelada finisecular de Sorolla o Ramón Casas. Es entonces cuando la línea se interrumpe con una cierta sensación de fin de siglo. El tiempo dirá si la obra de Antonio López es el inicio de una nueva etapa o tan sólo un epílogo.
Carlos Primo, Pintar entre reyes, Metrópoli, 23 de diciembre de 2014
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AMOR Y SEXO EN LA GRECIA ANTIGUA – Juan Eslava Galán

AMOR Y SEXO EN LA GRECIA ANTIGUA – Juan Eslava Galán

He sido rey desde que vi la luz del sol: he comido, bebido y homenajeado a los placeres del amor, sabiendo que la vida del hombre es breve y sujeta a mucho cambio y desventuras y que otros alcanzarán el beneficio de lo que yo deje detrás de mi (…) Come, bebe, ama, que todo […]

Arquitectura degenerada bajo las banderas rojas

Arquitectura degenerada bajo las banderas rojas

Tres meses después de su fundación, el 25 de febrero 1921, Lenin se presentó en la escuela técnica de Vkhutemas de Moscú para visitar a la hija de la francesa Inessa Armand, su compañera de filas, y conversar con los estudiantes de diseño técnico y arquitectura, con los que se enzarzó en un debate sobre el arte. Le disgustó que los jóvenes se hubiesen rendido a los encantos del futurismo y de la pintura suprematista, que él no aprobaba, y expresó su preocupación por la relajada relación con la política de aquellos jóvenes. «Bueno, los gustos difieren. […] Yo soy un hombre viejo», dijo tras la visita, pero los límites de la convivencia entre el arte libre y el comunismo quedaron establecidos en aquella conversación. El cierre de la escuela tardó en llegar apenas nueve años.

En el intento de la vanguardia por sobrevivir en el entorno comunista, destaca el libro Constructivismo de Alexei Gan, publicado en 1922 y que proporcionó un vínculo teórico entre el nuevo arte emergente y la política contemporánea, conectando el constructivismo con la revolución y el marxismo. Los estudiantes de la Vkhutemas realizaron además proyectos para honrar a Lenin y la revolución, como el proyecto final de Ivan Leonidov, el diseño para un Instituto Lenin de Bibliotecología, o el Monumento de Vladimir Tatlin a la Tercera Internacional. El mismísimo Mausoleo de Lenin fue diseñado por el profesor Aleksey Shchusev. Pero de nada sirvió todo aquello porque la vanguardia rusa respiraba irremediablemente por los poros de la Escuela Vkhutemas, que jamás pudo ceñirse a jamás llegó a cumplir con el propósito que establecían sus estatutos de fundación: «Preparar maestros artistas comunistas con las más altas calificaciones para la industria, y los constructores y gestores de la educación técnico-profesional».
La escuela contaba con 100 profesores y 2.500 estudiantes. Había facultades artísticas e industriales, con cursos de gráfica, escultura y arquitectura, además de impresión, textiles, cerámica, madera y metales. En solo unos meses se había convertido en un centro de tres movimientos importantes en el arte de vanguardia y la arquitectura: el constructivismo, el racionalismo y suprematismo. Profesores y estudiantes profundizaban en la transformación de las actitudes hacia el arte y la realidad con el uso de la geometría precisa con énfasis en el espacio, en una de las grandes revoluciones en la historia del arte. Es precisamente en estos trabajos en los que se centra la exposición que pasa el invierno en el Martin Gropius Bau de Berlín, cuyo director, Gereon Sievernich, destaca las «relaciones generacionales y de hermandad con la Bauhaus alemana». «No era un movimiento aislado, sino en intensa conexión con el arte en el resto de Europa», señala. «El ministro de la Cultura en Weimar, incluso, buscó asesoramiento allí».
La exposición muestra el trabajo de los profesores y estudiantes de Vkhutemas, incluyendo varias tesis con mandato específico: una estación de metro, un edificio de gran altura o un palacio para el pueblo. Algunas de las obras son «estudios demenciales», productos de la imaginación que jamás llegarían a ser construidos, como edificios de gran altura o colgantes de los globos en el cielo, irreconciliables con el realismo social y condenadas al ostracismo en la Rusia comunista. Una especie de arquitectura «degenerada» que fue apartada de la academia. 
Vkhutemas fue disuelta en 1930, a raíz de las presiones políticas internas. La facultad, los estudiantes, y el legado acumulado se dispersaron en otras seis escuelas y sus diseños pasaron a la historia.
Rosalía Sánchez, Berlín; Arquitectura degenerada bajo las banderas rojas, EL MUNDO, 25 de diciembre de 2014
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Tan poco diferente, tan poco atractivo

Tan poco diferente, tan poco atractivo

Es costumbre que al terminar el año, como si de una larga y agotadora jornada se tratara, tendamos a recapitular sobre lo provechoso y lo superfluo. Pero ¿es obligatorio? En cierto sentido no. En estos tiempos de confusión, falta de compromiso y sensación de persecución de lo banal que infecta el mundo del arte y la cultura en general, resulta conmovedor comprobar que todavía hay autores y emprendedores para quienes daría igual vivir en cualquier época, tal es su entusiasmo. Para el resto, el arte no es más que una oportunidad periodística, el hallazgo de un alfiler entre los restos de un yacimiento expoliado, de una utopía fracasada.
¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?', 1956, de Richard Hamilton.
¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?‘, 1956, de Richard Hamilton.
Si hubiera que situar en dos polos lo que ha dado de sí este interminable 2014, la línea empezaría con el Año Greco y acabaría en el inenarrable retrato de la familia real, ejecutado después de una eternidad por el pincel de Antonio López. En medio, y con muy pocas excepciones, el taconeo tosco y exangüe de la mayoría de centros de arte como síntoma de la nula autoexigencia de la farandulera y farolera política española. Mientras, nos autoconsolamos con la donación del legado de la galerista Soledad Lorenzo al Estado español, un regalo que tiene más de valeroso que de valioso. También estamos muy contentos con el nombramiento de José Miguel Cortés como nuevo director del IVAM, sin exigir de manera firme que se depuren responsabilidades por la pésima gestión y supuesta malversación de caudales públicos durante el largo periodo de Consuelo Ciscar, lo más lamentable y repugnante que le ha ocurrido culturalmente a este país en los últimos 10 años. Nos satisface la obstinada renuncia al premio nacional del músico Jordi Savall y la fotógrafa Colita, mientras criticamos con la boca pequeña a dos artistas más felinos, Jaume Plensa y Esther Ferrer, por no haber hecho parecido desaire al ministro Wert. Culturalmente somos un país muy parasitario, preferimos los gestos de protesta en el escenario antes que en la calle.
Manuel Borja Villel continúa siendo uno de los pocos “maestros antiguos” de este país, y eso que le sobran detractores. Sus ambiciones, casi wagnerianas, le sitúan como el gran catalizador de la escena artística española. El director del Reina Sofía piensa en términos de grandes ciclos, de un proyecto total que incluya la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, la danza y el cine. Su idea es la de un romántico que escapa de los vestigios de una edad dorada perdida. Su programa, diseñado con el portugués João Fernandes, subdirector del MNCARS, revela sus esfuerzos por dar sentido y ampliar las colecciones a las culturas latinoamericanas.
La exposición de Juan Luis Moraza, todavía en cartel, es un delicadoimpasse entre las posibilidades inimaginables de la escultura. En otra línea, Playgrounds mostraba algo tan necesario hoy: la capacidad del juego como resistencia política. El tiempo y las cosas. La casa estudio de Hanne Darboven fue un maravilloso gabinete de curiosidades a escala humana reconstruido para ser contemplado como el color de las nubes o la hierba en otoño. La enésima reinvención del retrato a cargo del afroamericano Kerry James Marshall y la arquitectura emocional de Mathias Goeritz todavía despiertan ecos del poder emancipador de las artes visuales. La retrospectiva de Richard Hamilton, en colaboración con la Tate Modern de Londres, aportó al público una nueva visión del pionero del pop británico. Hamilton fue el Edison del mundo del arte durante décadas hasta su muerte, en 2011. Cada obra suya es una patente. Su trabajo estaba pensado para cotejar la posibilidad de convertir una imagen en una construcción cultural a la manera como lo haría un comisario.
En el Centro José Guerrero de Granada, la muestra The Presence of Black, que celebra los cien años del nacimiento del pintor granadino con obras de su etapa americana, marca la línea de flotación de las colecciones dedicadas a un solo creador o a una corriente artística —el Museo Esteban Vicente, el Vostell Malpartida—, habitualmente menospreciadas por las Administraciones públicas.
Las exposiciones Josef Albers: medios mínimos, efecto máximo yDepero Futurista, en la Fundación Juan March, fueron sobresalientes, como la de la italiana Carol Rama en el Macba, artista radical y estridente cuya pintura es todo un acto de exorcismo real.El Greco y la pintura moderna (El Prado) y Georges Braque(Guggenheim Bilbao) nos recuerdan cuántas revisiones del arte quedan pendientes. La última estación de este recorrido nos lleva a Toledo y al proyecto Tres aguas firmado por Cristina Iglesias. Recorrer los tres enclaves de su obra a lo largo del río Tajo es comparable a visitar la sala de máquinas de la escultura, donde el proceso supera la forma final.

Y este ha sido un resumen, entre los muchos posibles, de lo que ha dado de sí 2014. Menos aburridas prometen ser las nuevas franquicias museísticas que muy pronto se implantarán en España como dogma de fe de la recuperación económica.
Ángela Molina: Tan poco diferente, tan poco atractivo, EL PAÍS-Babelia, 23 de diciembre de 2014
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No es vicio…

No es vicio…

La profe republicana y contradictoria que aquí escribe, siempre ha sido ferviente admiradora de los Reyes Magos, pero después del regalo que acabo de encontrar en mi correo, temo que me voy a pasar al de los renos.

¡Qué grandes sois muchachada! ¡Pero qué grandes! Gracias y mil veces gracias. Gracias por ser unos cachondos, gracias […]

Tutorial Educaplay. Cómo registrarse y hacer una actividad tipo test

Tutorial Educaplay. Cómo registrarse y hacer una actividad tipo test

Educaplay es una web que te ofrece un servicio online para diseñar tus propias actividades educativas interactivas. Puedes crear crucigramas, preguntas con varias opciones, pulsar sobre el lugar correcto, emparejar, rellenar huecos, etc. El profesor puede usarlo para elaborar actividades adaptadas a lo que se ha dado en una clase o puede plantearlo para que sean los propios alumnos los que hagan las actividades. Si el alumno se crea su propia cuenta personal puede lograr puntuación extra desde casa ya que los resultados quedan registrados. La actividad creada se puede enviar por correo, incrustar en el blog de aula o descargarse para su uso en el aula sin conexión a Internet, esto es una posibilidad que ofrecen muy pocos servicios gratuitos online. La  mayor pega es que colocan publicidad.
Este es el primer tutorial sobre Educaplay. Aquí explico cómo registrarse y cómo hacer una actividad de elegir entre varias opciones. En otros tutoriales explicaré más posibilidades de este servicio. 

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